КОНСЕРВАТОРИЯ
Студенческая газета
Редакция газеты
Текущий выпуск
№1 (49), январь 2023

Здравствуйте, уважаемый Читатель!

Новый январский выпуск нашей электронной студенческой газеты «Консерватория», как обычно, посвящен журналистскому творчеству музыкантов-исполнителей НГК имени М.И. Глинки: магистрантов I курса.

Взрослые, личностно сложившиеся, полностью сформировавшиеся как специалисты-музыканты – педагоги и концертирующие исполнители, наши авторы щедро делятся мыслями и идеями, воспоминаниями и современными творческими свершениями: своими и своих коллег.

Это всегда интересно и познавательно.

А в текущем, 2023-м году, некоторые из лучших публицистических статей данного выпуска газеты будут представлены на VI открытый региональный конкурс работ по музыкальной критике и журналистике имени И.И. Соллертинского, который вскоре будет проходить в Новосибирской консерватории. Приглашаем всех желающих музыкальных журналистов принять участие в нашем традиционном конкурсе, прислав в одну из трех возрастных групп свои статьи: прием работ до 12 марта, рецензирование работ членами жюри 13 марта – 12 апреля; подведение итогов конкурса состоится 13 апреля 2023 г.


Ждем ваши материалы!

С наилучшими пожеланиями,

главный редактор газеты «Консерватория»,

доктор искусствоведения, профессор

Марина Юзефовна Дубровская

Музыкальные наблюдения
Насколько вы аутентичны?

Анита Лахина

магистрант I курса ОФс

Кто такой «аутентичный музыкант»? Речь, как ни странно, пойдет вовсе не о музыке эпохи барокко, в которую возникла мода аутентичного исполнения (максимальное приближение к манере исполнения того времени), а о понятии «аутентичность», которое легло в основу книги Стивена Джозефа «Аутентичность».
Вы можете задать вопрос: что значит быть аутентичным? Простыми словами словосочетание «быть аутентичным» можно перефразировать в «быть собой». А ещё более детальное определение «аутентичности» заключается во фразе Абрахама Маслоу: «Человек должен быт тем, чем он может быть. Эту потребность мы можем назвать самоактуализацией». В своей книге Стивен Джозеф часто приводит выдержки из трудов основоположников гуманистического подхода в психологии Карла Роджерса и Абрахама Маслоу, для которых основополагающей была идея личности, как уникальной целостной системы, которая представляет собой не нечто заранее данное, а как «открытую возможность» самоактуализации, присущую только человеку. Аутентичность по Джозефу подразумевает умение прислушиваться к себе и особый акцент автор делает на идее эвдемонизма- стремлении реализовать свой потенциал.

Зачем же музыканту быть аутентичным? В гуманистической психологии в качестве основных предметов анализа выступают: высшие ценности, творчество, любовь, свобода, ответственность, самоактуализация личности, автономия, межличностное общение. А не являются ли эти предметы анализа психологов категориями, которые являются основополагающими для музыкального искусства? По пирамиде Маслоу мы прекрасно знаем, что когда базовые потребности индивида удовлетворены (физиологические потребности и потребности в безопасности), то тогда появляется потребность в самовыражении и реализации. Так как музыкальное искусство является проективной методикой, важную роль в музыкальной интерпретации и подаче музыкального произведения является личность музыканта. Чем ярче личность музыканта, жизненная позиция, своя точка зрения и музыкальные предпочтения, тем более диффирентной будет исполняемая им музыка. Если бы все музыканты на планете были бы самими собой (аутентичными), мы бы не знали таких понятий как «музыкальное клише».

Как стать аутентичным? Формула аутентичности по Джозефу. В своей книге Стивен Джозеф дает формулу аутентичности:
1. Знать себя. Чтобы стать аутентичным, нужно принять правду о самом себе, даже если она неприятна. Аутентичный человек честен с собой и постоянно за собой наблюдает, ищет, где и в чем он себя предает, и пытается взглянуть на ситуацию под другим углом. Он знает, что думает, но не прочь изменить свое мнение при обнаружении новых сведений. Иными словами, аутентичность требует открытости и умения реалистично оценить происходящее.
2. Ответственность за свои решения. Аутентичные люди отвечают за свои решения и знают, что они и есть творцы собственной жизни. Они не сваливают вину за свои ошибки на других, но и себя не обвиняют. Быть ответственным за свои поступки — значит не отчитывать себя за глупость или неуклюжесть, а сделать выводы из случившегося, поставить себе новые, более четкие цели и в будущем внимательнее прислушиваться к интуиции.
3. Быть собой. Дела аутентичных людей не расходятся со словами. С такими людьми нам нравится проводить время, мы поверяем им свои надежды и страхи. Те, кто умеют быть самими собой, стремятся к открытости и честности в отношениях с другими.
Резюмируя можно сказать, что аутентичный музыкант — аутотелическая (от греч. «auto» — само по себе и «telos» — цель) личность, имея ввиду, что она занимается делом ради самого этого дела, ей присущи любознательность и открытость. Для таких музыкантов исполнение музыки никогда не станет чем-то рутинным и посредственным, а посредственность, как мы знаем, ведёт к скуке.

У аутентичных музыкантов всегда будет что предложить и чему научить публику, ведь такие музыканты знают самих себя, свои предпочтения и смело предлагают свои музыкальные и исполнительские идеи.

Тяжело быть музыкантом?

Филипп Васильев

магистрант I курса ОФд

И сразу же хочу сказать — не просто! Конечно, есть много профессий которые сложны в своей сфере, но тут хочется затронуть именно сферу культуры.
Какая была бы жизнь без музыки? Очень скучной, однообразной и в какой-то степени бессмысленной. Для этого и нужны профессионалы своего дела. Это относится не только к исполнителям, но и к педагогам. Это совсем не просто — научить своему делу, особенно, если дело касается игры на инструменте. Быть педагогам это с одной стороны не благодарное дело, но с другой — какую радость можно испытать за успех своего ученика. Сразу понимаешь: «Мы занимались не зря» или «Мы идём в правильном направлении». Педагог должен не только показать, как он выполняет работу, но и заинтересовать ученика.

У музыканта исполнителя совсем иная задача. Он должен передать чувства, эмоции, переживания в своей игре. Конечно же одними приёмами не удивить, так как разные произведения были написаны в разных эпохах. Для этого исполнителю нужно заниматься, заниматься и заниматься! Трудиться, учиться, развиваться самому, слушать разных исполнителей — тогда появится вдохновение. Не просто так Пётр Ильич Чайковский говорил: «Вдохновение рождается только от труда»! Не просто быть музыкантом и в нашем современном мире, в эпоху технологий и интернета. Всё есть в легкой доступности, но, к сожалению, мало кто интересуется культурой. Современная молодёжь почти не ходит на концерты, мало посещает театры — «не интересно», говорят они. К сожалению, но это так. Поэтому, когда выходишь на сцену сыграть какой-нибудь концерт — наблюдаешь лишь единицы слушателей, которые по большей части тоже являются музыкантами. Но я верю, что будет тот момент, когда музыка и труд музыканта снова обретут почёт.

Хочется закончить прекрасной цитатой Вольфанга Амадея Моцарта: «Чтобы сорвать аплодисменты, нужно либо писать вещи настолько простые, чтобы их мог напеть всякий возница, либо такое непонятное, чтобы только потому и нравилось, что ни один нормальный человек этого не понимает».

О проблемах интерпретации прелюдий

К. Дебюсси

Елизавета Комарова

магистрант I курса ФФ

Творчество Клода Дебюсси занимает особое место в мировом музыкальном процессе на переломе столетий. Его творчество обновило систему музыкального языка. Потрясающие фортепианные прелюдии Дебюсси снискали любовь публики и исполнителей: яркость гармонии, изысканные названия и необыкновенность композиции впечатляют слушателей и не перестают восхищать и волновать. Актуальность моего повествования подтверждает тот факт, что проблематика фортепианного творчества Дебюсси далеко не исчерпана, ведь его наследие представляется достаточно многогранным.

В этом полугодии мне выпала возможность прикоснуться к творчеству Клода Дебюсси — на концерте мне предстоит играть первую тетрадь прелюдий. И я понимаю, что при изучении нотного текста необходимо вдумчивое отношение к каждой его детали: динамики, артикуляции, обозначении темпа, украшениям и так далее. Но в прелюдиях Дебюсси я отметила несколько особенных черт мелодии — она имеет прихотливую и изменчивую ритмику, часто бывает скрыта в гармоническом фоне. Это видно с самой первой прелюдии «Дельфийские Танцовщицы», где мелодия проходит не в верхнем голосе аккорда, как мы уже могли привыкнуть, а в среднем. А ладо-гармонический язык прелюдий включает в себя частое употребление неразрешённых диссонасных созвучий и неожиданные смены тональностей, что может так же доставить исполнителю некоторые трудности. Прелюдии К. Дебюсси имеют названия, но автор их указал не в начале, а лишь в конце пьесы, словно он не хотел навязывать свой замысел интерпретатору, давая свободу творчеству. Также Дебюсси не указывал педаль, поэтому от пианиста требуется особая чуткость и аккуратность в ее применении. Удивительным образом во многих прелюдиях преобладает нюанс «,и исполнителям прелюдий К. Дебюсси очень важно уметь передавать динамические нарастания и спады внутри этого нюанса. Таким образом, главной проблемой для пианиста является достижение нужного звука.

Конечно, также я бы хотела отметить и калейдоскопическую смену разнохарактерных образов, как внутри одной прелюдии, так и внутри всего цикла. Как же кардинально нужно перестроиться исполнителю после прелюдии «То, что видел западный ветер» (7 номер цикла) на «Девушку с волосами цвета льна» (8 номер цикла). Саму форму прелюдий трудно свести к классическим композиционным схемам, настолько она свободна и своеобразна. Есть только намек на репризность. И в завершении отмечу темповую свободу, частые изменения темпов, замедления и ускорения, то что нужно прочувствовать исполнителю прелюдий. «Музыка — как раз то искусство, которое ближе всего к природе… Только музыканты обладают преимуществом уловить всю поэзию ночи и дня, земли и неба, воссоздать их атмосферу и ритмически передать их необъятную пульсацию», — считал К. Дебюсси. Возможно, из-за нетрадиционности его мышления его музыка наполнена таким очаровательным шармом, который должен уметь почувствовать и передать слушателю интерпретатор.

А судьи кто? О перфекционизме музыкантов

Анита Лахина

магистрант I курса ОФс

Доводить дело до конца, стремиться к качеству и делать свое дело хорошо — прекрасное качество для людей творческих профессий и не только. Но как понять, что стремление к качеству не вредит самому творческому процессу?

Давно известно, что XXI век стал веком жесткой конкуренции не только в сфере бизнеса, но и в сфере искусства, в том числе музыкального. Век социальных сетей задает тренды и устанавливает высокие стандарты в исполнении музыкальных произведений, техничного исполнения и поиска новых музыкальных образов среди набивших оскомину музыкальных клише. Высокая конкуренция и бессознательное сравнивание себя с другими музыкантами заставляет трудиться в поте лица, чтобы быть «быстрее, выше, сильнее». В погоне за техничностью, музыканты продолжают работать над своей техникой, а при сравнении себя с другими исполнителями начинают сомневаться в себе и отказываются от выступления, берут программу легче или переносят выступления на более поздний срок.

Как понять, что вас одолел деструктивный перфекционизм?
Одним из «симптомов» может послужить полная уверенность в том, что вы не готовы к концерту. При этом ваше окружение может говорить об обратном, а степень вашего напряжения и беспокойства усиливается с приближением даты выступления.
Психологи рекомендуют следующие способы, чтобы выйти из замкнутого круга «учу, но становится все хуже»:
1. Постарайтесь посмотреть на качество выученной программы со стороны. Найдите недочеты и постарайтесь разобраться: действительно ли эти недочеты есть или вы пытаетесь найти черную кошку в черной комнате;
2. Спросите у своего окружения что они думают по поводу вашей игры. Постарайтесь опросить людей примерно вашего уровня игры, чтобы их рекомендации и отзывы соответствовали вашему уровню. Так вы сможете составить более реальную картину;
3. Сделайте перерыв. Иногда музыканты-перфекционисты так усердно работают над идеалом, что уже замыливается глаз и сам исполнитель не видит итог проделанной работы. Пусть ваши руки и разум отдохнут, а после непродолжительного перерыва вы сможете заново взглянуть на свою проделанную работу, оценить ее более адекватно и конструктивно;
4. Не забываете про другие сферы своей жизни; так вы сможете сохранять баланс и черпать вдохновение и силы для своей музыкальной деятельности;
5. Психологи рекомендуют работать с самооценкой, так как одна из базовых вещей в основе перфекционизма — самооценка исполнителя.
Чрезмерный перфекционизм в работе и жизни — это про неадекватную оценку результатов, а при работе с музыкальной программой важно не становиться машиной, у которой есть только два режима: «вкл» и «выкл». Музыке ничто человеческое не чуждо и именно по этой причине важно сохранять баланс работы и отдыха, чтобы иметь свежий взгляд и адекватно оценивать свою творческую работу.

Как научиться писать

Екатерина Васильева

магистрант I курса ОФс

Наверное, эта потребность — писать — была всегда. Но отупение, которое настигает в момент взятия листа бумаги и ручки, всегда останавливало. Сперва не знаешь с какого слова начать, и возникает стойкое ощущение недостаточности словарного запаса. Потом начинает казаться, что мысль, которую ты хотел увековечить, вовсе и не мысль, а так… и она совсем не заслуживает обнародования. Итог — бумага и ручка отложены до лучших времён, а я иду работать и делать то, что у меня более менее получается.

Я работаю преподавателем на кафедре оркестровых струнных инструментов в Институте искусств с 2008 года. Веду квартет и специальный инструмент. Студент приходит на первый урок с новым произведением и начинает играть. Я прерываю его для разговора о том, что мы знаем об этом произведении, о композиторе, эпохе, стиле, жанре. Я спрашиваю какие записи были прослушаны, какие ему понравились или не понравились и почему. И начинается создание «нового» произведения. «Нового», потому что каждый раз каждый новый студент прочитывает его с высоты своих знаний, умений и опыта.

Первый вопрос, который я задаю: «Как ты хочешь сыграть первую ноту? Какое настроение, какая мысль?». Это очень важный момент в работе. Ответ на такой вопрос определяет технологию, готовит руки к определенному взятию звука (а их несчётное множество). Да что руки, всё тело исполнителя наполняется состоянием играемого и подчиняется ему. Метроритм определяет дыхание и движение рук перед взятием, во время возникновения звука и дальнейшую его жизнь. Иногда получаешь ответ: «Я не знаю». Это не страшно, ведь такой ответ может означать не столько безразличие (а это убийственно для любой профессии, как мне кажется), сколько неуверенность в верности своих представлений или невозможность облечь в слова свои мысли и чувства. Страшнее получить в ответ: «А как надо?». Это свидетельство внутренних зажимов и границ, которые диктуют нам, что нельзя нарушать правила, порой несуществующие. От этого необходимо избавляться.

В своей профессиональной деятельности я придерживаюсь только одного правила — мои границы не должны противоречить границам, которые выставил композитор тем, что он написал в нотах. Конечно, мои границы должны основываться на моем тезаурусе и его необходимо расширять и пополнять. Я не знаю, как надо сыграть первую ноту, но я знаю, как я хочу её сыграть. Это моё представление и моя тайна. А моя роль в процессе создания «нового» произведения — сперва помочь студенту перевести в слово то, что он думает, чувствует и хочет сыграть. Перевести в слово не для меня, а для себя самого. А потом помочь подобрать инструмент или добавить новые инструменты для достижения результата, который он задумал. Ведь цель — передать свой опыт, видение, мысль, чувство. Самовыразиться для себя или собой на инструменте.

Много интересного можно услышать от себя и от своих студентов на уроке. И снова рождается какая-то мысль, которая рвется наружу и даже требует, чтобы её записали. Я возвращаюсь домой, беру ручку и лист бумаги в надежде, что сегодня смогу подобрать осмысленные слова, также как я подбираю звуки.
Новосибирск музыкальный

Премьера оперы Римского-Корсакова «Царская невеста» в НОВАТе

Алина Тюмерекова

магистрант I курса ОФс

15 сентября 2022 года в Новосибирском государственном академическом театре оперы и балета на открытии нового творческого сезона состоялась грандиозная премьера оперы «Царская невеста» Н.А. Римского-Корсакова. «Царская невеста» — одна из самых драматичных русских опер: любовные треугольники, интриги, отравления, убийства.
Свое прочтение великой русской музыкально-исторической драмы представили публике художественный руководитель НОВАТа, дирижер Дмитрий Юровский и главный режиссер театра Вячеслав Стародубцев.

«В „Царской невесте“ есть всё, за что мы любим русскую музыку. В ней есть та палитра и гамма эмоций и чувств, которая присуща русскому человеку - от тонкого небесного лиризма до животного драйва. В великой музыкальной партитуре отображены эта глубина и этот разбег. Высочайший эмоциональный градус переплавлен в каждой ноте этого произведения», — рассказал режиссер.

Вячеслав Стародубцев создает обобщенный образ Руси вместе с художниками-постановщиками Вячеславом Окуневым (декорации) и Петром Окуневым (костюмы): триединая литая икона-складень, мрачная красота интерьера, ворота монастыря, купеческий дом, царский терем. Одним из самых запоминающихся предметов декораций, конечно же, стало огромное кадило с ладаном в четвертом действии оперы, раскачивающееся над сценой. В костюмах заметно неожиданное смешение Востока и Запада, опричники с длинными волосами, кожа и мех, медвежья шкура.
Артистам удалось убедительно передать образы ярких, сильных и таких разных героев. Приглашенная артистка Олеся Петрова, меццо-сопрано с мировым признанием, в партии Любаши была настоящим украшением премьеры. В премьере ярко заявила о себе молодая солистка оперной труппы НОВАТа Диана Белозор, создавшая ангельский, чистый образ Марфы Собакиной. Заслуженный артист России Юрий Комов исполнил партию лекаря Бомелия очень ярко и с вокальной, и с актерской точки зрения. Скользкий персонаж с белой кожей, едва похожий на обычного человека, в бледно-зеленом костюме, с ярко красным веером в первом акте и в черной мантии во втором, вызывал настоящее омерзение, тем самым точно попав в сущность своего персонажа.
Массовые хоровые сцены, приглашенный ансамбль народного танца «Чалдоны» захватывали яркостью и масштабностью, все это позволяло зрителям глубже проникнуть в дух того времени. Публика с восторгом приняла премьерную для театра оперу, уверенно вошедшую в репертуар театра.

Балет «Весна Священная».

Премьера в Новосибирской филармонии

Ирина Ткачук

магистрант I курса ОФс

21 ноября 2022 года на сцене Новосибирской государственной филармонии состоялась премьера новой интерпретации балета Игоря Стравинского «Весна священная». Теперь это не только танец под музыку симфонического оркестра, но и важная литературная составляющая, которая придаёт всей истории драматизм. В главной роли — Сергей Полунин. Его чувствительность, неординарность и личные переживания позволили найти выразительные средства, которые отразили трагедию народа. «Балет смотреть нелегко: стихи трогают, это живые стихи про людей, которые видели всё своими глазами. Музыка и танец очень трогательны», — Сергей Полунин. Строки стихов, как натянутый нерв. Игорь Петренко — актёр театра и кино, прочитал строки современных русских поэтов: «Кино, театр, спектакль — это все-таки другой вид искусства, нежели поэзия. Здесь есть смешение каких-то стилей, есть и декламация, и при этом, вдруг переход в абсолютно бытовой диалог. Музыкальные фразы в исполнении фестивального симфонического оркестра кричали о моей изнывающей Родине».

Атмосфера в этом сценическом спектакле особенная. Гипнотическая музыка, написанная композитором, заставляет держать внимание зрителя до последних минут. Каждый фрагмент на репетиции главные герои оттачивают до совершенства. Художник по свету Д. Мисакян специально не акцентировал внимание на лице. Зрителю был доступен только язык тела. Каждый луч как эмоциональный акцент создавал захватывающую атмосферу. Фестивальный оркестр расположился прямо в партере, перед зрителями, чтец находился над зрителем на балконе, а все основное действо происходило на сцене. Оркестром дирижировал Михаил Симонян.
Трио — С. Полунин, И. Петренко, М. Симонян — родилось незадолго до премьеры. Месяц назад произошло их совместное знакомство, а всего за пару репетиций осуществилось само грандиозное действие. Последние поправки вносились за несколько минут до выхода на сцену. Композиция тронула Новосибирскую публику. По окончанию артистов одарили громкими овациями.

Репортаж с концерта, посвященного 50-летию педагогической деятельности профессора С.Ф. Курбетовой

Елизавета Комарова

магистрант I курса ФФ

29 сентября 2022 года на сцене Малого зала Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки состоялся концерт, посвященный юбилею педагогической деятельности заслуженного деятеля искусства РФ, профессора кафедры камерного ансамбля, струнного квартета и концертмейстерского мастерства Светланы Федоровны Курбетовой.

Удивительным образом эта круглая дата совпадает и с личным юбилеем профессора — 75-летием со дня рождения! На праздничном концерте прозвучали поздравления ректора Новосибирской государственной консерватории и ректора Томского института искусств и культуры, а также добрые слова от выпускников класса С. Ф. Курбетовой. В концерте приняли участие педагоги и концертмейстеры НГК имени М. И. Глинки, выпускники класса, артисты Новосибирского академического симфонического оркестра Новосибирской филармонии и солисты Новосибирского государственного академического театра оперы и балета, ведущей была студентка теоретико-композиторского факультета Виктория Михайлова.

Особенностью концертной программы, на мой взгляд, стал выбор репертуара — в зале в этот вечер звучала музыка исключительно русских композиторов. Открыл концерт Большой секстет Михаила Ивановича Глинки (Анданте и Финал) — за роялем сама юбиляр! Стоит отметить высокий профессионализм музыкантов, безупречно исполнивших секстет.
Затем прозвучал фортепианный дуэт Светланы Федоровны Курбетовой и Людмилы Игоревны Хрульковой. Исполнительская деятельность их ансамбля продолжается вот уже более 35 лет, что, без сомнений, также можно назвать достойной юбилейной датой!

Продолжили концерт ученики класса Светланы Федоровны, в исполнении которых великолепно звучали романсы и арии русских композиторов, а также инструментальные номера. Программа концерта была продумана и составлена прекрасно, но в силу сезонного обострения заболеваемости, несколько номеров слушателям не удалось услышать по причине болезней артистов. Также стоит отметить, что публика на концерте была разнообразной — это и молодежь, нынешние студенты С. Ф. Курбетовой, и выпускники прошлых лет, друзья и поклонники творчества профессора.

Подытоживая, можно сказать, что атмосфера концерта была очень интересная и добрая. Музыканты и Светлана Федоровна не переставали улыбаться и дарить свое творчество залу, получая в ответ овации от благодарных слушателей.

Рецензия на концерт вокальной музыки

Анджей Дикович

магистрант I курса ФФ

Опера — один из жанров классической музыки, популярный у массового слушателя. Поэтому, на мой взгляд, потребность в молодых певцах, обученных этому искусству, будет существовать всегда.

Вот уже на протяжении многих лет свою деятельность на кафедре сольного пения Новосибирской консерватории ведет профессор, педагог, пианист Марина Юрьевна Резникова, выпустившая ни один десяток талантливых ребят, среди которых уже много известных имен — звезд мировой оперы. Как человек, преданный искусству и чтущий традиции кафедры, Марина Юрьевна со своими учениками дала концерт-посвящение своему учителю — Елене Барановой, состоявшийся 21 ноября 2022 года. Меня всегда удивляло рвение слушателей посещать концерты профессора Резниковой. На моей памяти ни один концерт, организованный ею, не обходился без аншлага. Так было и в этот раз.

Надо помнить, что нет ничего более субъективного, чем восприятие человеческого голоса другими людьми. Моя рецензия основана исключительно на моем слушательском и исполнительском опыте, а также опыте работы на кафедре сольного пения. Вечер не был разделен на главы — страницы музыкальной истории или же на блоки, в коих исполнялись бы определенные жанры, но это не мешало воспринимать выступление студентов, ведь главным на этой сцене была не сюжетная линия или логически выстроенная последовательность исполнения, а музыка. Однако, в данном концерте были сочинения, которые можно отнести к ранней музыке, оперные арии, романсы, а также интересные дополнительные «оригинальные песни» (категория музыки, не популярно исполняемой на отечественной сцене в сочетании с классическим певцом). Сказать, что на концерте выступали только «звезды» вокального факультета, было бы мягко сказано, ведь, действительно, один за другим певцы, выходящие на сцену, демонстрировали высокий профессионализм и мастерство. Это и не удивительно, ведь большинство солистов этого концерта — ведущие музыканты региона.

С каждым концертом Марины Резниковой, я искренне восхищаюсь ее педагогическому таланту и, особенно, безудержной преданности своему делу, трудоспособности, которой остается только позавидовать. Мне повезло чуть больше, я имею честь работать в одном с ней классе, и, конечно, замечать больше деталей, скрытых от глаз простого обывателя. Так, например, придя на следующий день после концерта я с удивлением обнаружил Марину Юрьевну на своем рабочем месте: «Да, это пример для подражания, — подумал я: — После концерта, в изнеможенном состоянии снова отдавать всю себя этому великому делу!».

«Запад – Сибирь – Восток»

Филипп Васильев

магистрант I курса ОФд

Совсем недавно в Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки состоялся I Международный конкурс «Запад — Сибирь — Восток»: конкурс исполнителей на духовых и ударных инструментах имени И. И. Бобровского.

На это грандиозное событие приехало большое количество исполнителей. Состязались как профессионалы, так и совсем малыши. На лицах конкурсантов видно бурю эмоций — переживание перед выступлением, радость новым знакомствам, боевой настрой. Слушая исполнителей младшей группы можно с уверенностью сказать, что перед нами стоят перспективные начинающие музыканты. В их выступлениях слышится стиль, видны современные приёмы исполнения, виртуозное и качественное исполнение. И стоит отметить, что некоторые конкурсанты из старшей группы могут только позавидовать такому мастерству! У всех есть вера в себя, воля к победе, но лишь немногие будут удостоены званий лауреатов и дипломантов Международного конкурса.

Для оценки конкурсных выступлений были выбраны прекрасные члены жюри, которые оценивали не только качественно и безошибочно сыгранный текст, но и творческое мышление, звук, и, даже, движение на сцене. Здорово, что в рамках конкурса была проведена серия мастер-классов, где многоуважаемые члены жюри поделились своим опытом и знаниями, направив юных музыкантов на пути к успеху.
Можно долго говорить о высоком профессиональном уровне музыкантов, слаженной организаторской работе и подготовленном конкурсе, но не стоит забывать о переживаниях преподавателей, которые слушали своих учеников и волновались за них даже больше, чем мы можем себе представить.
Интервью
Интервью с Юлией Попружной

Филипп Васильев

магистрант I курса ОФд

Вот и подошёл тот самый день — открытие I Международного конкурса «Запад — Сибирь — Восток»: конкурса исполнителей на духовых и ударных инструментах имени И. И. Бобровского. В этом мероприятии могут принять участие как дети, так и состоявшиеся профессионалы. Приехало большое количество исполнителей из разных уголков, готовых показать своё мастерство и умение игры на инструменте. Не обойдётся конкурс и без мастер-классов, на которых члены жюри продемонстрируют свои знания и дадут напутствия подрастающему поколению.

Нам посчастливилось поговорить с одним из конкурсантов, ассистентом-стажёром 1 курса Новосибирской государственной консерватории Юлией Попружной (флейта).

Филипп: Здравствуйте, Юлия! Спасибо, что уделили время. Расскажите пожалуйста, как Вы узнали о предстоящем конкурсе?

Юлия: Трудно было о нём не узнать, потому что сейчас век продвинутых технологий, и всё выкладывается в социальные сети. Наша консерватория их активно ведёт: во ВКонтакте, телеграмме. Ну и конечно же меня окружают музыканты, с которыми всё обсуждается.

Ф.: А есть ли некое волнение, в предстоящем выступлении?

Ю.: Конечно, я очень волнуюсь, потому что очень много приезжих профессионалов из Москвы, Санкт-Петербурга, хороших музыкантов из разных ВУЗов и городов.

Ф.: На каких конкурсах Вам довелось побывать (участвовать)?

Ю.: На международных, всероссийских, на конкурсах нашей консерватории, в Новосибирской специальной музыкальной школе. Посчастливилось играть на конкурсах в Москве и Финляндии.

Ф.: Что, на Ваш взгляд, самое важное во время выступления на сцене?

Ю.: Я давно пришла к такому мнению — не отключать голову! Конечно, нужно чувствовать музыку, вести некую мысль, но не сильно увлекаться своей игрой. Быть с горячем сердцем и холодной головой.

Ф.: Что Вы можете сказать о выборе программы? Был регламент или свободный полёт фантазий?

Ю.: На этом конкурсе была определённая программа. Были представлены варианты, но выбор не большой. Составляли всё с преподавателем. Подбирали под мои возможности, ограниченное время — которое было на подготовку к конкурсу, ну и конечно же под программные требования.

Ф.: Кто является для Вас эталоном игры на флейте? Кто вдохновляет заниматься и добиваться новых высот?

Ю.: К сожалению, а может и нет, фаворита такого не имеется. Но так как у нас в консерватории за последние 3 года проходят много различных мастер-классов, приезжают много людей из разных городов и стран — это вдохновляет. Вдохновляет заниматься, любить свою профессию, на дальнейшую свою работу и усовершенствование своих навыков.

Ф.: На Ваш взгляд — есть ли у Вас шанс сделать рывок до первого места?

Ю.: На этом конкурсе у меня нет цели завоевать первое место. Абсолютно. Хочется достойно сыграть первый тур, второй (если повезёт). Главное — показать всю свою работу. Но так как я и преподаватель, то будут играть и мои ученики из музыкальной школы. Нужно показать им своё мастерство и вдохновить на победы.

Ф.: Спасибо, Юлия, за уделённое время. Желаем Вам успехов на предстоящем конкурсе!

Ю.: Благодарю!
Интервью с органистом и композитором
Г.А. Никулиным

Анджей Дикович

магистрант I курса ФФ

Интервью с органистом, композитором, доцентом кафедры специального фортепиано НГК имени М. И. Глинки Глебом Никулиным.

Анджей: Глеб Анатольевич, добрый день! Спасибо, что смогли найти для меня время побеседовать. Начну с того, что скажу, пожалуй, истину — орган считается самым большим инструментом, а, вместе с тем, самым сложным. Вы связали свою жизнь с этим инструментом. Скажите, этот выбор был для Вас очевидной вещью или этому способствовали ряд каких-то событий?

Г. Н.: Первая встреча с органом произошла в годы обучения в Средней специальной музыкальной школе на отчетном концерте в консерватории — я остался под большим впечатлением от масштаба инструмента, от его возможностей, от большого количества механизмов, которые приводят в действие этот инструмент. Позже, будучи в классе 7-м, я, идя по коридорам консерватории, обнаружил класс с органом, на мое счастье в тот момент там никого не было. И я решил что-то попробовать поиграть на инструменте. Это было первое тактильное впечатление от органа — с тех пор я серьёзно задумался о том, чтобы его освоить. И вот в начале 1990-х годов в Новосибирск приехал Андрей Владимирович Чуловский — к тому времени он как органист окончил Рижскую музыкальную академию и аспирантуру Московской консерватории. В нашу консерваторию его пригласили вести органный класс, где я и начал заниматься параллельно с учёбой на теоретико-композиторском факультете, который прекрасно дополнял изучение органной музыки. Кстати, практически все известные нам органисты были композиторами, включая Баха, Мендельсона, Франка, Регера… Сегодня есть и органисты-импровизаторы, которые записывают спонтанные произведения, а органисты-исполнители уже потом расшифровывают и разучивают их, как пьесы.

А.: Я знаю, Глеб Анатольевич, что музыка эпохи барокко — это одно из направлений, репертуар которого у вас в превалирующем большинстве. Как Вы описали бы этот период?

Г. Н.: Это время по праву называют «золотым веком» органной музыки, поскольку именно в начале ХVII века почти во всех европейских странах появляется огромное количество выдающихся музыкантов — помимо Баха, который является номером один для органистов, это, конечно, Дитрих Букстехуде в Германии, Джироламо Фрескобальди в Италии (раннее барокко), Франсуа Куперен и Николя де Гриньи во Франции. Барочная музыка каждой страны имеет свои яркие отличия, в основе которых — народная песенная традиция, структура языка, климат. Самыми монументальными сочинениями эпохи барокко являются немецкие композиции — это большие развёрнутые фантазии, виртуозные токкаты с развитой педальной техникой. Во Франции с её склонностью к миниатюрам в это время появляется жанр сюиты, представляющей ряд небольших контрастных пьес, которые словно витражи готического собора, переливаются разными красками, но в то же время составляют единое целое. Музыка французского органа, в отличие от немецких композиций, звучит менее серьёзно и даже где-то легкомысленно.

А.: Можно ли говорить об органном творчестве, разделяя его на категории «серьезной» музыки и «легкомысленной»?

Г. Н.: Несмотря на то, что многие органные произведения во Франции предназначались для литургии, они, по сути, были танцевальными песенными миниатюрами — изящные и милые. Хотя встречались и эмоционально наполненные сочинения. Я не говорю о категориях как таковых, но суть музыки, ее содержание, да, может разниться.

А.: Когда мы слышим слово «орган», конечно, первая ассоциация — это собор, мощь, благородство, Royal, в конце концов…

Г. Н.: Наверное, многие знакомы с выражением крупнейшего французского композитора ХIV века Гийома де Машо: «Орган — король инструментов». С этим сложно не согласиться, ведь даже по размерам орган — самый крупный инструмент. Хотя, конечно, есть и небольшие его разновидности — переносные органы-портативы. Кроме того, орган называют «божественным инструментом», поскольку его история тесно связана с музыкой католических храмов начиная ещё с VII века. Видимо, этому способствовала некая соборность, присущая звучанию органа — мощное, даже космическое музыкальное единство, обладающее тысячей голосов. Многие люди и не слышали орган, но уже одно лишь это слово их пугает: «Нет, орган не для меня, слишком непонятно», — говорят они. Но изначально, в античности, на органе играли в цирках, театрах, на ипподромах и даже порой звуки органа сопровождали казни первых христиан. Не удивительно, что игра на органе, как и на любом другом инструменте, первое время была запрещена при богослужении, поскольку считалось, что такая музыка связана с язычеством и даже с нечистой силой. Сегодня орган уже прочно вошёл в традицию католических литургий — около 80% всего органного репертуара связано именно с церковной практикой и является своего рода молитвой, преобразованной в музыкальные звуки.

А.: Ныне орган мы наблюдаем не только в соборах, но и в концертных залах. Скажите, куда лучше приходить слушать этот инструмент?

Г. Н.: Везде своя атмосфера и своя структура концерта, смотря какой результат от прослушивания вы хотите получить. Для выступления в кафедральном соборе тщательно отбираются произведения, поскольку из всего огромного органного репертуара не каждая композиция подойдёт для костёла. К тому же здесь своя специфика исполнения — в европейских музыкальных учреждениях даже созданы отдельные курсы для органной игры во время литургии. Помимо органа, во время богослужения звучит ещё и хор, который в совокупности с общей атмосферой и прекрасной акустикой собора способствует высокому светлому настрою. Но, как ни странно, в концертном зале ощущается более тесный, прямой контакт с публикой. Выходя на сцену, я обычно сразу чувствую — готовы ли сегодня меня услышать в зале или нужно будет достучаться. Иногда бывает и наоборот — моё эмоциональное состояние перед выходом на сцену требует раскачки, и тогда во время концерта я направляю внимание не только вовне, но и в себя. Что касается концертных выступлений в церкви, то это совершенно особое ощущение. Само место настраивает на определённый лад. Органист, как правило, находится наверху на хорах, слушатели сидят к ним спиной. Возникает совершенно иная атмосфера, где исполнитель играет как бы не только для публики…

А.: Глеб Анатольевич, спасибо Вам за содержательную беседу!

Г. Н.: Благодарю и Вас!
Интервью с профессором С.Ф. Курбетовой

Елизавета Комарова

магистрант I курса ФФ

В работе раскрывается творческий портрет талантливой новосибирской пианистки, заслуженного деятеля искусств РФ, профессора- Светланы Федоровны Курбетовой, являющейся достойным продолжателем традиций русской фортепианной школы.

Светлана Федоровна Курбетова — профессор, авторитетный педагог Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки, в которой работает уже 38 лет (с 1984 года) на кафедре камерного ансамбля, струнного квартета и концертмейстерского мастерства. Этапы творческого пути Светланы Федоровны связали ее не только со столицей западной Сибири, но и с другими крупными городами России: Ленинградом, где она училась в Ленинградской ордена Ленина государственной консерватории по классу профессора Г. П. Фёдоровой; Москвой, где продолжала обучение в Государственном музыкально педагогическом институте имени Гнесиных по классу профессора М. И. Гринберг; Уфой, где Светлана Федоровна начала работать в Уфимском институте искусств с 1975 года по 1984 годы.
С. Ф. Курбетова — великолепный концертмейстер. За годы творческой деятельности ее партнерами по ансамблю были: скрипачи народный артист РФ Захар Брон, Вадим Репин, Максим Венгеров, Антон Бараховский, Марина Кузина, Майю Кишима, Чихару Таки, виолончелисты Владимир Чахвадзе и Денис Шаповалов, саксофонист Андрей Турыгин, вокалисты Галина Горчакова, Этери Гвазава, Владимир Прудник и др. Как известно, отличных концертмейстеров, можно пересчитать по пальцам, и Светлана Федоровна безусловно относится к выдающимся мастерам своего дела. Все эти годы она активно передает свой опыт молодому поколению профессиональных музыкантов — у профессора около 130 выпускников- ансамблистов. В их числе — заслуженная артистка РФ, концертмейстер Филармонического камерного оркестра Новосибирской филармонии Ю. В. Рубина, преподаватели НГК имени М. И. Глинки Т.Н. Смыслова, К. В. Минасян, И. В. Петерс, Т. В. Шевченко, дипломанты всероссийских и международных конкурсов Н. В. Якименко, И. В. Серикбаева и др. Лауреатами всероссийских и международных конкурсов в номинации «Фортепианные дуэты» стали студенты: Т. Прошкина — О. Чекрыжева (Красноярск, 2004), М. Копаева — В. Куминов (Новосибирск, 2013). В категории камерных ансамблей лауреатами всероссийских и международных конкурсов являются студенты: Е. Юдина — Н. Нагибнева — Ю. Кузова (Краснодар, 2009), С. Промое (Екатеринбург, 2010), Д. Хайбулина — Д. Иванцов (Томск, 2013).
Разносторонность личности профессора на этом не заканчивается — Светлана Федоровна является автором научных публикаций: «Об образной драматургии и взаимодействии жанров в Сонате для скрипки и фортепиано ор. 134 Д. Шостаковича», «О двух вариантах Рондо С-dur Ф. Шопена», «О работе музыканта-исполнителя над вариационной формой» и др.
В этом году у Светланы Федоровны был профессиональный юбилей — пятидесятилетие педагогической деятельности, и потому особенно хочется отметить внешний вид Светланы Федоровны. Она выглядит потрясающе, отлично одевается, полна женской элегантности и обаяния. Мне выпало счастье быть одной из многочисленных учеников С. Ф. Курбетовой. Конечно, я знаю много о ее творческом пути, но некоторые вопросы все-таки остались, и Светлана Федоровна любезно согласилась на них ответить.

Елизавета: На каком этапе жизни Вы решили, что хотите работать на кафедре камерного ансамбля, струнного квартета и концертмейстерского мастерства Новосибирской консерватории?

Курбетова С. Ф.: Я решила, что буду работать на этой кафедре еще будучи студенткой консерватории и хотела пойти в асисстентуру-стажировку именно на кафедру камерного ансамбля и концертмейстерского мастерства.

Е.: Я интересовалась историей Вашей творческой деятельности и удивилась, когда узнала, что Вы поступили на кафедру специального фортепиано в 1978 году ассистентуру-стажировку ГМПИ имени Гнесиных по классу профессора М. И. Гринберг.

Курбетова С. Ф.: Да, места на кафедре в Ленинградской ордена Ленина государственной консерватории (ЛОЛГК) в том году не было и мне предложили поступать в на кафедру специального фортепиано в ГМПИ имени Гнесиных и, чтобы не терять время, я решила поступать туда и ни разу не жалею.

Е.: Большие ли Вы программы по специальности там исполняли?

Курбетова С. Ф.: Конечно! Я играла масштабные произведения, в том числе «Крейслериану» Роберта Шумана, сонаты Сергея Прокофьева и многие другие крупные произведения.

Е.: Нравится ли Вам музыка, которая исполняется на кафедре концертмейстерского мастерства и камерного ансамбля?

Курбетова С. Ф.: Очень нравится. Я люблю и хорошо знаю много ансамблевого репертуара.

Е.: Вместе с Л. И. Хрульковой вы известный заслуженный ансамбль. Я слышала ваше выступление с Людмилой Игоревной, это был потрясающе слаженное исполнение. Как давно вы играете вместе?

Курбетова С. Ф.: О! Мы играем уже 35 лет! Что мы только не переиграли, наверное, весь ансамблевый репертуар для фортепиано — сюиты А. С. Аренского и С. В. Рахманинова, концертные обработки сочинений Й. Штрауса, транскрипции Ф. Листа, нам принадлежат первые исполнения в Новосибирске ансамблевых пьес современных отечественных композиторов Б. Печерского, А. Радвиловича.

Е.: Как Вам удается оставаться в такой прекрасной пианистической форме при большой нагрузке в педагогической деятельности?

Курбетова С. Ф.: Я до сих пор занимаюсь и стараюсь часто выступать, учу новые произведения и повторяю старые. (Садится за инструмент и прекрасно исполняет «Остров радости» К. Дебюсси). Я его играла на выпускном экзамене в консерватории и до сих пор периодически вспоминаю!

Е.: Спасибо большое, Светлана Федоровна, за столь интересное и музыкально подкрепленное интервью!

На протяжении жизненного пути Светлана Федоровна проявила себя в разных сферах музыкальной деятельности. Незаурядная личность профессора С. Ф. Курбетовой и ее многосторонняя деятельность представляет огромный интерес со стороны студентов и коллег, а Светлана Федоровна, в свою очередь, продолжает делиться своим неувядающим творческим вдохновением.
Интервью с Юлией Бобровой

Анита Лахина

магистрант I курса ОФс

Интервью с Юлией Бобровой, лауреатом первой премии I Международного конкурса «Запад — Сибирь — Восток»: конкурса исполнителей на струнных инструментах имени М. Б. Либермана 2021 года.

Анита: Юля, прежде всего хочу тебя поздравить с выступлением на открытии международного конкурса «Запад — Сибирь — Восток». Какие у тебя впечатления от выступления?

Юлия: Спасибо большое за поздравления! Впечатления, конечно же, радостные и даже одухотворяющие. Наш студенческий оркестр был прекрасно подготовлен к этому концерту, и мы нашли общий язык почти сразу же! Ребята отлично ориентировались в моей партии и внимательно слушали указания дирижёра Игоря Анатольевича Шаталова.

А.: В прошлом году на открытии конкурса выступала пианистка Анаит Казарян, победительница конкурса 2020 года, а в этот раз открывала конкурс ты. Очень похоже на передачу короны от мисс Вселенной следующей победительнице, не так ли? Как ты относишься к подобной традиции на конкурсе «Запад — Сибирь — Восток»?

Ю.: Да, ты права, очень похоже. Считаю, что это прекрасная традиция, так как студенты и маленькие музыканты должны знать, что это возможно — игра с оркестром. Они ориентируются на нас, лауреатов, и видят в этом что-то невероятное. Но, на самом деле, нужно ещё понимать, что даётся это только упорным трудом и хорошей работой головой. Благодаря упорству в своём мастерстве это реально. И мы помогаем им в этом. Мы — как вдохновители на пути к лучшему.

А.: На открытии ты играла Второй концерт Сергея Прокофьева. Почему твой выбор пал на данный концерт?

Ю.: Этот концерт для меня, на самом деле, очень многое значит. С первой частью этого концерта я выпускалась из нашего лицея, которого, к сожалению, больше нет. И у меня была маленькая мечта сыграть её целиком с оркестром. Когда я узнала, что смогу выступить с оркестром — у меня не было никаких сомнений. Я буду играть второй концерт Прокофьева. Он не так популярен, как первый. Считают, что он в каком-то плане демонический — темнее и мрачнее. И, по сравнению с первым концертом, аккомпанемент в нем сложнее. Мне в принципе ближе музыка такого плана, как этот концерт. Я в нём как рыба в воде. И мне очень сильно хотелось передать все эти демонические краски и эмоции оркестру и зрителям. Когда это получалось и, в итоге, получилось — ты испытываешь невероятные эмоции. В конечном итоге ты заряжаешься этой энергией, и хочется творить всё больше и больше.

А.: Концертный зал имени А. М. Каца, маэстро Дмитрий Юровский и Студенческий симфонический оркестр имени И.И. Соллертинского… Как все эти вещи, имена и обстановка повлияли на репетиционный процесс и сам концерт?

Ю.: Творчество с маэстро Юровским срослось сразу же. Мы с первой репетиции нашли общий язык и понимали друг друга с полуслова. Он прекрасно чувствует солиста и оркестр, и делает всё, чтобы звучало как надо. Наш студенческий оркестр я знаю очень давно. Ещё с тех времён, когда руководителем был Виктор Меликович Минасян. И я очень благодарна ему, что он сделал такой слаженный коллектив. Как я уже говорила, с оркестром мы практически сразу нашли общий язык, были как единый организм, как большой мотор. И, конечно, зал имени Зака дал какой-то невероятный толчок к яркому, слаженному исполнению. Софиты, большая сцена, колонны… Невероятная красота! На последней репетиции мы все как-будто бы вышли с разных путей на одну дорогу. И уже на концерте я, оркестр и маэстро Дмитрий Михайлович шли рука об руку.

А.: Благодарю тебя, Юля, за такое откровенное и вдохновенное интервью. Успехов тебе в творческой деятельности и с наступающими праздниками!

«Поговорим о звуке…»

Светлана Сотникова

магистрант I курса ОФд

Мне очень повезло быть хорошей знакомой кларнетиста Аркадия Козлова. Конечно, я многое знаю о нем, как о музыканте, но также у меня к нему есть несколько вопросов, касающихся его участия в III Всероссийском конкурсе в номинации духовые инструменты (кларнет), который проходил в Новосибирской консерватории осенью 2020 года.

Итак, в завершении прослушиваний 1 тура старшей группы деревянных духовых инструментов на III Всероссийском музыкальном конкурсе уставшая публика не предполагала, что ещё способна слушать исполнителя, затаив дыхание, а потом устроить бурные овации. Но Аркадий Козлов своим выступлением доказал это, и слушатели, буквально забыли, что находятся на конкурсе, а не на концерте, они ещё долго аплодировали после того, как исполнитель покинул сцену, словно надеясь услышать исполнение на «бис». Выступление Аркадия действительно было ярким и впечатляющим! Его игру можно охарактеризовать одним словом — звук. Дело не столько в каких-то приёмах звукоизвлечения и звуковедения или в красоте самого звука, а скорее в отношении исполнителя к нему. Звук для него — это фундамент, на котором он строит всё своё исполнение произведений.

Светлана: Как ты можешь оценить свое сегодняшнее выступление, всё ли удалось, что было задумано?

Аркадий: Ну, всегда все поставленные задачи осуществиться не могут, но, в принципе, я считаю, что было неплохо. Хотя, могло бы быть, наверно, и лучше.

С.: Что для тебя самое важное в твоем исполнении?

А.: Звук — это самое главное. Инструмент должен звучать. Нервы абсолютно никого не волнуют. Можно захватить зал, а можно не захватить. Можно сыграть интересно, всем, в принципе, будет видно, что ты умный музыкант, но этим никого не захватишь, потому что будет что-то холодное. А если есть что-то внутри, это всегда слышно.

С.: Что влияет на выбор твоей программы? Было ли такое, что педагог по специальности тебе что-то даёт, а ты не хочешь это играть?

А.: Да, конечно, меня мой педагог не ограничивает в выборе программы, и если он хочет, чтобы я что-то сыграл, он предлагает мне, а я могу отказаться, я волен делать, в принципе, что хочу. Единственное, конечно, он оберегает меня от каких-то неосмысленных поступков.

С.: А что в таком случае влияет именно на твой выбор?

А.: Всё зависит от поставленной передо мной задачи.

С.: Например, почему сегодня у тебя такая необычная программа?

А.: Да, программа необычная, согласен. Наверно, одна из самых особенных на конкурсе. Я так нескромно, но так и есть. Я считаю, что конкурсная программа должна выбираться с таким учётом, чтобы можно было показать свои наилучшие качества, с одной стороны…".

С.: Выигрышные!

А.: Выигрышные, да, и максимально постараться скрыть свои недостатки. Как мне это удалось, сейчас узнаем, результаты покажут…".

С.: Как у тебя создаётся художественный образ? Ты чувствуешь его, или он складывается постепенно, приходится много над ним думать?

А.: Всё зависит от произведения. Потому что есть произведения, которые сразу чувствуешь, когда берёшь ноты, т. е. ты либо знаешь их, слышал в записях, одним словом, имеешь какое-то представление. А есть совершенно неизвестные произведения, которые приходиться открывать как-то, подбирать ключи… Так что по-разному. Нет определённого метода складывания образа.

С.: А работа над звуком тебе легко даётся, или это долгий и сложный процесс?

А.: Всё зависит от произведения, опять же, от композитора…".

С.: Ну, бывает, звук дан от природы…

А.: «Нет, звук от природы дан только великим! А нам, простым смертным, приходиться работать над тем, чтобы добиться кларнетового тембра, т. е. качественного звука. Естественно, что-то получается интуитивно; для меня, например, это русская музыка. Мне легче её чувствовать.

С.: А К. Дебюсси?

А.: Да, пожалуй, тоже легче, потому что мне это достаточно близко. Мне это просто играть, хотя я не могу этого объяснить словами. А что касается, например, В. А. Моцарта, — музыки, которая мне не так близка, хотя я очень люблю эту музыку, всячески стремлюсь её понять, — то тут уже, конечно, дело идёт через мозг.

С.: Спасибо! Аркадий, желаю творческих успехов и удачи во втором туре!

А.: Спасибо!
Интервью с Марией Рогозиной

Алина Тюмерекова

магистрант I курса ОФс

Интервью с Марией Рогозиной, лауреатом международных конкурсов, выпускницей НГК имени М. И. Глинки (класс профессора Е.В. Баскиной), помощником концертмейстера Филармонического камерного оркестра Новосибирской филармонии.

Алина: Мария, как Вы пришли в музыку и начали играть на скрипке?

Мария: В музыку я попала случайно. Когда мне было 5 лет, друг папы, виолончелист, услышал, как я пою, и понял, что я обладаю абсолютным слухом. Он начал заниматься со мной пением, а позже меня отдали на скрипку в лицей при Новосибирской консерватории к профессору А. В. Гвоздеву.

А.: Вы единственный музыкант в семье? Как это повлияло на Ваш путь в музыке?

М.: Я единственный музыкант в семье. Мой папа физик-ядерщик, доктор наук, а мама офисный работник. Даже не смогу Вам ответить на этот вопрос, так как не знаю могло ли быть по-другому, и как это на меня повлияло.

А.: Где Вы в данный момент работаете?

М.: Я являюсь помощником концертмейстера Филармонического камерного оркестра Новосибирской филармонии, также работаю в Новосибирском государственном академическом театре оперы и балета, являюсь педагогом скрипки в музыкальной школе и руководителем детского ансамбля скрипачей. Как Вы можете понять, опыт у меня большой как в исполнительском, так и в педагогическом плане.


А.: Какое было Ваше самое запоминающееся выступление?

М.: В моей жизни было много запоминающихся выступлений. Но первым на ум приходит то, как будучи студенткой консерватории я сдавала экзамен по специальности, и исполняла Концерт для скрипки Д. Д. Шостаковича. Мне очень сильно нравился этот концерт и, что самое приятное, у меня хорошо получалось. Я получила наслаждение от своего выступления на том экзамене.


А.: Есть ли у Вас мечта в концертном плане, с кем бы хотели сыграть и где?

М.: Моя мечта — однажды выступить с Николаем Луганским. Это мой любимый пианист. И, конечно же, хочется путешествовать, ездить на гастроли.
Интервью с Натальей Мамаковой

Ирина Ткачук

магистрант I курса ОФс

Интервью с Натальей Мамаковой, лауреатом международных конкурсов, выпускницей НГК имени М. И Глинки (класс С.А. Овчинникова), артистом Новосибирского академического симфонического оркестра Новосибирской филармонии. Наталья активно участвует в конкурсах, концертах и различных фестивалях.

Ирина: Наталья, когда ты начала играть на виолончели?

Наталья: В 8 лет. Инициатива стать музыкантом была в раннем детстве, я поначалу не хотела, меня туда отправила мама, но после мне понравилось. Голос виолончели напоминает мой собственный голос, и я хотела общаться через него, делиться им со всеми, кто будет слушать.

И.: Насколько сильно родители повлияли на твое становление как музыканта и как личности?

Н.: Я думаю, что 95 процентов от меня это мои родители. Потому что всё, что они сделали это гигантский труд и терпение! Родители всегда заботились и следили за мной, всегда поддерживали. Я очень благодарна им. Думаю, что без них я сегодня не могла бы ничего делать.

И.: Кто твой любимый музыкальный кумир?

Н.: Меня вдохновляет Йо Йо Ма, как и несколько других опытных музыкантов. Меня вдохновляет мой учитель игры на виолончели Станислав Александрович Овчинников, потому что он поддерживает меня, распознает и исправляет мои ошибки, помогает мне понять смысл, который я доношу своей музыкой. Он заботится обо мне и моем прогрессе, и это помогает. И одним из моих самых любимых вдохновителей является Алиса Вайлерштайн. У нее богатый звук, и она очень креативно играет на виолончели. Также меня вдохновляют и другие классические виолончелисты, такие как Жаклин Дю Пре, Пабло Казальс и Мстислав Ростропович.

И.: Ты выступала на сцене Новосибирской филармонии сольно?

Н.: Это было потрясающе! Я была в восторге от того, что могу там играть. Также я играла в составе трио на сцене Московской филармонии, это было волнительно. Нам удалось занять там 2-е место. Так же часто я езжу в зал Зарядье, в качестве артиста Новосибирского симфонического оркестра. А совсем недавно, в мае 2022 года, в составе ансамбля солистов «Новосибирская камерата» я выступала на сценах Тульской, Рязанской и Московской филармоний.

И.: Это очень здорово, что ты ведешь такую насыщенную концертную жизнь! А как насчет твоих любимых композиторов, мне будет интересно, если ты поделишься.

Н.: Ну, я предпочитаю Иоганнеса Брамса, потому что он очень эмоциональный, и Йозефа Гайдна, потому что он легкий. А еще я люблю Камиля Сен-Санса, который выражает широкий спектр эмоций и звуков. Мне также очень нравятся Антонин Дворжак, Эдвард Элгар и Сэмюэл Барбер. Это одни из моих самых любимых композиторов.

И.: И, наконец, где, по-твоему, ты будешь через 10 лет?

Н.: Конечно, мне бы хотелось развиваться в сольной карьере, хотя за время пандемии я осознала, что хочу стать педагогом. Я даже подала вакансии на репетиторских сайтах и учу с нуля играть на виолончели, а также преподаю фортепиано и гитару.
Творческий портрет
«Виртуоз, новатор, великолепный флейтист»

Филипп Васильев

магистрант I курса ОФд

С самого рождения большую часть своей жизни Эммануэль Паю путешествовал. Отец работал в американской компании, и в детстве музыканта семья неоднократно переезжала. Этот факт во многом определил международные перспективы Паю в его будущем.

Всего через шесть недель после рождения Паю его родители переехали в Багдад на один год, затем они переехали в Париж, где родился младший брат Эммануэля. В 1972 году семья на два года переехала в Мадрид, а в 1974 году на четыре года обосновалась в Риме. В многоквартирном доме Паю в Риме жила швейцарско-французская семья Бине, в которой четверо детей играли на музыкальных инструментах. Отец (Франсуа) был флейтистом, который учился в Цюрихе и Париже, но в более поздние годы перестал выступать. В возрасте четырех лет Паю впервые услышал флейту. Когда старший сын Филипп сыграл Концерт для флейты № 1 Соль мажор В. А. Моцарта, он положил начало замечательной главе жизни Эммануэля: «Я слышал флейту, скрипку, виолончель, пианино. Я не знаю, почему я выбрал флейту, но, может быть, это было потому, что на ней играл старший сын Бине Филипп — в то время он играл на лучшем уровне, или потому, что его отец тоже был флейтистом, так что там был своего рода авторитет. Как бы то ни было, я сказал своим родителям, что хочу играть на флейте, хочу сыграть концерт Моцарта, который репетирует сосед». В то Рождество, получив свою первую флейту, Паю начал свой первый год занятий с Филиппом, которому было всего 15 лет, следующие три года — с отцом Филиппа Франсуа. В 1978 году, в возрасте восьми лет, семья Паю переехала в Брюссель, Бельгия.

Затем Эммануэль начал учиться в Музыкальной академии Uccle на юге Брюсселя. Там он учился у Мишеля Муаниля в 1979 — 1985 годах. По мере того, как он становился более решительным и сосредоточенным на игре на флейте на более высоком уровне, Паю начал учиться в 1984 — 87 годах у Карлоса Брюнеля, и в наши дни сохраняющего авторитет и негласное звание главного флейтиста Королевского оперного театра ла Монне в Брюсселе. В 1985 году Паю выиграл Национальный конкурс Бельгии (le concours National de Belgique), и в том же году сыграл свой первый концерт с Национальным оркестром Бельгии, исполнив произведение, которое вдохновило его 11 лет назад: Концерт для флейты № 1 Соль мажор В. А. Моцарта. Паю оставался в Брюсселе до получения высшего образования в возрасте 17 лет и уехал, чтобы закончить учебу в Париже.

При сильной поддержке своей семьи он также брал уроки у других лучших исполнителей Европы, в том числе, у Петера-Лукаса Графа в Базеле. Паю учился в Парижской консерватории (Национальная высшая музыкальная консерватория Парижа) во Франции у Мишеля Дебоста, Алена Мариона, Пьера Арто и Кристиана Ларда. Во время учебы он выиграл два крупных соревнования — одно в Дуйно в 1988 году, другое в Кобе в 1989 году. В 1988 году Эммануэль также получил 2-ю премию на Международном музыкальном конкурсе Схевенингена в Схевенингене, Нидерланды. Победа в этих конкурсах выдвинула Паю на передний план, чтобы стать главным флейтистом в Симфоническом оркестре Базельского радио под руководством Нелло Санти, место в котором он получил в 1989 году, закончив учебу в Париже. Эммануэль ушел из оркестра в 1992 году. Паю также занимал должность главного флейтиста в Мюнхенском филармоническом оркестре под руководством Серджиу Челибидаке.

Паю окончил консерваторию в 1990 году в возрасте 20 лет, получив Первую премию (Премьер-при). Затем он продолжил свое обучение в течение следующих двух лет; в стиле и интерпретации с одним из величайших флейтистов Франции, уроженцем Швейцарии Орелем Николе, который оказался его соседом. В 1992 году Николе подготовил Паю в ходе обширной 10-дневной репетиции как для Женевского международного музыкального конкурса, так и для Международного Женевского конкурса в сентябре того же года, а также для прослушивания на должность главного флейтиста Берлинского филармонического оркестра (BPO) в октябре. Он забрал первую премию на Международном конкурсе в Женеве и стал солистом оркестра Берлинской Филармонии под руководством Клаудио Аббадо. Став лауреатом бесчисленного количества премий, среди которых премия ЮНЕСКО и премия фонда Иегуди Менухина, исполнитель был введён в зал славы Gramophone.

Какой репертуар исполняет Эммануэль Паю? Конечно же классику — от Вивальди, Баха, Тельмана, Моцарта, Брамса до Прокофьева, Хачатуряна, Пьяццолы, а также современный джаз.
Творческий портрет В.Я. Янковского

Светлана Сотникова

магистрант I курса ОФд

Янковский Владислав Янович (2 марта 1952, Бердичев Житомирской области — 8 июня 2016, Новосибирск) — кларнетист, педагог, дирижёр, заслуженный артист РСФСР (1987). Награждён орденом «За заслуги перед Отечеством» II степени, удостоен звания Кавалер Золотого Почётного знака «Достояние Сибири».

В 1971 году Владислав Янович окончил Житомирское государственное музыкальное училище имени В. С. Косенко по классу кларнета И. М. Мостовой. В этот же год во Львове, Прикарпатском военном округе, объявили конкурс среди военных оркестров округа (на то время их было более 40). Особенность этого конкурса оркестров состояла в том, что это был конкурс музыкантов-исполнителей. Как мы уже вспоминали, Владислав Янович проходил службу, и даже некоторое время числился воспитанником оркестра, в Житомирском военном училище ПВО, где в то время был замечательный военный дирижер — Рафаил Манжух. Манжух организовал конкурс именно таким образом, чтобы в дальнейшем было легче, без армейской бюрократии, оставить лучшего конкурсанта-солдата в оркестре на срочную службу.

На заключительном туре конкурса Янковский исполнил Концерт для кларнета И. Манна. Играл блестяще, другого слова я подыскать не могу. По праву завоевал первое место, обойдя многих профессиональных опытных музыкантов с высокой музыкальной подготовкой. Общее мнение после завершения конкурса было таково, что это была игра зрелого музыканта, хотя ему было только 18 лет! Мнение о творческой зрелости юного исполнителя высказал на вручении наград сам председатель жюри конкурса — заведующий кафедрой Львовской государственной консерватории, профессор В. Цайтц.

В 1977 году Владислав Янович окончил Ленинградскую государственную консерваторию имени Н.А. Римского-Корсакова, в 1980-м — ассистентуру-стажировку в классе П. Н. Суханова. В 1973 — 1977 годах служил солистом оркестра оперной студии Ленинградской консерватории, а с 1977-го работал в симфоническом оркестре Новосибирской филармонии под руководством выдающего дирижёра современности — народного артиста СССР А. М. Каца, с которым его связывали не только профессиональные, но и теплые дружеские отношения.

С 1976 по 1999 годы годы Владислав Янковский преподавал в Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки, с 1987-го года вёл класс кларнета и ансамбля в Новосибирской специальной музыкальной школе. Среди его учеников — лауреаты международных, всероссийских и региональных конкурсов Д. Акашин, И. Заболоцкий, М. Волгин, Д. Янковский, Д. Краев, С. Янковский и другие. Учениками кларнетиста являются и его два сына: старший сын Станислав — солист-кларнетист Новосибирского академического симфонического оркестра Новосибирской филармонии, младший сын Данила — солист Тюменского симфонического оркестра, учился в аспирантуре Академии музыки в г. Любек у кларнетистки Сабины Мейер (Германия). В 1999 году Владиславу Янковскому присужден специальный приз Международного музыкального фестиваля молодых исполнителей на деревянных инструментах (1999 год, Новосибирск) — за подготовку квартета кларнетов, в составе которого были: В. Черничко, М. Журавлев, Д. Янковский, Д. Четвериков.

С педагогической деятельностью Владислав Янович совмещал и исполнительскую практику — вёл активную концертную деятельность как солист-кларнетист и участник различных ансамблей. В. Я. Янковский являлся основателем и главным дирижёром Новосибирского юношеского симфонического оркестра «Юные дарования Сибири».

У меня с Владиславом Яновичем связаны самые теплые воспоминания, так как я, ещё будучи ученицей-скрипачкой (класс Ф.И. Кабельского) Новосибирской специальной музыкальной школы, играя в его оркестре, всегда поражалась, как простым языком он мог объяснить сложные музыкальные вещи. Фишкой В. Я. Янковского был юмор. Сколько было шуток во время репетиций, сейчас даже и не припомнить всех, но это всегда было уместно, понятно, и так тонко, «для особо одарённых» (В.Я.). Чуть позже, волею судьбы, я стала его студенткой — стала обучатся игре на кларнете. Не забалуешь на его уроках! Он был строг, внимателен, всегда работал на качество, ругал (а как же без этого!), и самое главное заставлял размышлять и думать головой: «Света, мозгов в пальцах нет! Думай головой!». Но если В. Я. Янковский хвалил — это было по-настоящему по делу.

Так зарождались и развивались мое музыкальное мастерство и профессионализм. Но они пришли не сами по себе. Чтобы понять «секрет успеха», которого, в общем, и нет, вернемся к пожеланию Владислава Янковского молодым исполнителям: «Творите. Дерзайте. Трудитесь. ТРУДИТЕСЬ!».
И.Я. Флейшер.
Память живет.

Екатерина Васильева

магистрант I курса ОФс

Знакомство с этим человеком состоялось в 2001 году, когда я поступила в институт. Он приходил на кафедру к студентам в 8 утра. Суровый, молчаливый, бородатый профессор. Редко улыбался, мог отпустить колкость или задать вопрос, на который не сразу находился ответ, отчасти из-за страха перед профессором. Многие студенты мечтали учиться у него по квартету. На выпускном курсе у меня была возможность попасть к нему в класс, но оказалась призрачной и не реализовалась. Спустя годы мне посчастливилось работать под его началом. С 2010 года Игорь Яковлевич стал заведовать нашей кафедрой. К этому времени я уже два года работала на кафедре: занималась со студентами оркестровым трудностями и кафедральной бумажной работой в качестве секретаря. Именно с этой бумажной работы и началось наше человеческое сближение и наконец-то юношеский страхи были развеяны.

Игорь Яковлевич оказался действительно суровым человеком, но очень интересным, открытым к общению. Шутки были колкие, но это был сарказм высшей пробы. «Нет пророка в своем Отечестве», только сейчас я узнала о количестве написанных им произведений. И это были не только квартеты! Практически каждый день он вставал в 4 утра и писал музыку — произведения для разных сольных инструментов и камерных составов, с фортепиано и с оркестром, вокальные сочинения, детские пьесы. Впоследствии я стала исполнителем виолончельные пьес и даже делала редакцию партии виолончели в его квартетах.

Посещение уроков Игоря Яковлевича по квартету стало бесценным опытом для моей дальнейшей педагогической деятельности. Здесь он был действительно суров — не прощалась ни одна нота, сыгранная «не так». Главными были высокие требования к осмысленному наполнению всего, что выходит из-под смычка, жёсткие критерии к качеству совместного ансамблевого исполнительства. Студенты действительно начинали дышать вместе. И для меня немного приоткрылась дверь, через которую я смогла начать видеть и понимать роль педагога и цель, к которой надо идти в нашей профессии. Нет безразличию! Нет хладнокровию! Да жизни, максимальной включенности в процесс в каждую «наносекунду» и, главное, никакого страха, никаких границ. Наверное, это самое сложное, но самое интересное.

К сожалению, в июле 2021 года Игорь Яковлевич ушел от нас. В июне прошлого года Татьяна Петровна Флейшер организовала концерт памяти Игоря Яковлевича. Было много желающих в нем участвовать. Много предложений по произведениям, которые можно исполнить. Все произведения, которые были предложены, не вошли в этот концерт, что даёт надежду на возникновение хорошей традиции — проводить такие концерты регулярно.

Я нерадивый ученик. У меня есть одно невыполненное обещание, данное профессору перед смертью. За несколько дней до своего ухода Игорь Яковлевич мне позвонил и просил обязательно опубликовать его последнее произведение — Шесть альтовых сонат соло. Смерть — это остановка и в жизни живых людей, но очень быстро мы снова срываемся с места для нашего повседневного бега.
Не буду обещать, просто сделаю это.
«Из дальних странствий воротясь...»
«Встреча на Байкале»

Анна Галкина

магистрант I курса ОФс

В современном музыкальном мире проводится огромное количество фестивалей и конкурсов. Будучи мамой, а также, по совместительству концертмейстером ребёнка-музыканта, часто задаёшь себе вопрос: в каких из них стоит принимать участие?

Несомненно, многие дети любят путешествия и новые творческие поездки, и это их мотивирует заниматься с совершенно другой отдачей. Поэтому заочные конкурсы оставим в покое как пережиток недавно прошедшей пандемии. Если брать во внимание очный формат, то, как вариант, есть престижные музыкальные конкурсы, многие из которых похожи на спортивные соревнования. Превращение искусства в спорт имеет место быть, но это не всегда хорошо отражается как на психическом развитии детей, в них участвующих, так и на развитии искусства в целом.
На другом полюсе — бесконечные многожанровые фестивали, глядя на таблицу результатов которых, понимаешь их чисто коммерческую формальную сущность в ущерб профессиональной требовательности. Такие предложения сыплются в большом количестве на электронную почту и не вызывают никакого интереса.

Приобретя некоторый опыт, мы остановились на таком, на первый взгляд, спорном явлении, как «фестиваль-конкурс». Спорном потому, что успех совмещения двух различных жанров — фестиваля и конкурса — в одном полностью зависит от таланта его организаторов, и человеческий фактор играет здесь далеко не последнюю роль.

Каковы же характерные признаки успешно организованного фестиваля-конкурса?
В первую очередь, это наличие высококлассных, профессионально требовательных специалистов в жюри, признанных авторитетов в своей области (конкурсная часть). Второй признак — это обширная культурно просветительская программа: мастер-классы, выступления членов жюри, круглые столы, различные формы общения и совместного музицирования (фестивальная часть). И, наконец, высокий уровень организации в целом: соответствие временному регламенту, размещение, питание и сопровождение участников и членов жюри, трансляция выступлений и т. д. (организационная часть).
Неотъемлемая часть хорошей организации фестиваля-конкурса — это особая атмосфера, в которую хочется возвращаться вновь и вновь. И вот так уже в третий раз мы приняли участие во Всероссийском фестивале-конкурсе духового инструментального исполнительства «Байкальские духовые ассамблеи», который прошёл с 23 по 25 сентября 2022 года в городе Иркутске. На этот раз он был посвящён ещё и 85-летию Иркутской области.
О высоком профессиональном уровне данного фестиваля-конкурса можно судить по наличию первого отборочного тура и, конечно, по составу членов жюри. Во втором туре приняло участие более 400 музыкантов — солистов, участников ансамблей и оркестров. Конкурс проходил при поддержке Ассоциации духовых оркестров и исполнителей на духовых инструментах «Духовое общество имени Валерия Халилова», и поэтому председателем жюри уже традиционно стал вице-президент Ассоциации, признанный авторитет в области культуры Анатолий Иванович Цеп (г. Москва).
В составе жюри: музыкальный руководитель Московского фестиваля детских духовых оркестров «Спасская башня детям» Евгений Юрьевич Никитин, профессор, зав. кафедрой духовых и ударных инструментов НГК имени М. И. Глинки, декан оркестрового, дирижёрско-хорового факультетов и факультета народных инструментов, профессор Маргарита Владимировна Аунс, профессор, зав. кафедрой оркестровых духовых и ударных инструментов Сибирского государственного института искусств имени Дмитрия Хворостовского Пётр Николаевич Казимир, преподаватель Иркутского областного музыкального колледжа имени Фридерика Шопена Владислав Валерьевич Федоренко, начальник военно-оркестровой службы Центрального военного округа Сергей Владиславович Алеев. Жюри отличалось беспристрастностью оценок, требовательностью и, вместе с тем, внимательностью к участникам. Достаточно сказать, что в нашей младшей возрастной группе «деревянные духовые» среди 20 человек было присуждено 6 лауреатских мест, а остальные 14 участников были награждены дипломами различной степени. Это позволило, с одной стороны, поощрить и выделить явных лидеров, и в то же время отметить участие каждого конкурсанта, проявив внимание к его творчеству.
В рамках конкурса мы посетили очень интересный и полезный для нас мастер-класс М. В. Аунс, посвящённый конкретным методическим проблемам постановки исполнительского аппарата, дыхания и звукоизвлечения на кларнете. Кроме сольного мастер-класса нам посчастливилось принять участие в уже традиционном для Байкальских ассамблей сводном духовом оркестре, где абсолютно все участники объединяются в единый большой коллектив, который действительно олицетворяет собой соборность и мощь русской культуры. И вот этот единый «Сводный духовой оркестр Российской Федерации» под управлением трёх (!) профессиональных военных дирижёров на берегу сверкающей под солнцем величественной реки Ангары, на площади возле памятника императору Александру III исполняет произведения, знакомые каждому живущему на нашей Родине человеку: М. И. Глинка «Славься», марш «Прощание Славянки», попурри на темы русских народных песен, марш «Священный Байкал», «Широка страна моя родная», Государственный гимн Российской Федерации. По словам директора Иркутского областного дома народного творчества Людмилы Анатольевны Герды (основного организатора мероприятия) это совместное выступление сводного оркестра, несомненно, стало кульминацией фестиваля-конкурса.
Если принимать во внимание, что в организации фестиваля-конкурса приняли участие фактически 7 сотрудников Иркутского областного дома народного творчества, то эффективность их деятельности можно оценить как блестящую! Это могу сказать как человек, неоднократно принимавший участие в организации подобных мероприятий. В программу фестиваля-конкурса организаторы включили (при символическом орг. взносе участников): бесплатный трансфер от вокзала (аэропорта) и обратно, бесплатное проживание и трёхразовое питание (готовили очень вкусно и с душой) участников (!), информационное сопровождение (на региональном телевидении, сайте, социальной сети «ВКонтакте», группах WhatsАpp и Viber) с интервью, фотографиями и видеосюжетами, красочный, грамотно оформленный буклет. Для полного счастья не хватало только организованной трансляции выступлений участников на канале Youtube. Впрочем, этот пункт был озвучен как пожелание на будущее в качестве обратной связи. Были небольшие передвижения по времени выступлений некоторых участников по различным причинам, и это, конечно, потребовало от других выступающих внимательности и оперативности реагирования на изменяющуюся обстановку — качеств, необходимых каждому профессионалу своего дела.

Атмосфера Байкальских духовых ассамблей действительно вдохновляет на дальнейшее творчество и раскрытие профессиональных качеств. Уже третий год встречаешься с постоянными участниками, и хочется возвращаться туда снова и снова, чтобы в очередной раз соприкоснуться с возрождением Российского духового искусства, испытать радость от общения и совместного музицирования в духовом сообществе нашей Родины.
Сольный концерт Г. Никулина в Лютеранской церкви св. Марии, г. Томск

Анджей Дикович

магистрант I курса ФФ

Мы живем в светскую эпоху, и большинство духовых органов обитают в священных местах — в церквях, где они удалены от нашей повседневной музыкальной жизни и овеяны религиозной аурой, которая зачастую является препятствием как для композиторов, так и для публики. Тем не менее, многие композиторы разных веков обращались к этому великому инструменту, а ныне, в век технологий, композиторские идеи привлекают экспериментами со звуком, цветом и тембром, и орган, в данном случае, показывает себя как превосходный инструмент. Возможности современного органа поражают! а В XXI веке орган — это не только духовой инструмент, но и семплированные звуки настоящих «живых» духовых органов с разных уголков мира, способные вместиться в электронный орган.

Речь пойдет о концерте органиста, доцента Новосибирской консерватории, члена Сибирской организации Союза композиторов России Глеба Никулина, состоявшемся в городе Томске в Лютеранской церкви святой Марии 6 ноября 2022 года. Концерт носил название «Лютеранский хорал». И это совершенно не случайно, ведь концерт состоялся в преддверии большого праздника для всей лютеранской мировой общины — дня рождения отца-основателя церкви Мартина Лютера.

Одним из ключевых сочинений вечера стал хорал, написанный Лютером во время своего пастырства. Откровенно религиозная, покоряющая небеса сторона личности Мартина Лютера особенно хорошо подходит для органа. Глеб Никулин, как настоящий виртуоз, владеющий в полной мере всеми техническими средствами исполнителя-органиста, а также импровизацией и композиторским искусством, исполнил хорал с собственными вариациями на тему. Строгая гармоническая идиоматика Лютера в обработке Никулина прозвучала впечатляюще — полное длинных, меняющихся, затянутых аккордов сочинение в обработке Глеба Никулина звучало как глубоко сочувствующее, точно выверенное произведение.

Другими особенно привлекательными концертными номерами в программе были хоралы Иоганна Себастьяна Баха — что неудивительно, учитывая самую глубокую связь выдающегося композитора с этим инструментом. Без музыки И. С. Баха практически невозможно представить ни один концерт органной музыки. Так было и в этот раз. Хоральная партита Bvw766 «Christ, der du bist der helle Tag» была исполнена с присущими баховской музыке покоем и религиозностью. Слушатели с замиранием сердца внимали звукам инструмента. И еще большее впечатление произвела глубина мысли и интерпретации Глеба Никулина.

После окончания концерта публика долго не отпускала артиста, рукоплеская и благодаря за подаренную возможность прикоснуться к великому искусству — Музыке.
Концерт без света (взгляд из-за кулис)

Екатерина Васильева

магистрант I курса ОФс

Осенний отчетный концерт студентов и педагогов кафедры оркестровых струнных инструментов СГИИ имени Д. Хворостовского — привычное событие в жизни нашей кафедры. Но в этом году концерт «Навстречу юбилею» ознаменовал начало активной творческой подготовки к празднованию 45-летия кафедры, которая осуществила свой первый набор летом 1978 года. Концерт должны были посетить представители администрации института, почетные гости, участники Краевой осенней творческой школы, студенты Медицинского университета, педагоги и студенты нашего института и все неравнодушные к искусству. Волнение участников концерта витало в воздухе кафедры уже несколько дней.

В 17:00 мы открыли Малый зал и гримерки. Участники уже пару часов назад начали готовиться на кафедре к выступлению и сейчас спускались в зал, чтобы настроиться под рояль. Программки напечатаны, волонтеры получили последние ценные указания… И вот, уже первые зрители входят в зал. В 17:50 становится ясно, что зрителей в полтора раза больше, чем мест в зале. Мы начинаем приносить стулья из ближайших аудиторий. Стулья стоят даже в коридоре перед входом в зал. Последние минуты до начала. Первые выступающие уже за сценой, ведущая проверяет микрофон. Небольшая задержка, так как ждем последних зрителей, которые спускаются из гардероба.

18:03 — гаснет свет! Пара минут на осознание происходящего, ряд спутанных мыслей «что делать? переносить концерт? столько людей пришло… студенты готовились столько времени… отменять?» Кто-то позвонил в городскую службу, где сказали, что свет выключили во всем районе и дадут через пару часов. Вдох-выдох…находимся на высоте принятия решения. Концерту быть! XXI век, век новых технологий, телефоны нас спасут! Новые указания волонтерам — выходить по очереди и подсвечивать концертмейстеру ноты, а также освещать путь к сцене (очень крутая и узкая лестница перед выходом на сцену).
Концерт начался в 18:15. Зрители даже не думали расходиться, часть из них до конца концерта не поняли, что это не задуманный «антураж», а непредвиденная ситуация.

В первом отделении принимали участие солисты, они знали свои произведения наизусть. Интересно было наблюдать, как каждый участник во время своего исполнения трансформировался в непривычных условиях. Можно заниматься в темноте для полноты ощущений, но это созданная тобой реальность. А сейчас они столкнулись с обстоятельствами, которые невозможно изменить. Сперва не торопясь пройти до сцены, взять первый звук и максимально довериться своим внутренним ощущениям, так как зрительный контроль обманчив в полумраке, все расстояния оцениваются неверно. Особенно тяжело пришлось виолончелистам и контрабасистам.
В конце первого отделения на сцену вышел Камерный оркестр СГИИ имени Дмитрия Хворостовского. Оркестр играл по нотам! Все, незанятые в концерте студенты, стояли с телефонами рядом с музыкантами. Дирижер обратился к публике с просьбой помочь выступающим и включить фонарики на телефонах. Последнее произведение подходило к концу и с заключительными аккордами в зале вспыхнул свет. Наверное, это был самый удивительный концерт в жизни участников и организаторов!

Евгения Царева, заведующая кафедрой оркестровых струнных инструментов СГИИ имени Д. Хворостовского, после концерта сказала: «Помните „Войну и мир“, когда туман полностью перевернул планы сражения. А мы идём до конца по тому пути, который нам уготован, не сворачивая. Мы не можем так просто сдаться».
This site was made on Tilda — a website builder that helps to create a website without any code
Create a website