Двадцать пятого ноября в Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки состоялось Торжественное открытие Большого зала!
После масштабного ремонта, длившегося четыре крайне насыщенных и продуктивных для консерватории года, двери обновлённой концертной площадки наконец открылись для широкой публики, ценителей искусства, а также персон, которым небезразлично классическое музыкальное образование в России.
Я отношу себя к везучим, потому что одним из первых получил возможность увидеть интерьер только что отремонтированного Большого зала, оценить акустические возможности пространства, порадоваться артистическим помещениям и просто погулять по фойе, заглянуть в гардероб, в котором ещё никто не оставлял своё пальто, зацепить взглядом как можно больше деталей, потому что являюсь солистом студенческого симфонического оркестра имени И. И. Соллертинского, активно готовившегося к этому многообещающему событию не один месяц. За время репетиций, проведённых в ещё не открывшемся зале, оркестранты оценили условия, в которых им предстояло музицировать, и все оказались достаточно восхищены обстановкой, зарядились атмосферой значительности предстоящего момента, что способствовало стремлению выступить достойно, открывая новую страницу в творческой жизни нашего ВУЗа.
Если театр начинается с вешалки, то Новосибирская консерватория начинается с панно «Апофеоз русской музыки», созданное в 1993 году выдающимся художником-монументалистом Александром Чернобровцевым. Величественная экспозиция выдающихся русских композиторов Петербургской и Московской школ утверждает преемственность Новосибирского музыкального сообщества по отношению к традициям, эстетическим ориентирам и системе образования, совершенствующимся по сей день. Новосибирская консерватория по праву может гордиться качеством образования, предоставляемого студентам со всего мира; высокий профессиональный уровень исполнительского мастерства, приобретённый в стенах консерватории, позволяет выпускникам реализовываться в лучших оркестрах России и зарубежья, строить успешную сольную карьеру, реализовываться педагогически, совершать выдающиеся успехи в области научной деятельности. Лично меня с самого детства влекла возможность получить образование под сенью ликов композиторов, о наследии которых знает и говорит весь мир, которым через музыку удалось раскрыть всю сложность и глубину русской души, истории, культуры. Собственно, эту возможность я и получил, и это неоценимый опыт.
После ремонта Большой зал предстал публике в неузнаваемом виде. От прошлой обстановки не осталось ничего, кроме панно, о котором я с таким трепетом написал. Обновлённый зал изобилует светлыми оттенками, люстрой в современном стиле, изготовленной из муранского стекла, многофункциональной светоаппаратурой. Теперь всё сделано так, чтобы и зритель, и исполнитель, посетившие этот зал, могли сказать: «Да, я здесь был, и это прекрасно!». Мне уже ясно, что люди будут интересоваться этим залом, как они интересуются всем, обладающим внешней красотой и лоском. Во время концерта, посвящённого Торжественному открытию, выступая в составе студенческого оркестра, я наблюдал за лицами приглашённых, считая паузы. Зрители с интересом слушали наше выступление, но всё же им хотелось вновь обратить свой взгляд на новую люстру, на шторы, которых здесь так же ранее не бывало, но основное внимание я всё-таки уделял исполняемым произведениям, а так хотелось бы очутиться в фойе перед началом торжества, встретить коллег, знакомых и учителей, чтобы всё обсудить, высказать, выслушать, уточнить! Но мне нужно было играть свою скромную и важную партию. Позднее, благодаря социальным сетям, мне удалось быть причастным к впечатлениям посетивших концерт людей, чему я был очень рад, увидев на фотографиях их лица и прочитав их мысли по этому поводу!
Знаете, я давно наблюдал один принципиально важный момент, и сейчас настало время поделиться своими ощущениями. Выступать в филармонии или в театре — дело почётное, подтверждающее профессионализм, нужность, кадровую необходимость; выступать же в стенах учебного заведения — это обратная связь, это то, о чём будешь помнить всю жизнь. Как вы считаете, в чём же тут дело? Может, в том, что все падения и взлёты, достижения, связанные с карьерой ещё впереди? Возможно, но среди студентов не так уж мало тех, кто уже не первый год трудоустроен в оркестре или имеет богатую сольную практику, благодаря выступлениям на различных музыкальных площадках. Наверное, всё дело в том, что сцена филармонии требует намного большего, большего профессионализма, больших эмоциональных и психических затрат, нежели эстрада родного учебного заведения? Да, разумеется! На мой вопрос просто не может быть неправильных вариантов ответа, потому что я задал его с одной лишь целью — предложить вам свой!
Лично для меня всё дело тут в следующем: в архитектурном планировании учреждений и в публике, конечно же. В театре или в филармонии слушатель и исполнитель встречаются лишь в момент концерта или спектакля. Далее публика покидает заведение через главный вход, а артисты уходят через служебный. Выходит, что они как правило и не пересекаются, если не брать в расчёт исключительные случаи. В учебных же заведениях добрую половину зрителя составляет публика специальная — преподаватели, студенты, которые вряд ли будут пользоваться входом, а соответственно и выходом для посетителей, оставлять там свою одежду, как и пользоваться прочими удобствами, предназначенными для «обилеченного» слушателя. Думаю, что студенты после своего выступления возвращаются в класс, где они могли оставить свою повседневную одежду, где оставляют инструмент, чтобы не брать его домой, где они могут встретиться с преподавателем для обсуждения прошедшего мероприятия. Получается, что зритель и слушатель продолжают контактировать, когда концерт уже закончился и их отношениям пора бы естественным образом прерваться. Но тут-то происходит самое интересное — исполнитель видит тех, для кого он только что имел честь играть! Для меня никогда не было важным, оценят ли моё исполнение, негативно или позитивно оценят, после оркестрового исполнения люди просто проходят мимо, что легко простить, но меня всегда глубоко впечатлял этот момент: концерт уже закончился, а публика всё ещё рядом, и это совсем другие ощущения — сложные и богатые, благодарные. Такого нигде больше не будет, этот дар молодых лет нужно ценить, ведь такое не забывается. Именно такой опыт я и пережил после открытия Большого зала. И я невероятно рад быть причастным к такому важнейшему событию!
Завершение ремонта, возобновлённая эксплуатация Большого зала подарит множество ярких и важных творческих побед студентам и преподавателям консерватории, выведет творческую жизнь ВУЗа на новый уровень, чтобы музыканты как можно чаще могли заниматься тем, ради чего они учатся долгие годы — Звучать.

25 ноября 2023 года состоялось долгожданное событие для всей культуры Новосибирска, да и в целом Сибирского региона, — открытие обновлённого Большого концертного зала Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки. На концерте в честь открытия собрались все неравнодушные к такому знаменательному этапу в богатой истории нашего вуза. Среди зрителей были представители государственной власти, сотрудники и студенты консерватории, выпускники прошлых лет, бывшие педагоги вуза, пресса.
Во время мероприятия нам удалось пообщаться с приглашенными гостями, участниками концерта и людьми, причастными к организации этого торжества. Мы задали вопрос о впечатлениях и эмоциях, связанных с открытием Большого концертного зала консерватории.
Все началось с закулисья. До начала сбора гостей мы отправились в эпицентр подготовки к мероприятию — в гримерную. Своими чувствами поделились участницы Академического студенческого хора НГК, студентки 3 курса Надежда Шерстобитова и Эльвира Тагирова.
Надежда Шерстобитова: «Мы дождались открытия нашего Большого концертного зала. Как участница концерта я могу сказать, что Большой зал поражает своей красотой».
Эльвира Тагирова: «Для меня большая честь участвовать в концерте открытия Большого зала, потому что не всем это доступно».
Перед началом концерта и торжественной церемонии вручения ключа от рояля, вступительных речей ректора, расспросили предвкушающих гостей. Под звуки студенческого струнного квартета своим восторженным состоянием от долгожданного события поделилась композитор, член Сибирского отделения Союза композиторов РФ, доцент кафедры теории музыки и композиции НГК Елена Петровна Демидова:
«Наш Большой зал с такими богатыми традициями великолепен! Я очень рада и всех приглашаю посещать наши концерты».
Пока еще не полностью сложившиеся впечатления от зала и предстоящего концерта выразили музыковеды. Выпускница 1987 года НГК: "Я еще не знаю в каком состоянии орган, но уже то, что зал будет работать — это здорово!". Студентка 3 курса НГК Марина Мухина: "Я думаю, что открытие будет по-настоящему фееричным, и с нетерпением жду грядущих концертов".
Действительно, ожидания феерии от концерта полностью оправдались! Это был грандиозный концерт не только для родной альма-матер, но и для всего города Новосибирска. Выверенный до минуты сценарий, логично и динамично простроенная программа — показатели высокопрофессиональной и кропотливой работы, проделанной организаторами и участниками торжества. Большого внимания заслуживают музыканты, которые продемонстрировали высокий уровень исполнительского мастерства. Среди них были студенты, выпускники консерватории и педагоги.
Блестящий первый номер — увертюра к опере «Руслан и Людмила» М. И. Глинки — в исполнении студенческого симфонического оркестра им. И. И. Соллертинского под управлением лауреата международных конкурсов Игоря Шаталова задал торжественный тон всему концерту. В продолжении линии русской классической оперы прозвучали: квартет из III действия оперы «Жизнь за царя» М. И. Глинки, ария Германа из оперы П. И. Чайковского «Пиковая дама» и ария Марфы из оперы Н.А. Римского-Корсакого «Царская невеста» в исполнении солистов оперной труппы Новосибирского государственного академического театра оперы и балета (НОВАТа), выпускников консерватории Дарьи Шуваловой, Светланы Токаревой, Константина Захарова и Андрея Триллера.
Центральное место в программе заняла церемония передачи ключа от рояля Вячеславом Васильевичем Стародубцевым заведующей кафедрой специального фортепиано, заслуженной артистке Узбекистана, профессору Тамаре Игнатьевне Игноян. После трогательного и символичного жеста прозвучала первая часть концерт для фортепиано с оркестром № 2 С. В. Рахманинова в исполнении выпускника класса Т. И. Игноян, лауреата международных конкурсов Ивана Калатая.
Виртуозно был исполнен «Чардаш» (Ф.Лист-Н. Ризоль-А.Цыганков) лауреатами всероссийских и международных конкурсов, выпускниками Новосибирской консерватории, преподавателями кафедры народных инструментов Андреем Кугаевским, Михаилом Овчинниковым, Артёмом Давтяном, Николем Прокопьевым, а также выпускником кафедры фортепиано, профессором Михаилом Мищенко. Пожалуй, единственное выбивающееся произведения из всей программы, не относящееся к достижениям отечественной композиторской школы, но это не умаляет роли номера. Не случайно Тамара Анатольевна Гоц, кандидат искусствоведения, доцент кафедры теории музыки и композиции НГК, выделила его как один из самых впечатляющих номеров:
«Потрясающе выступили наши педагоги, являющиеся солистами оперного театра. Неизгладимое впечатление произвел „Чардаш“ в исполнении преподавателей народных инструментов. Ну и апофеозный финал, который демонстрирует, что исполнительские возможности нашего оркестра, хора, дирижера на самом высочайшем уровне».
В завершении концертной программы прозвучал хор «Славься» из оперы «Иван Сусанин» в исполнении Академического хора студентов Новосибирской консерватории под управлением профессора Елены Рудзей и Студенческого симфонического оркестра им. И. И. Соллертинского под управлением Игоря Шаталова. Доносящиеся звуки хора с балкона и оркестра со сцены создали особый стереоэффект, тем самым погрузив слушателей в музыку, ужу давно ставшую настоящим символом России. На такой гимнической ноте был окончен концерт, но зрители еще долго не покидали фойе Большого зала. Они фотографировались в обновленном пространстве и общались. Мы, конечно же, решили не терять такой возможности и снова взять несколько комментариев.
Многие гости отметили и оценили заметные преобразования концертного холла.
Доктор искусствоведения, профессор, заведующая кафедрой этномузыкознания НГК Марина Юзефовна Дубровская:
«У нас зал давным-давно не был таким нарядным, таким праздничным, таким красивым. Прекрасная акустика!».
И Нам Сун, выпускница НГК 1997 года, музыковед, кандидат искусствоведения, преподаватель высшей квалификационной категории НСМШ: «Он преобразился необычайно. Мы помним, какой это был зал во время учебы, нашего студенчества. Оформление зала вполне достойное. Красиво, что он белый — выглядит торжественно».
Ким Дюн Гир, профессор Университета Кёнгдонг Республики Корея, директор Профессионального Колледжа Университета Кёнгдонг: «Концертный зал произвел грандиозные впечатления. Современный зал, акустика замечательная и здорово, что орган сохранили».
Студент НГК Герман Таразанов: «Радостно видеть, что зал современный, в нем прекрасный ремонт, реставрация — это очень стильно и красиво. Такое замечательное оборудование и рояль. Изменена планировка зала, и, мне кажется, стало гораздо удобнее. Это стал по-настоящему шикарный концертный зал, ничем не уступающий ни филармонии, ни оперному театру».
Большой потенциал зала отметила кандидат искусствоведения, доцент, и.о. профессора кафедры этномузыкознания НГК, член Сибирской организации Союза композиторов РФ Наталья Владимировна Леонова: «Считаю, большие возможности у этого зала для разных постановок — от шоу до органных концертов».
Общее восприятие и благодарность организаторам выразила заслуженный работник культуры Новосибирской области, кандидат искусствоведения, доцент, заведующая кафедрой музыкального образования и просвещения НГК Людмила Павловна Робустова: «Все очень торжественно, красиво, достойно. Не забыли и историю консерватории, поскольку я увидела много приглашенных лиц из тех, кто уже не работает, тех, кто отдал много сил этому учебному заведению».
Открытие Большого зала — новая страница в истории музыкальной жизни Новосибирска. Думаю, что у собравшихся единомышленников и людей неравнодушных к богатым традициям нашей консерватории надолго сохранятся полученные впечатления, которые будут дарить теплое чувство причастности к чему-то великому. За что мы благодарим всех причастных к созданию столь значимого события и желаем столь же яркой и насыщенной концертной деятельности в дальнейшем!

25 ноября 2023 года Новосибирская Государственная консерватория имени Михаила Ивановича Глинки вновь распахнула двери обновленного Большого концертного зала для слушателей. С момента первого открытия зала в консерватории в 1968 году он являлся одной из ведущих концертных площадок города со своей особенной атмосферой. За более чем 50 лет на его сцене звучала музыка всех жанров, начиная от камерной, заканчивая оперными постановками. Но, подобно любому помещению, большой зал уже нуждался в реконструкции.
После проведения масштабных ремонтных и реставрационных работ, длившихся с 2019 года, консерватория получила уникальную, обновленную концертную площадку, оснащенную по последнему слову техники.
Концертную программу торжественной церемонии открывало традиционное произведение для Студенческого симфонического оркестра имени И. И. Соллертинского — Увертюра к опере «Руслан и Людмила» М. И. Глинки. Под руководством главного дирижера Игоря Шаталова оркестр звучал по-настоящему широко и звучно. С первых пассажей струнных слушателей охватило изумление и восхищение. Это произведение как нельзя лучше отразило чувства радости и восторга, исходящие от всех присутствующих в зале людей, в основном, конечно же, педагогического состава консерватории, кто ждал открытие большого зала сильнее всех.
Концертную программу продолжили выдающиеся выпускники консерватории разных лет, в их числе — Дарья Шувалова, Андрей Триллер, Иван Калатай и другие. В их исполнении прозвучали шедевры русской классической музыки — Первая часть Второго фортепианного концерта С. В. Рахманинова, Ария Марфы из оперы «Царская невеста» Н. А. Римского-Корсакова, квартет из оперы «Жизнь за Царя» М. И. Глинки. Изюминкой концертной программы стал заключительный номер, представленный педагогами кафедры народных инструментов и кафедры общего фортепиано. В исполнении Андрея Кугаевского, Артема Давтяна, Михаила Овчинникова, Николая Прокопьева и Михаила Мищенко прозвучал «Чардаш» Листа-Ризоля-Цыганкова. Невероятный контраст звучания симфонической музыки всей предыдущей концертной программы и тембра народных инструментов в квинтете сыграл на руку исполнителям. Их энергетика и невероятный профессионализм не оставили равнодушным никого в зале. Музыканты удостоились самых продолжительных и громких аплодисментов.
Теперь Новосибирская государственная консерватория обрела свою большую сцену. И пусть концертов в ее стенах станет только больше.

Кони, река, колёса и ветер в степи — такая атмосфера встречает зрителя этой оперы. Юношеская опера Сергея Васильевича Рахманинова поставлена в год 150-летнего юбилея композитора.
Опера о выборе, о судьбе. Каждый человек, идя по жизни и попадая в самые сложные обстоятельства, всё же сам выбирает свою судьбу.
В НОВАТе «Алеко» — очень цельная, гармоничная постановка, где музыка, движение и декорации вместе работают на реализацию авторского замысла, раскрытие того богатства смысла, которое заложено во всяком талантливом произведении искусства. Спектакль нельзя назвать полностью классическим — костюмы, сценическое движение не стандартны, но все режиссёрские находки уместны и не искажают сути оперы.
При первом взгляде на декорации и костюмы, создаётся впечатление, что постановка переносит действие оперы в наше время — здесь не встретить привычных всем ярких юбок, цветастых платков, красочность которых бывает чрезмерной (если говорить именно об эстрадной индустрии). Это широкие серые юбки, водолазки вишнёвые и цвета хаки, бусы приглушённых тонов, светло-коричневые пиджаки — у мужчин, и черные у женщин. На голове у мужчин характерные шляпы, волосы у женщин распущены или прихвачены шарфом «по-цыгански».
«Мы смотрели фотографии цыган, времени, когда фотография только стала распространяться. Там мы увидели простые брюки и рубахи, обязательно — пиджаки, как у мужчин, так и у женщин»

Тимур Гуляев, художник-постановщик

Авторам постановки явно хотелось отойти от общеизвестной, растиражированной картинки. Через обращение к этнографически достоверному образу (то есть примерно того времени, когда Рахманинов создавал свою оперу), был найден вариант, который оказался очень современен. Костюмы солистов — старого и молодого цыгана — отличаются от остальных: они светлые, с серебристым оттенком. Это сделано, вероятно, чтобы выделить их из толпы. Отдельно стоит сказать о костюме Алеко: поскольку он чужак, должен выбиваться из общей картины. Поэтому его хотели нарядить, по видимому, то ли рок-звездой, то ли байкером. В итоге был найден баланс — Алеко частично одет как цыгане, входя в их общество, но его отличает черная кожаная куртка и отсутствие шляпы.
Было заметно, что все артисты «живут» своей ролью, поэтому и образы героев получились яркими, эмоциональными. Малый зал НОВАТа создаёт атмосферу камерности, близкого взаимодействия со зрителем, что требует от артистов высокого уровня актёрской игры.
«Рядом со зрителем надо быть честным: и в плане музыки, и в плане голоса, в плане драматической игры. Наши артисты не просто красиво стоят на сцене и поют — разыгрывается драматический спектакль, на динамике, которую трудно было бы представить на классической сцене еще лет десять назад»

Тимур Гуляев, художник-постановщик

Павел Анциферов как нельзя лучше воплотил мрачный образ Алеко -скитальца и изгнанника. Ему удалось сделать своего героя неоднозначным. Временами он поёт жёстко, порывисто, а иногда почти жалобно или лирично, но всегда в его голосе слышна сила чувства. Алеко жаль, но он ужасает. Замечательна была и Земфира (София Бачаева) — своевольная, дерзкая цыганка. Она вся — движение и страсть: свободно волнующиеся волосы, жёсткий и лукавый взгляд. Она двигается расковано, а поёт ярко, с задором. Гордая цыганка превыше всего ставит свою волю делать то, то хочет и предпочитает умереть, чем потерять эту возможность (вспоминаются цыганки из рассказов Горького). Молодой цыган полностью контрастен Алеко — от тембра до цвета костюма (Алеко весь в черном, кожаном, а цыган — в белом, серебристом, легком). Его соло звучат лирично и мягко. Владимиру Кучину удалось сделать своего героя ярким, но не заслонить Алеко — цыган безымянный, что говорит об отношении к нему автора оперы. На его месте мог быть любой, важна его роль в сюжете, а не сам герой.
Впечатляет образ Старого цыгана, созданный Алексеем Лаушкиным. С момента появления на сцене он притягивает внимание зрителя статностью и глубоким, бархатным басом. Он производит впечатление человека, умудрённого опытом, который поступил благородно в сложный период жизни — отказался от мести и воспитывал дочь своей возлюбленной, покинувшей его. Старая цыганка (Светлана Токарева) — также впечатляющий, яркий образ. Без единого слова она притягивает к себе внимание зрителя. Величественная походка, загадочный, чуть высокомерный взгляд дают понять, что перед нами уважаемая в таборе, почтенная женщина. Её одежды отличаются от одежд остальных цыган: она занимает высокое положение в таборе и пользуется уважением. Её одежда ярче других, но также сдержанна. Цыганка время от времени появляется на сцене, проходит между героями, курит сигары. Иногда кажется, что она сочувствует Алеко как мать, пытается вразумить или утешить его. Роль старой цыганки в сюжете дана намёками, до конца остаётся неясной.
«Она выполняет роль не то рассказчика, не то оракула, не то женщины, которая всю эту историю оживляет в своей памяти — она ведь слушает пластинку и начинает оживлять образы. Это один из глубинных смыслов: эта история - воспоминания женщины о своей жизни. Не исключено, что она в молодости и была той самой Земфирой, только с другим будущим, с другим настоящим»

Тимур Гуляев, художник-постановщик

Она как бы владеет всем действием происходящим на сцене: в начале спектакля цыганка заводит патефон, шуршит пластинка, люди и события оживают в памяти (будто изображение из дыма сигары) и из темноты зрительного зала появляется табор (хор)…
Хор, точнее, хоровой балет заслуживает отдельного внимания — он находится в постоянном движении, и даже танцует во время пения, сохраняя при этом стройность звучания (хормейстер — Сергей Тенитилов, пластическое решение — Сергей Захарин). Артисты хора спускаются к сцене прямо из зрительного зала, как бы проявляясь из темноты, танцуют прямо перед зрителями, под сценой. А в финале хор появляется на балконе, будто приближается к месту страшной развязки конфликта главных героев издали, услышав крик. Архитектура сцены Малого зала театра работает на многоплановость изображения. Второй этаж словно дальний план — в перспективе пространства или времени. Например, молодой цыган и Земфира, появляющиеся на балконе во время рассказа цыганского барона, одновременно являются сами собой, находящимися в отдалении от стана, и как бы иллюстрируют историю, случившуюся много лет назад.
Многоплановость заложена в самом сюжете оперы и в музыке. И постановка Вячеслава Стародубцева насыщена символами, которые делают сценическое действие многоплановым и выводят на первый план глубинный смысл оперы. Повествование ведётся сразу на нескольких уровнях. Зацепившись за один образ, сознание запускает цепь связанных с ним понятий, и собирает все события и пласты в единое полотно смысла.
Сценическое действие насыщено символами, гармонирующими с музыкой и помогающими вывести на первый план смыслы, которые прорастают из сюжета, музыки, но не находятся на поверхности. Символы создают пространство для видения в опере не просто сюжета, а глубинных идей и законов жизни, заложенных в нём, отражённых в музыке. У каждого зрителя рождаются свои мысли и варианты трактовки образов, представленных на сцене, и всегда интересно узнать, какой именно вариант был изначально задуман авторами данной постановки.
К сожалению, взять интервью у режиссера-постановщика спектакля, Главного режиссера НОВАТа, Вячеслава Васильевича Стародубцева, мне не довелось. Поэтому было очень радостно, что после спектакля удалось пообщаться с художником-постановщиком «Алеко» Тимуром Гуляевым — то есть узнать о художественной концепции спектакля из первых уст.
«Концепция разрабатывается вместе с режиссёром, эта работа напоминает „портрет по описанию“. То есть мы с режиссёром обдумываем, как может выглядеть постановка, я делаю эскизы, как я это вижу, и в какой-то момент режиссёр говорит: „Да, вот оно!“ — видение совпадает и начинается дальнейшая проработка эскизов, изготовление макета, а затем и декораций. Я выступаю здесь не только в роли художника-постановщика, но и в роли художника-бутафора. Декорации, костюмы — это сделано моими руками и руками моих коллег по бутафорной мастерской. В работе задействованы художники, столяра, механики, бутафоры и не только — это большая коллективная работа»

Тимур Гуляев, художник-постановщик

Декорации на сцене довольно минималистичны, но в то же время «живые». Они создают зримое смысловое пространство оперы. Как и костюмы, они выдержаны в серо-красно-белых тонах, оттенки простые, но богаты на тщательно подобранные полутона: серый с фиолетовым черный с тёмно-синим оттенком, бело-голубые облака. Сдержанное цветовое решение выбрано в том числе потому, что в спектакле постоянно используется видеопроекция и ведётся большая работа со светом — создаётся эффект то пожара в степи, то заката, то строгой прозрачности.
Цыгане — народ, который никогда не стоит на месте, всегда в пути. И идея движения пронизывает всё: облака-кони, будто подгоняемые ветром, колеса, танцующий и движущийся хор. А движение — это свобода, которую пушкинские и горьковские цыгане любят больше всего. Поэтому табор отпускает Алеко, сохраняя жизнь убийце — ему дана свобода жить дальше. Правда, она принесёт ему страдание, это и есть самое страшное наказание для него — одиночество и муки совести.
Сама сцена — это река. Лошади, которых мы видим на сцене, погружены в воду — у них не видно ног. Облака тоже напоминают лошадей. Река — это снова вечное движение, а также символ жизни, которая идёт вперёд. К её берегам приходят многие и уходят, а река всё также течёт и оставляет их позади. И для каждого эта река — своя, ведь войти в одну и ту же реку дважды невозможно.
­ Колесо и лошади — символ народа, который постоянно в пути. Но это только один уровень. Огромное крутящееся колесо, которое высвечивается над сценой, сразу хочется трактовать как символ судьбы, неумолимой фортуны (как тут не вспомнить Орфа и средневековые картины). Оно вертится независимо от воли человека остановить его или повернуть вспять. Но так ли это? Да, внешние обстоятельства часто не зависят от человека. И кто всё-таки управляет колесом? Также человек. Колёс на сцене много — они разные, ведь у каждого героя своя судьба и каждый сам делает выбор, определяющий её ход.
Этот взгляд заложен в сюжете оперы — Старый цыган рассказывает историю о том, как его предала возлюбленная, и Алеко удивлён, что тот отказался от мести. Эта сюжетная параллель показывает возможность выхода, который непонятен Алеко — он делает другой выбор, неся горе другим и обрекая себя на полное одиночество. Выбор сделан, и Алеко, взяв огромное красное колесо, отправляется в изгнание. «Один, опять один!»: его последние слова в опере. Несчастный герой, пытавшийся сбежать от своего несчастья, уйдя из городской суеты, бросив дом и семью, на самом деле несёт своё несчастье с собой, в самом себе, куда бы не пришёл.
Здесь колесо предстаёт и как символ страсти, которая губит человека, предавшегося ей, выбирающего её. Когда колесо столкнули с горы, в какой-то момент остановить его сокрушительное движение уже почти невозможно — человек «катится по наклонной»…
«Колесо — символ судьбы, которую каждый выбирает себе и несет?
Да, вы верно сказали. На сцене много колёс, все они разные — это судьбы разных людей. Время от времени появляется красное колесо, символизирующее либо рождение, либо смерть…"

Тимур Гуляев, художник-постановщик

Интересным символом становится луна — их на сцене три. На самом деле это зеркала, которые располагаются справа, слева и в центре сцены. Это — «зеркала судьбы» (вспоминается зеркало Галадриэли из «Властелина колец» Д. Толкина, в котором герои видели, что было, что будет и чему пока не дано случиться).
«Да, можно сказать и так. Первая луна символизирует жизнь, в ней герои видят радостные моменты, другая — смерть, в ней видят то трагическое, что может произойти. И, наконец, объединяющая этот ряд луна в руках у старой цыганки, где она видит всё»

Тимур Гуляев, художник-постановщик

Многоуровневость повествования достигается также с помощью героев-двойников. Сам сюжет даёт нам две похожие ситуации в прошлом и настоящем — истории с Мариулой, возлюбленной цыганского барона, и с Земфирой и Алеко. Также в настоящем есть условная пара (между ними нет романа) — старые цыган и цыганка («Хотя у нас они не старые они у нас… немолодые» — подмечает Тимур Гуляев). Две балетные пары влюблённых молодых цыган через танец передают эмоции, переполняющие их. Интересно, что в финале все эти пары уходят со сцены друг за другом: в сцене похорон, после изгнания Алеко, когда развёрнуто огромное красное полотно, как кровь или яростный закатный луч, табор, омрачённый горем, уходит навстречу закатному солнцу. В комплексе с колесом, которое вертится и пластинкой, которая проигрывается раз за разом, наличие двойников подчеркивает повторяемость жизненных ситуаций в судьбах людей. Но люди — живые, и каждый своим личным выбором определяет свой жизненный путь, свою судьбу.
Постановка НОВАТа привлекает особое внимание, поскольку сделана достойно, интересно, неординарно и, что самое главное, в этом спектакле все художественные средства направлены на раскрытие истинного смысла оперы, заложенного автором, и не являются самоцелью. Приятно, что не самая известная современному слушателю опера, но замечательная музыкально-драматургически, найдёт своего зрителя.

Цикл «Год Рахманинова в НОВАТе», приуроченный к 150-летию со дня рождения великого русского композитора, не только открыл новые репертуарные возможности для артистов театра, но и позволил новосибирским любителям музыки расширить свои слушательские горизонты.
Постановка оперы «Алеко» стала своеобразной точкой золотого сечения этого проекта. Дебютная опера совсем еще юного, девятнадцатилетнего композитора, созданная на актуальный пушкинский сюжет, не оставляет равнодушной и современного зрителя.
За время своего существования спектакль получил множество режиссерских трактовок. Вечная история о любви и измене, о свободе выбора и неотвратимости судьбы совершенно по-новому воплотилась в авторской интерпретации главного режиссера НОВАТа Вячеслава Стародубцева.
Перед началом предпремьерного показа оперы, который посчастливилось посетить студентам консерватории, Вячеслав Стародубцев обратился к слушателям: «Я думаю, что эта творческая жизнь, творческий триумвират, который мы сейчас создаем, — это фундамент замечательного творческого музыкального будущего Новосибирска. Мы очень волнуемся, потому что действительно: этот спектакль впервые покажется зрителю, это самый ответственный и самый трогательный момент».
Волнение чувствовалось и в зале. Слушатели сосредоточенно внимали первым аккордам увертюры, в звуках которой уже предвосхищались напряжение и драматизм истории о цыганских судьбах.
Искусство театра синкретично, оно подразумевает сплав музыки, поэзии, танца, живописи и архитектуры. Для создания целостного впечатления у зрителя включаются различные органы чувств. Но действительно запоминающимся становится спектакль, который заставляет работать воображение, спектакль, в котором нюансы режиссерской трактовки осмысляются неоднозначно, который провоцирует думать, спорить, который предлагает зрителю по-своему интерпретировать авторский замысел.
Первым, что отводит слушателя от привычного классического мышления, стала концепция «истории в истории»: старая цыганка, пройдя между отдыхающими в поле конями, включает стоящий в углу граммофон. Печальная повесть уже рассказана, судьбы людей предрешены, а нам остается только слушать. Идея неотвратимости фатума прослеживается и в другой детали: красное колесо сансары, появляющееся на сцене в ключевые моменты сюжета.
Премьерная постановка «Алеко» поразила необычными сценическими решениями. Благодаря грамотной работе режиссера с пространством спектакль приобрел черты кинематографичности: рассказ Старого Цыганского Барона о своем прошлом и в тот же момент — страстное уединение Земфиры и Молодого Цыгана на втором плане. Изображение влюбленных можно трактовать и как собственные воспоминания старика: несчастная история любви — не редкость, судьбы повторяются.
Необычная, тонкая режиссерская трактовка была талантливо воплощена артистами оперной труппы. Разъяренный, но страдающий Алеко, страстная, эпатажная, жаждущая свободы Земфира, нежный и мечтательный Молодой Цыган. Рассудительный, но в то же время чуткий и человечный образ Старика — отца Земфиры. Каждый из певцов глубоко проживал роль, в полной мере раскрывая замысел композитора и донося чувства своих персонажей до слушателя.
Обобщенный образ свободолюбивых и чувственных жителей цыганского табора мастерски воссоздали артисты хора, исполнив технически непростые хоровые сцены. Ярким нововведением постановки стал хоровой балет: певцы хора были вовлечены в хореографические номера оперы, поставленные режиссером по пластике Сергеем Захариным.
Премьера оперы «Алеко» несомненно стала новой ступенью развития театра: блестящий исполнительский состав, оригинальные режиссерские решения, чуткое внимание к деталям, которые так важны при постановке камерного одноактного спектакля — все это вкупе с музыкальным гением Рахманинова и вечным пушкинским сюжетом создало незабываемое впечатление у зрителя.

«Вольные, как птицы, цыгане с каждым новым поколением неминуемо возвращаются на круги своя. Совершая свои кочевья на полях истории, они, тем не менее, живут в незыблемом мире традиции и предания»

(Фомичев С. А. Поэзия Пушкина)

В честь 150-летия со дня рождения великого русского композитора С. В. Рахманинова на Малой сцене оперного НОВАТа была поставлена опера по поэме «Цыгане» А. С. Пушкина. Сам композитор написал свою первую оперу «Алеко» в качестве дипломной работы в Московской консерватории и, как известно, высокую оценку тогда дал этой опере П. И. Чайковский. Премьерные показы «Алеко» в НОВАТе состоялись 15 и 16 сентября 2023 года, собрав полный зал поклонников и любителей оперного искусства.
Режиссер-постановщик В. В. Стародубцев, доказал стилистическую направленность данной оперы, приближенную к академизму, но в то же время создал спектакль, органично воплотивший в себе художественное видение реальности.
Образы главных героев — Алеко и Земфиры — исполнили Алексей Зеленков и София Бачаева. Им удалось передать все качества героев, прописанные в поэме А. С. Пушкина. Алеко предстал страстно любящим персонажем, остро переживавший уход любимой, а Земфира явилась полным ему антиподом, раскрывающим любовь и страсть к другому к его сопернику. Здесь необходимо сказать и о других персонажах. Алексей Лаушкин, исполнивший роль отца Земфиры, показал необъятную любовь отца и в то же время сочувствие к судьбе Алеко. Константин Захаров сыграл роль Молодого цыгана, влюбленного обаятельного юношу. Все арии были исполнены профессионально и глубоко, захватывая дух так, что многие зрители, не сдерживаясь, аплодировали, едва номер заканчивался. Поскольку опера была представлена в камерном зале, это давало эффект ощущения себя непосредственным участником событий, происходивших на сцене.
Музыкальный руководитель и дирижер Дмитрий Юровский представил прекрасно воспроизведенное мастерство, оркестр показал виртуозную игру, очень точно передающую и дополняющую образы главных героев.
Хор создавал фундамент и массовость, а также передавал ощущение психологической драмы, и в тоже время, являлся еще связующим звеном между зрителем и сценой, исполняя не только вокальные номера, но и различные танцевальные движения, показав цыганский табор — традиционным кочевым народом, реалистичным и приближенным к зрителю.
Особенности сценографии заключались в применении разных эффектов: отражение бликов ночи через осколки зеркал, что давало некую таинственность, а также световое изображение костра и макеты больших коней, как символ кочевого народа. Эти фигуры явились вспомогательным антуражем хореографии.
Скажу немного о личных впечатлениях. Хотелось бы поблагодарить режиссера-постановщика В. В. Стародубцева за шикарную (по-другому не скажешь) постановку данной оперы! Получилось прочувствовать и пропустить всю музыку Рахманинова через себя, немного погрузиться в атмосферу цыганского табора. Ведь традиции и культура цыган очень часто встречаются в истории русской музыки и культуры в целом.

В НОВАТе продолжается празднование 150-летия со дня рождения С.В. Рахманинова – на Малой сцене поставлена опера «Алеко» в авторской художественной концепции и постановке В. Стародубцева.

Лирико-психологическая опера С. Рахманинова на либретто В. Немировича-Данченко по пушкинской поэме «Цыганы» в интерпретации В. Стародубцева предстала камерной драмой, полной символистских образов и ассоциаций.
Старая цыганка заводит граммофон. Раздаются звуки цыганских напевов, на фоне изображается крутящаяся пластинка с лейблом «Алеко». Зритель ещё до оркестровой интродукции переносится в культуру вольного народа и во времена молодого Рахманинова.
Общий тон постановки соответствует камерности произведения – сдержанность ощущается именно в количестве декоративного оформления, но не в качестве. Образ вольных диких коней – близкий духу цыган – отображается в белоснежных объёмных фигурах и в фоновых декорациях в виде устремляющихся вдаль облаков. Колесо воспринимается как неотвратимая судьба, земной путь человека; выделяющееся среди остальных красное колесо достаётся в конце спектакля главному герою как метка, порождённая проклятием городского общества.
Для расширения пространства сцены постановщики задействуют балконы, лестницы зала: органичен приём ретроспекции, когда на балконе разыгрывается любовная пантомима Земфиры с Молодым цыганом параллельно с рассказом Старика о бросившей его жене Мариуле. Сценическая многоуровневость порождает многоплановое погружение зрителя в сюжет оперы.
Сдержанность в выборе простых, чистых цветов в декорациях и одежде позволяла с помощью световых эффектов создавать яркие визуальные образы. Если бы у цыган было разноцветное одеяние, игра света бы потерялась.
Образы главных героев получились убедительными благодаря пластическому решению. Алеко – Павел Анциферов – уже отчаянный и одинокий, плетётся тяжёлыми шагами по сцене. Сильная и своевольная Земфира – София Бачаева – то и дело взмахивая распущенными локонами, активна в каждом выходе, особенно в знаменитой песне «Старый муж, грозный муж». Вокальное мастерство певцов, чарующая мелодика Рахманинова – благодатная почва для оваций зрителей после каждого соло артистов.
Хоровые партии отличались стройным, гармоничным звучанием, при этом певцы в этот раз выступили, по словам В. Стародубцева, в качестве артистов хорового балета – попытка встроить хор в пластику танца, пусть пока робкая, говорит о новом уровне синтеза искусств.
Опера завершается так же, как и началась: Старая цыганка останавливает пластинку на граммофоне, её повествование закончилось, будто всё, что происходило сейчас вокруг – давние воспоминания этой женщины.
Постановка В. Стародубцева на новосибирской сцене оперного театра следует главному замыслу оперы «Алеко» – отразить невыносимые душевные переживания героя одинокого и для всех чужого. При этом внедряются новые по либретто детали, смыслы, уделяется больше внимания второстепенным героям оперы, и перед нами – не просто воссоздание первоначального музыкально-театрального образа, но самостоятельная трактовка, которая выстраивает свой диалог со зрителем.

В Новосибирской филармонии прошел концерт вокальной музыки «Ночью в саду у меня». Исполнители — заслуженные артистки республики Абхазия Хибла Герзмава и Екатерина Ганелина.

Концерты подобного уровня являются настоящим событием для музыкальной жизни города. Совершенно непонятно, почему в зале среди зрителей было так мало вокальных педагогов, студентов вокальных факультетов. Возможно, это связано с практически столичной ценовой политикой, при которой билетов, стоимостью меньше 3000 рублей, еще за три недели до концерта было не найти.
Отдельные слова восхищения хотелось бы адресовать человеку, который создает концертные наряды Хиблы Герзмава, без преувеличения, каждый из них является настоящим произведением искусства. Невероятной красоты темно-розовое платье в первом отделении прекрасно сочеталось с лирической задумчивостью, хрупкостью и нежностью, присущей камерной музыке П. И. Чайковского, за исключением, пожалуй, самого трагического романса, исполненного Хиблой Герзмава, «Я ли в поле да не травушка была», ставшем драматической кульминацией всего отделения. Очень удачной находкой можно считать практически речевое исполнение — «Ах!» — в романсе, которое звучало, как обессиленный всхлип. Такого эффекта певица достигает за счет глиссандирования с ноты, на которой находится междометие. Да, Чайковский, достаточно пунктуальный в вопросах записи своих пожеланий для исполнителя, не написал подобного, но в таких случаях основным критерием допустимости подобных экспериментов можно считать убедительность или неубедительность. Восторженные крики «браво» свидетельствуют о том, что данное прочтение было убедительным и смогло тронуть сердца слушателей.
Конечно, необходимо отметить Екатерину Ганелину. Помимо безусловного концертмейстерского мастерства (не было ни одной вертикали не вместе, не одной неловкой паузы во время дыхания певицы), Екатерина Иосифовна обладает навыками прекрасной пианистки. Об этом стоит сказать отдельно, так как в последнее время все чаще звучит мысль о том, что с концертмейстером должно быть удобно, а как он играет с точки зрения качества и профессионализма уже не так важно. Данные убеждения, видимо, вызревают в среде, лишенной хороших концертмейстеров-пианистов, обладающих возможностями для качественного исполнения ансамблевого репертуара, либо в среде концертмейстеров, которые не соответствуют профессиональным требованиям для исполнения сложных вокальных или инструментальных опусов и пытающихся это оправдать. Тем ярче выглядела Екатерина Ганелина. Безукоризненное техническое качество исполнения, настоящая, до мелочей проделанная работа со сложнейшей фактурой, особенно в op. 38 С. В. Рахманинова. Особенно хочется отметить находчивость исполнителей, которые предложили вариант исполнения романсов Чайковского, в котором фортепианные проигрыши «собираются» пианистом, не растягиваются, как это традиционно бывает, а буквально «пролетают». С одной стороны, исполнение лишается некоторых подробностей, становится менее значительным. С другой, практически решается проблема того, что спустя два-три романса с проигрышами в духе «Скажи, о чем в тени ветвей» или «День ли царит» Чайковского, зрители начинают очень переживать о том, чтобы их «соседи», вдруг, не захрапели в самый тихий момент звучания произведения (а такое, поверьте, случается).
Хибла Леварсовна не была бы собой, если бы во втором отделении не поменяла наряд. Как мужчине, для меня это немного странно, и выглядит каким-то самолюбованием, внешним эффектом. Но не могу не отметить, что смена платья на черное, придало певице сразу иной вид, очень строгий, целомудренный. И это так здорово наложилось на op. 38 Рахманинова. Смело можно сказать, что центром всего концерта были именно эти шесть романсов. Это никак не связано с тем, что и для вокалиста, и для пианиста это практически смертельный номер, так как глупо отрицать невероятную сложность этих романсов, как техническую, так и художественную. Артисты справились прекрасно, но здесь вопросов к интерпретации возникает намного больше. Например, практически на протяжении всего романса «Ночью в саду у меня» сохранялась динамика f. В «Крысолове» в заключительной части вокалистка практически перешла на скороговорку, хотя композитор вовсе не требует этого. Верхние ноты в романсе «Сон» спеты на f, хотя Хибла Герзмава неоднократно показывала свое умение петь даже самые высокие ноты настоящим p. В противовес Чайковскому, здесь Екатерина Ганелина играет окончания романсов достаточно медленно, расставлено, связано это с техническими причинами или художественной концепцией понять достаточно непросто. Но музыка была, образы состоялись, и думается, что это самое главное.
Наиболее удачно звучала в этот вечер лирика. «Дитя, как цветок ты прекрасна» Рахманинова, его же «Сирень», «Серенада» Чайковского- действительно были украшением концерта, во время их исполнения зал буквально замирал, переставали кашлять даже те, кто, казалось бы, не в состоянии прожить и минуты без этого.
Завершился концерт «Весенними водами» С. В. Рахманинова, которые своей яркой позитивной энергией смыли негативные впечатления, оставленные сотрудниками Новосибирской филармонии, которые на протяжении всего концерта бесконечно светили красными лазерными фонариками в тех, кто пытался сфотографировать артистов, или сделать видео. Что это, новые правила филармонии, требования Герзмава и Ганелиной? Даже во время бисов, среди которых была «Травушка-муравушка» в обработке Городовской, когда был включен в зале свет, десятки людей снимали на память небольшие видео, обезумевшие от количества добычи капельдинеры и администраторы бегали по залу с приказами срочно убрать телефон. Интересно, если бы видео снимал губернатор области, а не обычная пожилая женщина, они бы с такой же резвостью запретили ему это делать? У нас так часто принято кивать головой на условный Запад, мол, там культура. Так представьте, на всех последних концертах Д. Трифонова его снимает огромное количество людей на свои телефоны, выкладывает в соцсети, и он этому радуется. Видимо, кивание в сторону Запада по части организации культурной жизни происходит у нас избирательно.
Несмотря на это, очень высокую цену билетов, хочется поблагодарить филармонию, что были приглашены такие замечательные артисты, которые в новейшей истории филармонии еще не приезжали, и в зале Каца не выступали.
Если увидите афишу с именами Хиблы Герзмава и Екатерины Ганелиной — смело идите, не забудьте только подкопить денег, и обязательно наденьте черные очки, чтобы свет от красных фонариков, жадно ищущих злостных нарушителей филармонических порядков, не мешал вам наслаждаться музыкой, которую эти артисты доносят очень ярко и убедительно.

Сибирское композиторское творчество представляет большой интерес для ценителей музыкальной культуры региона. Классиком сибирской музыки заслуженно считается Аскольд Федорович Муров. Он — основатель сибирской композиторской школы. За последние десятилетия появилось немало новых сибирских композиторов. Среди них — Юрий Юкечев, Сергей Тосин, Андрей Попов, Андрей Молчанов, Глеб Никулин. Отметим, что все эти композиторы в наше время преподают в Новосибирской консерватории.
Каждый год в Новосибирской консерватории имени выдающегося композитора Михаила Ивановича Глинки проводятся различные творческие и исполнительские конкурсы: конкурс исполнителей на каком-либо инструменте, конкурс по теоретическим дисциплинам, конкурс молодых хормейстеров по сольфеджио и т. д. Совсем недавно с 20 по 23 октября проходил конкурс исполнителей произведений сибирских и дальневосточных композиторов «Сибирский опус». В конкурсе принимали участие студенты и преподаватели, а также музыканты из городов Сибири и Дальнего Востока. Там мне удалось послушать музыку Глеба Никулина — органиста, композитора, доцента кафедры специального фортепиано.
Звучало произведение композитора «Каприччио для двух фортепиано» op. 6, длящееся около десяти минут. Сочинение напоминает музыку эпохи романтизма и музыку двадцатого века. В нем проявляются: огромный диапазон, различные регистровые краски, использование крупной и мелкой техник. С точки зрения гармонии — музыка тональная, написана в тональности До мажор. Складывается ощущение, будто это написал композитор рубежа XIX-XX за счет использования гармонии того периода. В целом, музыка производит хорошее впечатление.
По моему мнению произведения композиторов, которые и сейчас пишут тональную музыку, достойны внимания. Несмотря на появление множества композиторских техник в прошлом столетии существенно отличных от тонального мышления, таких как додекафония, серийная техника и другие, тонально-гармоническая система является самой совершенной и актуальной даже по сей день. Не зря же многие музыканты воспитываются на тональной музыке, да и любители музыкального искусства в целом.
Исполняли музыку Г. Никулина преподаватель кафедры общего фортепиано Гребенкин Алексей Владимирович и преподаватель кафедры специального фортепиано Нестеренко Елена Викторовна. Скажу несколько слов о моем преподавателе Алексее Владимировиче. Он внимателен и добр к студентам, подробно прорабатывает со своими учениками музыкальное произведение с точки зрения особенностей его исполнения. Как мне кажется, Гребенкин А. В. относится к своей педагогической и профессиональной деятельности с любовью. Тем же и характеризуется Елена Викторовна.
Во время их совместного исполнения чувствуется их преданность своему делу. Каждый педагог достойно ведет свою фортепианную партию, хорошо чувствует и слышит друг друга, проявляется высокое исполнительское мастерство и профессионализм.
Таким образом, исполнение произведения Г. Никулина преподавателями НГК им. М. И. Глинки достойно внимания и высокой оценки. А. Гребенкин и Е. Нестеренко стали лауреатами второй степени, а их исполнение оценили как «Высокое ансамблевое мастерство», что вполне заслуженно.

5 октября в 15:00 часов по Новосибирску состоялся совместный научный семинар Новосибирской консерватории и Института филологии СО РАН в онлайн формате. Программа семинара, включающая доклады на темы современного российского востоковедения, была посвящена юбилею музыковеда-востоковеда, заведующей кафедрой этномузыкознания Новосибирской консерватории, доктора искусствоведения, профессора Марины Юзефовны Дубровской.

Мне удалось быть рядом с участниками круглого стола, который проходил в музее Новосибирской консерватории, и стать свидетелем уникального синтеза культурных интересов специалистов разных научных профилей.
Помещение музея было выбрано не случайно. Прежде чем туда пройти, оказываешься в небольшом зале, где на витринах представлены инструменты, подаренные консерватории музыкальными деятелями Кореи, Японии, Китая, коренной Сибири. Такое место сосредоточения различных национальных культур точно настраивало на проведение этнического семинара! В музее царила камерная, дружелюбная обстановка: светлая мебель, на стенах развешаны заботливо подобранные афиши, фотографии, рукописи, из больших окон открывался чудный вид на осенний Первомайский сквер и оперный театр.
К началу семинара за круглым столом собрались этномузыкологи: профессора консерватории Татьяна Генриховна Казанцева, Наталья Владимировна Леонова, доценты Наталья Михайловна Кондратьева, Анастасия Михайловна Петрова, преподаватель кафедры Павел Сергеевич Шахов (он же старший научный сотрудник Института филологии), позже подошла профессор кафедры истории музыки Галина Анатольевна Ерёменко. Пространство наполнялось беседами, то один, то другой педагог начинал переговариваться с соседом. Возникало ощущение приятного ожидания, волнения. Примечательно было очное присутствие на семинаре докладчика из Института филологии Елены Юрьевны Куликовой; её коллега, Игорь Евгеньевич Лощилов, а также профессор кафедры фортепиано из Дальневосточного института искусств Сергей Абрамович Айзенштадт, выступали по видео-конференции. К онлайн-трансляции постепенно стали подключаться студенты теоретико-композиторского факультета. И вот — в кабинет зашла Марина Юзефовна, юбиляр, главное лицо этого научного семинара. Началась трансляция события.
После краткого знакомства с гостями Павел Александрович Мичков, проректор по научной работе и цифровому развитию, приветствовал всех участников и торжественно открыл круглый стол. Он отметил, что «за историю проведения семинаров его участниками становились докладчики из разных стран — всё это говорит о востребованности онлайн-формата». Павел Александрович объявил тему текущего семинара и поздравил с юбилеем ярчайшего представителя востоковедческого направления Марину Юзефовну, предоставляя ей слово.
Краткое, но такое ободряющее напутствие жизнерадостной Марины Юзефовны, я думаю, приподняло настроение каждому и задало оптимистичный тон всем выступлениям. Неожиданно взял на себя инициативу Павел Сергеевич Шахов, куратор семинара: он поздравил юбиляра от всей кафедры и вручил букет хризантем и лотосов — цветов-символов стран Азии и Востока. Даже в таких деталях проявилась главная тематика семинара!
Доклад Марины Юзефовны («Проблемы изучения музыкальной культуры Японии на современном этапе») носил, с одной стороны, информативный характер, с другой — личностное, непосредственное отношение к нынешним проблемам взаимодействия отечественной научной и творческой деятельности с японской культурной средой. Эффект присутствия, погружения в мир научных исследований дополняли слайды с обилием архивных фотографий, на которых можно было увидеть Марину Юзефовну в расцвете сил, а также трогательное исполнение профессором песни Ямада Косаку «Красная стрекоза». Следует отметить, что фигура Косаку важна для профессора-японоведа, она стала центральной в её диссертационном исследовании.
Следующей выступила Елена Юрьевна с докладом на тему «„Японские“ экфрасисы Михаила Щербакова („Врата“, 1934)». Этот доклад открыл литературоведческую линию выступлений, но что важнее, отразил междисциплинарность исследования. Проблема экфрасиса — описания литературными средствами предметов изобразительного, визуального мира — уже предполагает синтез двух видов искусств. В творчестве Щербакова, прежде всего в изданных сборниках «Отгул» и «Врата», Елена Юрьевна увидела теснейшую связь живописи, поэзии, графики — последнее искусство выразилось в тонко выписанных виньетках Урванцева, художника сборников.
Удивительным казалось, как Щербаков, представитель русской литературы дальневосточной миграции, чувствовал жанр, слово, состояние японской поэзии. Слушатели с особым участием отнеслись к этой необычной теме, задавали вопросы, вступали в обсуждение. Ещё большее оживление привнёс анонс про масштабный литературоведческий проект Института филологии «Русский Китай и Дальний Восток как пространство литературного трансфера». Павел Сергеевич Шахов продемонстрировал книгу, чем привлёк внимание педагогов-этномузыкологов, которые просили рассмотреть её поближе, а Наталья Михайловна Кондратьева даже захотела взять на время, почитать. Такая заинтересованность вызвала ответную реакцию у Елены Юрьевны: «Давайте я договорюсь о том, чтобы презентовать монографию на кафедру!». Все были признательны, особенно Наталья Михайловна, довольно улыбнувшаяся в ответ.
Далее по видео подключился Сергей Абрамович Айзенштадт с докладом «Александр Черепнин в Китае: к проблеме эффективности межкультурных контактов». Начало выступления сопровождалось частыми прерываниями звука, что очень мешало восприятию информации. Увы, таковы издержки дистанционного подключения. Тема стала проясняться, автором раскрывался вопрос влияния композитора Черепнина на судьбу китайской национальной композиторской школы. «Объединить исконный интонационный словарь с западными техниками, прежде всего, полифоническими — вот одно из открытий, которое поразило китайских музыкантов 30-ых годов прошлого века» — говорил докладчик. Далее он начал цитировать научно-популярный американский журнал, где приводились актуальные до сих пор слова про обучение китайских студентов-музыкантов по западноевропейской системе…
Здесь, на самом интересном месте, мне пришлось покинуть этот уютный кабинет, поскольку студенческие обязанности звали меня провести урок по педагогической практике. Жаль, ведь доклады были увлекательными, хотелось окунуться в проблематику каждого. Журналистское призвание не дало мне оставить тему не раскрытой до конца, и на следующий день я узнала у одногруппников, что было дальше и чем всё закончилось.
После доклада Айзенштадта в онлайн-формате выступил Игорь Евгеньевич Лощилов с темой «Тишина, звук и музыка в произведениях харбинского поэта Василия Логинова», продолжающей линию соединения литературного и музыкального искусств. Заключительный доклад Анастасии Михайловны Петровой совместно с преподавателем факультета искусств китайского университета Ван Чжаном касался вопросов изучения квартетного жанра в творчестве китайских композиторов в музыкознании России и Китая. У слушателей возникали предложения организовать прослушивание китайской квартетной музыки — не хватает цельного, непосредственного восприятия этого камерного жанра.
Завершился онлайн-семинар, как мне удалось выяснить, словами благодарности от всех участников круглого стола и присутствующих заочно. Было отмечено, насколько точно термин «метакультурная зона», принадлежащий создателю новосибирской этномузыкологической школы Владимиру Владимировичу Мазепусу, вписался в название международного онлайн-семинара, действительно отразив сущность каждого прозвучавшего доклада.

14 ноября в концертном зале НСМШ состоялся концерт камерной музыки, посвященный юбилею С. В. Рахманинова. Среди исполнителей — выпускники и преподаватели школы: Дания Хайбуллина, Ярослав Кучерявых, Алена Косачева и, конечно, Светлана Федоровна Курбетова, главная героиня сцены этого вечера.


Выбор репертуара, подбор исполнителей, выбор именно этого концертного зала — ничего нет случайного, все продумано до мелочей. Концерт открывается романсом из Второй сюиты для двух фортепиано Рахманинова. Первое, на что обращаешь внимание, качество звука. Каждая нота имеет свой тембр, чувствуется, что исполнители буквально «вытаскивают» звук из инструмента, играют глубоко, «до дна клавиши». Музыка развивается очень естественно, за этим слышна серьезная метроритмическая, агогическая работа. Немного проигрывает в этом отношении партия Дании Хайбуллиной, видимо, сказывается достаточно молодой возраст пианистки и отсутствие такого колоссального исполнительского опыта, как у Светланы Федоровны.
Романтическая музыка допускает некоторую несинхронность в исполнении фортепианного ансамбля, однако, несколько несобранных вертикалей заставили обратить на себя внимание. Немного плывущая акустика концертного зала Новосибирской музыкальной школы помогала исполнителям, и в каком-то смысле нивелировала недостаток Legato, или не совсем точное совпадение по вертикалям. Но задумка, смысл романса угадывался очень легко, и думается, это главное достижение музыкантов.
Далее прозвучало Элегическое трио Рахманинова. Сразу обращает на себя внимание то, что крышка рояля открыта полностью, а это достаточно рискованно при игре со струнными инструментами. Необходимо обладать прекрасным владением инструментом, чтобы играть «по-настоящему», но при этом не заглушать своих партнеров, не мешать им. Светлана Федоровна в основном справляется, разве что в кульминационных моментах рояля становится значительно больше, чем скрипки и виолончели. Но, думается, что в определенной степени это допустимо, потому что большой вопрос, кто же в этих кульминациях главный. Скрипка и виолончель играют очень качественно, стабильно, однако слишком заметна разница в отношении к музыке. А именно то, что они не совсем ее понимают. Кажется, что они хорошо играют текст, чувствуют динамику, показывают артикуляцию, агогику, все сделано и выверено, но настоящих чувств за этим нет. Особенно это заметно в сравнении с исполнением Светланы Федоровны, которая играет очень сокровенно, в какие-то моменты и вовсе обнажает свой внутренний мир. Из недостатков я бы отметил не совсем продуманную драматургию. Реприза была достаточно однообразная. В ней ничего не изменилось по сравнению с экспозицией. Одинаковые зависания и оттяжки, одинаковая филировка звука, одинаковая эмоция. Но у Рахманинова так не бывает, ему присуща внутренняя трансформация, переосмысление, даже при внешней одинаковости.
И, конечно, главным событием вечера стало исполнение виолончельной сонаты Рахманинова. Сложнейшее во всех смыслах произведение, в котором партия пианиста ничем не уступает по насыщенности и сложности сонате b-moll, вариациям на тему Корелли и так далее. Было заметно, что Светлане Федоровне непросто, но вызывало огромное уважение то, как она справляется с каждой новой трудностью, борется за свою музыку и свои смыслы. Еще раз хочется отметить, что крышка рояля была открыта полностью, и при такой невероятно насыщенной фактуре в партии фортепиано, никогда не была заглушена виолончель. Это победа и достижение Светланы Федоровны. Да, Ярослав Кучерявых играл достаточно ярко, эмоционально, темпераментно, но в звуковом выражении достаточно скромно. До сих пор для меня остается загадкой, как же Светлане Федоровне удалось так рельефно играть свою партию, со всеми возможными нюансами, очень сложными и неудобными фактурными местами, и не помешать виолончелисту. Браво! Виолончелист в этом дуэте немного проигрывал. За внешней эмоциональностью, потряхиванием шикарной прической, было мало внутреннего наполнения, именно духовной, а не душевной работы, как мне показалось. Не цепляло, не вызывало сопереживания.
Но концерт состоялся! И это было прекрасное приношение великому русскому композитору, пианисту и дирижеру Сергею Васильевичу Рахманинову.

20 апреля 2023 года в Конференц-зале Новосибирской государственной консерватории состоялась творческая встреча с художественным руководителем и главным дирижером Новосибирского академического театра оперы и балета Дмитрием Юровским и композитором, дирижером, актером, членом Союза композиторов и Союза театральных деятелей России, заслуженным артистом Р Ф Андреем Семеновым.

На встрече поднимались самые актуальные вопросы музыкальной современности: проблема исполнения сочинений современных композиторов, вопросы стилистики и интерпретации. Интересен для участников встречи был разговор о цикле «27 опер», во время которого композитор не только разъяснил художественный замысел, но и продемонстрировал некоторые отрывки из произведений, которые публика встретила аплодисментами. Не обошел вниманием Андрей Семенов и другие свои сочинения, а также интересные истории из жизни.
На творческой встрече царила доброжелательная атмосфера: студенты заинтересовано задавали интересующие их вопросы, а гости с радостью отвечали на них, стараясь передать свой опыт молодым музыкантам. Эта встреча была полезна не только для студентов-композиторов и музыковедов, но и для студентов исполнительских факультетов, ведь именно такие беседы помогают лучше понять, что есть композиторская и дирижерская деятельности, каковы их художественные замыслы и как они претворяются в музыке.

19 ноября 2023 года состоялся финальный тур II Международного конкурса пианистов имени Е. М. Зингера «Запад-Сибирь-Восток». Третий тур стал кульминационной точкой проведения состязания между молодыми пианистами.

Сам конкурс проходил с 13 по 20 ноября в стенах Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки. В конкурсе приняли участие 79 юных талантливых музыкантов из самых разных городов России и стран ближнего зарубежья. На протяжении недели участники демонстрировали настоящее мастерство исполнительского искусства. Высокий уровень подготовки участников, яркие интерпретации классических сочинений — все это сделало выступления конкурсантов по-настоящему профессиональными.
Нельзя не отметить и качество работы высококвалифицированного жюри конкурса, чьи решения не подвергались сомнениям и были всегда обоснованными и верными. Кроме того, в рамках проведения конкурсных состязаний состоялись мастер-классы с председателем жюри, заведующим кафедрой специального фортепиано Белорусской государственной академии музыки, доцентом Владимиром Андреевичем Дуловым и профессором кафедры специального фортепиано Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки Ларисой Владимировной Смешко.
Третий тур для участников V возрастной группы проходил в Концертном зале «Сибирский» НМК им. А. Ф. Мурова По результатам прослушивания в финал прошли четыре исполнителя. Мне посчастливилось прослушать всех четырех конкурсантов.
Открывала финальные прослушивания Яна Максимчук, молодая пианистка из Москвы, обучающаяся в классе заслуженного артиста Р Ф Андрея Александровича Писарева в Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского. В ее исполнении слушателям довелось прослушать концерт № 2 для фортепиано с оркестром С. В. Рахманинова. Ни для кого не секрет, что фортепианные школы Москвы и Новосибирска отличаются. Поэтому, в исполнительской трактовке Яны не хватало многих вещей, на которые делают особенный акцент наши, новосибирские профессора. В ее исполнении, к сожалению, не было того трагизма, который был заложен композитором. Концерт, музыка которого наполнена душевной болью самого композитора, прозвучал в исполнении солистки весьма отстраненно. Нельзя отрицать тот факт, что оркестровая партия также очень сложна, и в этом концерте роль дирижера просто огромна. К сожалению, мне показалось, что дирижер и солистка как будто бы играют разную музыку. Не было единого целого между оркестром и Яной. Да, исполнение ее было на хорошем уровне, не считая нескольких текстовых проблем, Яна, безусловно, талантливая пианистка с отличной технической оснащенностью. Хочется пожелать ей вдохнуть в ее интерпретации больше личного опыта, больше души и своего собственного отношения к музыке.
Вторым участником финального прослушивания конкурса был Юрий Моисеев. Молодой парень из Москвы, обучающийся в Московской консерватории по классу Сергея Александровича Главатских, представил вниманию слушателей концерт Э. Грига для фортепиано с оркестром ля минор. В отличие от предыдущей участницы, он смог захватить внимание слушателей с первых аккордов и заставить слушать себя с интересом. Мне довелось лично разговаривать с Юрой после его выступления, и отметил, что он «прожил жизнь вместе с этим концертом, оставил на сцене всего себя и надеется, это было услышано». И это действительно было услышано. Его трактовка не была классической, но при этом и не была «совсем другой». Было слышно личное эмоциональное участие Юры в исполнении, что никого не оставило в зале равнодушным.
Третий участник, Герман Таразанов, наш соплеменник, студент Новосибирской консерватории по классу Полины Олеговны Тончук, также представил вниманию жюри и слушателей фортепианный концерт Э. Грига. Показалось, когда Герман вышел на сцену, весь зал будто выдохнул, ведь так приятно, когда выступают твои талантливые коллеги по цеху. На мой взгляд, Герман в тот вечер был лучшим из всех четырех исполнителей, что позднее и подтвердилось решением членов жюри о присуждении ему первой премии конкурса. Содержательность интерпретации, отношение к звуку, яркость исполнения — все это вместе дало ошеломительный успех. Зрители были прикованы взглядом к сцене и к талантливому молодому пианисту.
Завершал финальный тур, Лев Кравцов, одаренный музыкант из Новосибирска. В его исполнении публика вновь окунулась в музыку Второго фортепианного концерта С. В. Рахманинова. Его исполнение также показалось мне ближе. Несмотря на волнение, которое исходило от участника, он смог погрузить слушателя на глубину мысли, заложенную Рахманиновым. К сожалению, в тот вечер не все сложилось максимально удачно для Льва, финал концерта в его исполнении прозвучал немного скомкано и торопливо. Но первые две части концерта Рахманинова по-настоящему увлекли мое внимание и заставили задуматься о тонкости музыкальной ткани композитора, о его полифоническом мышлении, о его нелегкой судьбе.
Для меня, как для пианистки, опыт посещения конкурсных прослушиваний не в новинку, но тот день запомнится мне на долго. Ведь когда играют твои друзья и знакомые, когда ты знаешь, что стоит за этой исполнительской картинкой, каких усилий стоит выходить на сцену и играть, тем более с оркестром, ты волей-неволей проникаешься до глубины души.

Всероссийский музыкальный конкурс (далее ВМК) — одно из серьезнейших музыкальных состязаний. ВМК в современной России стал приемником Всесоюзного музыкального конкурса, который в свою очередь был главным творческим состязанием для одаренных музыкантов.
ВМК представляет собой четырехлетний цикл состязаний. Конкурс проходит по самым разнообразным направлениям, в их числе — «Скрипка», «Хоровое дирижирование», «Духовые инструменты», «Орган», «Арфа» и другие.
С 2022 года, в связи с усложнившейся эпидемиологической обстановкой, отборочный тур конкурса для всех категорий был переведен в онлайн формат.
В сентябре 2023 года по результатам отборочного тура, проходившего в августе, мне и двум моим коллегам-инструменталистам, Юлии Бобровой (скрипка) и Юлии Ивановой (виолончель), посчастливилось принять участие в трех турах очных испытаний в номинации для камерных ансамблей «Фортепианное трио».
Конкурс проходил в городе Уфа с 21 по 27 сентября на базе Башкирской государственной филармонии имени Х. Ахметова. По итогам отбора к очному туру, помимо нашего ансамбля, было допущено еще 11 трио из разных уголков страны, в том числе из Москвы, Санкт-Петербурга, Уфы, Нижнего Новгорода, Саратова и других крупных музыкальных центров.
Хочется от всего сердца поблагодарить организационный комитет за их работу. Помимо того, что все расходы по размещению и питанию участников были взяты на себя организаторами конкурса, все проблемы, с которыми могли столкнуться участники внутри самого конкурса, решались очень быстро и без проблем. Не было недостатка в аудиториях для самостоятельных занятий. Все вопросы напрямую улаживались путем сообщений в мессенджерах за пару минут. В целом, не было никаких сомнений в том, что оргкомитет был поностью заинтересован в комфорте участников.
Что касается самих творческих испытаний можно смело сказать, что это было правда очень сложно. Причем, в первую очередь, эмоционально. Большие конкурсные программы заставляли выкладываться до последней нервной клетки на сцене, чтобы ни у кого не было сомнений, что ты живешь этой музыкой. За наше трио, смело могу сказать, что мы выкладывались на сцене на все 100%, и мы по-настоящему гордимся тем, что впервые за историю существования конкурса трио из Новосибирска привезло домой звание и 4 премию.
Конкурсные программы были составлены так, чтобы продемонстрировать умения участников с совершенно разных сторон. Так, в первом туре необходимо было исполнить классическое трио и сочинение композиторов XX—XXI вв.еков. Второй тур представлял собой исполнение трио (или его части) русского композитора XIX века, а также трио зарубежного композитора XIX века, что конечно, чуть проще, нежели разброс по стилям в первом туре, но как контрастно показать музыку русскую и иностранную тоже задача сложная. И, наконец, третий тур — это свободная программа длительностью до 45 минут, в которой возможно повторение произведений из программ предыдущих туров. Все это огромный массив музыки, который участником нужно было продемонстрировать на высочайшем уровне.
Жюри конкурса было авторитетным. Председателем выступил народный артист РФ, профессор Московской консерватории имени П. И. Чайковского Александр Зиновьевич Бонудрянский. В состав жюри вошли талантливые педагоги и музыканты из самых разных городов — Санкт-Петербурга, Владивостока, Астрахани, Новосибирска, Магнитогорска и других. К работе жюри, как это часто бывает, были некоторые вопросы, но впоследствии это оказалось настолько неважным, что я даже не вижу смысла упоминать о них здесь.
Подводя итоги, хочется выразить огромную признательность организации «РОСКОНЦЕРТ» и дирекции «Всероссийского музыкального конкурса» за потрясающую возможность выступить на сцене Башкирской филармонии, за возможность познакомиться с талантливыми коллегами-музыкантами. Этот конкурс в полной мере показал мне на что я способна, показал, к чему нужно стремиться дальше и сделал в тысячу раз сильнее и выносливее.

«С большим сопереживанием, болея за каждого участника, мы наблюдали скорее не состязание, не борьбу участников друг с другом… это была борьба с самими собой…», — председатель конкурса, заведующий кафедрой специального фортепиано Белорусской государственной академии музыки, доцент Владимир Андреевич Дулов.
В эту секунду, в момент закрытия конкурса, сидя в зале, ощущаешь огромный трепет внутри себя. Или заражаешься им от других участников? Весь зал и дрожал от волнения, и дышал с такой легкостью от того, что закончилась тяжелая неделя конкурсных прослушиваний, которой, кажется, вовсе и не было. Речь председателя конкурса В. А. Дулова как раз об этом и напоминает; в голове, как в фильме, проплывает вся прошедшая неделя: открытие конкурса, а вместе с ним самое страшное — жеребьевка, затем ещё волнительнее — начало, 1 тур, прослушивания 2-го тура, 3-го…И, вот оно, наконец-то, закрытие!
Вспоминая свою подготовку к конкурсу, которая началась ещё в августе, не верится, что через секунду это большое событие кончится и жизнь потечет дальше своим чередом, в голове больше не будет мыслей о постоянной, непрерывной дрессировке самого себя, не будет приятно грызущего изнутри чувства ожидания важного события. Но больше всего сердце начинает трепетать от слов ведущей о начале награждения. Казалось бы, все уже знают свои результаты, дело за малым — получить заслуженную награду и выдохнуть с облегчением. Но даже мне, не прошедшей в 3 тур, стало по-особенному душно, сердцебиение участилось. Глядя на ребят-лауреатов, которым во время награждения выпала честь сыграть «на прощание» с этим конкурсом, становилось ещё трепетнее. Удивляет, сколько участников не побоялись и приехали для участия в очном конкурсе, и не только из Новосибирской области, но и из соседних областей, даже стран! Сколько ребят было из солнечного Казахстана, которые стали не просто участниками, но и лауреатами, а значит всё не зря!
Началось награждение младшей группы. Сколько силы в этих детях, сколько выдержки, сколько работы было проделано, чтобы услышать заветное «лауреат конкурса» в свой адрес. Сразу после — выступление лауреатов первой возрастной группы. Владимир Андреевич Дулов, подав руку юному лауреату, уступает сцену и позволяет убедиться всем в том, что звание лауреата присуждено абсолютно заслуженно.
Такое трепетное участие председателя в ходе всего конкурса, его особенное отношение, как кажется, к каждому участнику, наполняет теплом и заставляет верить в себя. Мне посчастливилось поучаствовать в его мастер-классе, который проходил 19 ноября в Малом зале Консерватории, прямо перед прослушиваниями 3-го тура. Удивительный музыкант, добрейший и открытый человек, сразу располагает к себе, перед ним чувствуешь себя ещё более свободным и чутким к музыке. Его мастер-класс был настоящим открытием для меня лично, это не был «урок с незнакомцем», это был скорее откровенный разговор и погружение в мир фантазии и размышлений. Владимир Андреевич не пытался открыть для меня музыку по-новому через привычные для всех комментарии «здесь сыграй тише, а здесь быстрее, почисти педаль и освободи руки», он не пытался навязать всем своё видение. Называя музыку моего любимого Брамса «чем-то недосягаемым, призрачным и абсолютно не от мира сего», он будто смог выразить все мои ощущения в словах, чего с музыкой Брамса никогда не получается. Он открывает глаза на то, что чаще всего замылено и скрыто от сознания из-за постоянной работы над техническим усовершенствованием, но всегда было в сердце — на отношение к музыке. Его сравнение работы музыканта с работой скульптора, который из бесформенной массы делает нечто прекрасное мельчайшими и отточенными движениями, вернуло меня к тому, с чего началась моя любовь к музыке Брамса. «Не могу представить себе скульптора, который может небрежно обращаться со своим творением», смеясь, сказал Владимир Андреевич, плюхнув пласт воображаемой глины к своей воображаемой скульптуре. Подтверждением об особом отношении к каждому участнику для меня были его слова о том, как ему запомнилось моё исполнение Музыкального момента b-moll Рахманинова во втором туре конкурса (основываясь на отзывах педагогов и некоторых студентов (у которых глаза были на мокром месте), хочется верить, что это исполнение запомнилось ему в хорошем ключе).
Возвращаясь к итогам конкурса, особенно хочется отметить выступление лауреата 1 степени 2 возрастной группы Михаила Новикова (преподаватель Яна Михайловна Турич). Его исполнение полонеза Фредерика Шопена было настолько взрослым, осмысленным, весь зал не мог оторваться от его игры. Музыкальность, сердечное отношение к каждому звуку и в то же время светлая наивность в исполнении молодого лауреата поразила всех. Обсуждая с другими слушателями его выступление, все как один твердили: «Так сыграет не каждый взрослый!». Закрыв глаза, и не подумаешь, что такие чувства и осознанность могут сосредоточиться в этом маленьком мальчике.
Конечно, невозможно не отметить выступление моего однокурсника, с которым мы пятый год трудимся бок о бок, и по совместительству победителя конкурса 5 возрастной группы Германа Таразанова (преподаватель Полина Олеговна Тончук). С выступлением каждого лауреата слышишь, как исполнение становится всё более осмысленным, чутким, музыкальным и именно профессиональным. Подтверждением этим мыслям и красивой точкой (для этого конкурса, но не для исполнительского роста победителей) и стало выступление Германа. В его исполнении прозвучали вальсы-поэмы Леопольда Годовского для левой руки, ставшие для меня настоящим откровением. Удивительная проникновенность, отточенность каждого движения и звука и, действительно, результат долгой и кропотливой работы, надолго останется не только в моей памяти, но и в сердцах остальных слушателей и участников такого масштабного праздника — II Международного конкурса «Запад — Сибирь — Восток»: конкурса пианистов имени Е. М. Зингера.

27 сентября 2023 года мне посчастливилось присутствовать на довольно необычном концерте из абонемента «Орган +». Цель данных концертов познакомить зрителя со звучанием органа и других различных редких инструментов. По словам ведущей, на предыдущих концертах орган звучал с кельтской арфой, волынкой и другими необычными инструментами. На этом концерте музыка исполнялась на балалайке-контрабас, домре-альт и органе. Концерт прошел в Органном зале Томской государственной филармонии.
Программа была очень разнообразной: в концерте прозвучали произведения композиторов разных эпох — от Я. Свелинка, А. Вивальди и И. С. Баха до авторских сочинений современного композитора Алексея Пиоттуха, который также был исполнителем на балалайке-контрабас и домре-альт. Все произведения на органе были исполнены солисткой Томской государственной филармонии Марией Блажевич.
Концерт был открыт Хоральной прелюдией И. С. Баха «Приди к язычникам спаситель», произведением очень ярким и эффектным, настроившим слушателей на атмосферу концерта. Мария продемонстрировала блестящую технику и умение чувствовать исполняемую музыку. Вторым номером прозвучало авторское произведение А. Пиоттуха, в основе которого лежит русская народная песня «Под окном черемуха колышется». В необычном дуэте органа и балалайки-контрабас гармонично сочетались тембры инструментов, которые дополняли звучание друг друга.
Стоит отметить исполнение Концерта для балалайки-контрабаса и органа «Сибирский сказ»: зрителей поразила темпераментная, эмоциональная игра исполнителей. Музыка завораживала своей волшебностью и необычностью: контрастные эпизоды, то тихие и неуверенные, то яркие и красочные, сменяли друг друга, не давая слушателям заскучать.
Особое впечатление произвела авторская композиция Пиоттуха «Адажио». Здесь солирующим инструментом выступала домра-альт. Было очень приятно слушать слаженную игру исполнителей. Лирическое соло домры вызывало умиротворение и спокойствие. Данное произведение нашло теплый отклик у зрительского зала — восхищенная публика долго аплодировала искусной игре.
Побывав в Норвегии, Алексей Пиоттух вдохновился красотой скандинавской природы и написал две пьесы — «Песнь о Сольвейг» и «Призрак горного короля», которые были исполнены на концерте. Всем знакомая музыка прозвучала в весьма необычной интерпретации, что выразилось в непривычном совместном звучании органа и балалайки-контрабас, а также в интересной авторской интерпретации тем произведений Э. Грига. На домре-альт и органе для зрителей прозвучало «Адажио» А. Пиоттуха и финальный номер «Впусти счастье». Финал получился таким, каким и должно быть завершение — ярким и торжественным. Во время концерта в зале царила жизнерадостная атмосфера, которая выражалась в прекрасно исполняемой музыке и теплых реакциях зрителей. Слушатели получили огромное количество положительных эмоций от посещения концерта!