Осенью 2019 в стенах Новосибирской государственной консерватории им. М. И. Глинки прошло много интересных музыкальных событий. Однако явлением поистине мирового масштаба был ознаменован ноябрь. В 19-28 числах месяца прошел IX Международный конкурс юных скрипачей, одно из самых престижных профессиональных состязаний.

Обожаю то чувство восторженности, причастности к чему-то «большому», которым была наполнена консерватория во время проведения конкурса. Невозможно не проникнуться этой благостной суетой.

О высоком статусе конкурса говорит и состав членов жюри, куда входят известные профессиональные музыканты со всего мира – Баскина Е. В. (Россия), Гвоздев А. В. (Россия), Костецки А. (Германия), Кравченко С. И. (Россия), Кузина М. А. (Россия), Стрихарж М. (Германия), Тацуми Акико (Япония), Шиаретта М. (Италия), Шустин А. Е. (Россия). Председателем конкурса традиционно стал прославленный скрипач и педагог, народный артист России, профессор НГК им. М. И. Глинки, Высшей школы музыки в Кёльне, Высшей школы музыки в Цюрихе, Королевской высшей школы музыки им. Королевы Софии в Мадриде З. Н. Брон.

Впервые за всю свою историю, которая началась в 1995 году, конкурс вышел за пределы стен консерватории: открытие и закрытие мероприятия состоялись на Малой сцене НОВАТА (Новосибирского академического театра); заключительный тур конкурса прошел на концертных площадках Новосибирской филармонии.

Стоит отметить высокий уровень подготовки участников, а также первоклассную организацию конкурса. Событие получилось столь масштабным, что в организационный процесс оказались вовлечены не только непосредственные участники конкурса и его учредители, но и прочие студенты Новосибирской консерватории. Многие учащиеся теоретико-композиторского и исполнительских факультетов, хорошо владеющие иностранными языками, не без волнения оказывали прием иностранным гостям, являясь их переводчиками на протяжении всего конкурса.

Быть ведущей такого крупномасштабного события – большая честь для студентки 3 курса консерватории. Удивительно, но на протяжении всего конкурса (а проходил он с раннего утра до позднего вечера в течение нескольких дней) я ни разу не почувствовала напряжения, пугающего волнения или страха перед выходом на сцену. Думаю, что причина кроется в общем доброжелательном и трепетном отношении окружающих, каждого человека, так или иначе участвующего в проведении такого значительного мероприятия. И я бесконечно благодарна за возможность принять в нем участие… в таком ярком, и таком запоминающемся конкурсе!

Закрытие — это всегда подведение итогов. А итог IX Международного конкурса юных скрипачей — открытие новых имен в мировом музыкальном исполнительстве.

Итак, девять дней скрипичная музыка наполняла концертные залы нашего города. С 19 по 26 ноября проходили конкурсные испытания, в которых приняли участие двадцать пять талантливых юных скрипачей из разных стран мира. В финал вышли 12 участников. И здесь Оргкомитет конкурса преподнес новосибирским любителям музыки приятный сюрприз: впервые все финалы младшей и старшей групп конкурсантов проводились за пределами консерватории! Партнерскими площадками стали: НОВАТ и Новосибирская филармония.

Как проходил конкурс? Все три тура были открытыми, а количество слушателей показало высокий интерес города к конкурсу.

Что говорят члены жюри?

Мы обратились к Маурицио Шиарретта (Италия), профессору, с вопросом:

— Каковы Ваши впечатления от конкурса?

-Я уже третий раз на «Броновском» конкурсе. Каждый раз уровень участников очень высокий. И этот год еще раз подтверждает этот супер уровень. Особенно поражает младшая группа.

-Предыдущие 2 раза конкурс проходил летом, а в этом году вы попали в Сибирь зимой, как она Вас встретила?

-С одной стороны для итальянца это шок, с другой очень интересно, ничего подобного в моей жизни никогда не было. Мне это очень нравится. Если бы в следующий раз конкурс вновь проходил зимой, я был бы только рад.

Михаэль Стрихарж (Германия), профессор:

-Конкурс проходит уже в девятый раз, что Вы заметили в нем нового и позитивного?

-Я работал уже на семи новосибирских конкурсах юных скрипачей, и в этот раз мне очень понравилось участие симфонического оркестра при открытии, в ходе 3 тура и при торжественном вручении. Это украсило конкурс, сделало его более филармоническим. Эти залы, в которых мы имели удовольствие работать, превосходнейшие и акустически, и оптически. Это сделало конкурс очень статусным. Великолепная организация, все вышло, как было запланировано. Все продумано до мельчайших деталей. Результат такой работы великолепный. Я считаю, что скрипачи, которые стали победителями, особенно Тео Гертлер и Сара Драган — выдающиеся молодые музыканты, которые уже сейчас могут выступать на взрослом уровне. В завершении хочу сказать, что на конкурсе работали отличные жюри, и мы ждем следующего — юбилейного конкурса.

Итак, Торжественное закрытие конкурса прошло 28 ноября в концертном зале НОВАТА. Особое внимание всех многочисленных слушателей привлекло сердечное отношение бессменного художественного руководителя конкурса, председателя жюри, профессора Захара Нухимовича Брона к каждому лауреату, к каждому выступавшему в гала-концерте. Ведь именно его высокая оценка является ориентиром для юных музыкантов и началом их общественного признания.

После торжественного вручения наград зазвучала музыка, проникшая в душу каждого слушателя и перенесшая нас в совершенно другой, невиданный мир. И эти волшебные звуки извлекали из своих скрипок, нет, не взрослые маститые мастера, а совсем юные и очень эмоционально открытые музыканты — восходящие звезды.

Сара Драган (Польша) — лауреат 1 премии старшей группы, исполнила Вальс-скерцо П. Чайковского и показалось, что весь оркестр кружился в этом вальсе, передавая вместе с солисткой все оттенки настроения от грусти до безграничной радости.

Лауреат 2 премии в младшей группе Лаура Костнер (Австрия) как взрослый и серьезный солист, без волнения исполнила 1 часть концерта для скрипки с оркестром № 2 Г. Венявского.

Третья часть концерта для скрипки с оркестром № 3 си минор К. Сен-Санса прозвучала в уверенном исполнении лауреата 2 премии в младшей группе Алисы Грушман (Россия-Германия). Красочная и колоритная звуковая партитура, диалог солистки с оркестром создали единое полотно, объединяющее их со слушателями…

Новые звуки скрипки стали пленять красотой тембра, интонации, необычайно взрослым осмыслением концерта для скрипки с оркестром № 5 ля минор А. Вьетана: то было вдохновенное исполнение лауреата 2 премии в младшей группе Дарьи Манз (Россия), от первого взмаха смычка и до последней ноты не отпускавшей внимания публики.

Кодой концерта и его вершиной стало выступление обладателя Гран-При конкурса Тео Гертлера (Словакия), который исполнил Цыганские напевы П. Сарасате. Чего же иного можно было ожидать от самого юного участника конкурса, который завоевал Гран-При! Вот это был уровень! Первая фраза сыграна, и З. Н. Брон одобрительно кивает головой и разводит руками, признавая редкостный талант исполнителя. Да, это было сыграно потрясающе вкусно, темпераментно и технично, каждая фраза и интонация звучали из скрипки Тео как понятая им история, переданная не словами, а звуками…

Несколько слов об оркестре. Приглашенный дирижер конкурса Юрий Михайлович Ткаченко, заслуженный артист РФ, заслуженный деятель искусств Республики Дагестан, заведующий кафедрой оркестрового дирижирования МГИК, проявил необычайную чуткость к солистам. Оркестр звучал органично и сам дирижер был неотделим от всего процесса. Финалистам безусловно выпала большая честь играть вместе с выдающимся коллективом — Новосибирским академическим симфоническим оркестром, созданным А. М. Кацем.

В заключение приведу слова Захара Нухимовича Брона: «Наш конкурс славен большими традициями, которые выражаются в том, что его лауреаты имеют достижения на разных мировых сценах. Нынешний конкурс открыл новые имена, убежден, одних из лучших музыкантов завтрашнего дня. Я выражаю огромную благодарность всем, кто имел отношение к великолепной организации конкурса. Особо стоит отметить участие выдающегося коллектива, симфонического оркестра Новосибирской филармонии, который помог юным солистам раскрыться, а также великолепному дирижеру Ю. Ткаченко. Огромная благодарность за поддержку благотворительному фонду „Звезды Сибири“. Особая признательность моим коллегам, выдающимся музыкантам и профессорам за высокий профессионализм. Выражаю уверенность, что у конкурса будет еще более значимое продолжение в 2022 году».

30 сентября 2019 года в Новосибирской государственной консерватории им. М. И. Глинки состоялась творческая встреча с выдающимся советским и российским композитором Александром Борисовичем Журбиным. Это мероприятие позволило многим студентам и педагогам в неформальной и дружеской обстановке познакомиться с жизнью и творчеством композитора. Широкой публике Александр Журбин известен как автор музыки и песен ко многим фильмам: «Штормовое предупреждение», «Все решает мгновение», «Московская сага» и т. д. Всего в фильмографии композитора более 40 фильмов, музыку к которым знает вся страна. Несмотря на то, что известность автору принесло эстрадное творчество, Александр Борисович пишет очень много классической академической музыки, о которой он подробно рассказал на нашей встрече.

Конечно, то, как композитор тонко чувствует русскую публику не передать словами. Это, в первую очередь, отражает его творчество. Но что касается менталитета — здесь огромное влияние на этого человека оказала жизнь в Америке (хотя сам автор это отрицает). Это, безусловно, заметно в поведении композитора, его подаче себя зрителю, общении с коллегами и студентами. Лишь данное обстоятельство могло бы в некоторой степени вызвать удивление и растерянность публики. Но, в целом, творческая встреча прошла замечательно. И, конечно же, новосибирская публика и студенты НГК будут с нетерпением ждать возвращения Александра Борисовича Журбина в стены нашей консерватории.

26 сентября Новосибирскую государственную консерваторию им. Глинки посетила группа читателей областной специальной библиотеки для незрячих и слабовидящих. Инициатором экскурсии стал выпускник консерватории по классу фортепиано Петр Шредер. Являясь сотрудником библиотеки, Петр приобщает к музыкальному искусству людей с нарушениями зрения. Экскурсионная группа состояла из людей разного возраста, но всех их объединяла любовь к музыке.

Педагог НГК по классу органа Наталья Викторовна Багинская познакомила группу с устройством инструмента в Большом зале консерватории, а также исполнила несколько произведений. После этого проректор по творческой деятельности Наталья Владимировна Санникова продолжила экскурсию, проводив группу по этажам консерватории и рассказав о деятельности учебного заведения.

Для Новосибирской консерватории этот новый опыт был не менее полезен, чем для ее гостей.

В Новосибирской консерватории выступил Артур Ворожцов, лауреат международных конкурсов, студент МГК им. П. И. Чайковского (класс профессора Нерсесьяна П. Т.), учившийся ранее в НГК им. М. И. Глинки в классе профессора Л. В. Смешко.

Мне удалось задать Артуру несколько вопросов.

— Какие жизненные обстоятельства определили твою музыкальную судьбу? Как состоялась твоя первая встреча с музыкой? Почему выбор пал именно на фортепиано?

— Если говорить о начале моего общения с музыкой, то важно заметить, что мой отец тоже в свое время получил музыкальное образование. Его глубокая любовь к музыке оказала на меня большое влияние, во многом решающее… В детстве я был достаточно активным ребенком. Зачастую это не касалось музыки, хотя я уже тогда ее очень любил и горел ею. Просто очень уж мне хотелось «нормального» детства, скажем так, и именно отец сыграл большую роль в моём музыкальном образовании. Прежде всего, он просто умел заставить меня заниматься. За это ему огромное спасибо.

Если мне не изменяет память, то спустя три года после того, как мои родители купили фортепиано, на котором с удовольствием занимался отец, я, будучи еще карапузом, подошел к инструменту и попытался одним пальцем подобрать мелодию, сыгранную отцом. Произошло это совершенно неожиданно! Данное событие сыграло решающую роль, и в возрасте четырёх-пяти лет родители отвели меня в музыкальную школу.

Поначалу им, как это зачастую бывает, сказали: «Знаете, данных у ребенка особых нет». Но в итоге меня направили в подготовительные классы и, собственно, лет с пяти-шести я стал ходить к моему первому педагогу — Элеоноре Викторовне Роговой. Большую часть раннего образования я получил у нее.

Притом мой отец не был пианистом — он учился на баяниста. И мне кажется, что ему очень хотелось, чтобы я занимался именно на фортепиано.

— Где и каким образом происходило твое становление как музыканта и личности?

— Обучался я в музыкальной школе в г. Северск. На тот момент она значилась как ДМШ им. П. И. Чайковского, ныне она стала Детской школой искусств. Обучался я сначала в классе Элеоноры Викторовны Роговой и большую часть обучения в Северской музыкальной школе я пробыл у нее в классе. В конце моего обучения (последние два года) она, к сожалению, по состоянию здоровья не смогла обучать меня дальше, и я перешел в класс Татьяны Львовны Усовой (она преподает в Томском музыкальном колледже им. Э. В. Денисова). У нее я проучился два года, педагог мне очень во многом помогла и во многом меня направила. После этого я поступил в НСМШ (колледж) в класс профессора Ларисы Владимировны Смешко.

С Ларисой Владимировной мы познакомились на мастер-классах, которые она давала в Северской школе. После мастер-классов она пригласила меня в свой класс. Несколько раз я ездил к ней на консультации, после чего поступил уже в десятилетку. Безусловно, та база и то творческое общение, которое у нас было, оказали на меня наибольшее влияние — Лариса Владимировна дала мне буквально все без остатка… Мои педагоги в Московской консерватории часто мне говорят, что из Новосибирска я приехал «готовым»: им не приходится заниматься со мной какой-либо технологией в принципе — не только пальцевой моторикой, но и интонированием, качеством звучания… Лариса Владимировна меня буквально всему научила! Это, конечно, не умаляет достоинства моих предыдущих педагогов, но важно понимать, что именно в том возрасте, когда я уже поступил к Ларисе Владимировне, я по-настоящему стал понимать, насколько важна моя осознанная работа. Я уже говорил, что, к сожалению, лень до тринадцати лет была моей доброй подругой, и только во время обучения в десятилетке я действительно стал уделять большое внимание тому, что я делаю и как это делаю. Поэтому процесс нашего общения с Ларисой Владимировной был максимально продуктивным.

Сейчас я обучаюсь на III курсе МГК им. П. И. Чайковского в классе профессора, заслуженного артиста Павла Тиграновича Нерсесьяна, а также у ассистента класса Алексея Довлатовича Набиуллина. В общем, что касается моего нынешнего обучения, то это, конечно, процесс достаточно необычный и удивительный! Об этом надо говорить отдельно. Но я просто безмерно благодарен Богу, что все идет именно так! Со стороны я смотрю на себя и на то, что происходит в моей жизни, и, честно говоря, несмотря на периодические трудности и невзгоды очень счастлив и могу только радоваться!

Все мои педагоги, которые сопровождали меня на моем пути и сопровождают сейчас, играют и всегда играли безусловную роль в воспитании моей личности. Именно педагог осуществляет вклад в ученика или студента, который действительно взращивает и воспитывает личность. Но, безусловно, и общение с родителями, и с выдающимися, интересными людьми также сказывается. И в данном случае мне очень повезло с женой. Она удивительный человек, невероятно глубокий, по-своему тонко чувствующий. От нее я тоже очень многое черпаю и многому учусь. И, само собой, всех нас воспитывает процесс погружения в искусство в целом, умение слышать себя, рефлексировать. И, конечно, на меня очень сильное влияние оказала вера, сопровождающая меня на моем жизненном пути.

— Встречи с какими педагогами-музыкантами произвели на тебя неизгладимое впечатление?

— Сложилось так, что самое неизгладимое впечатление, в основном, на меня оказывали люди, которые в итоге становились моими педагогами. Надо сказать, что моя первая встреча с Павлом Тиграновичем произошла еще раньше, чем я начал обучение в классе Ларисы Владимировны — получился мостик, скажем так.

Когда я еще учился в северской школе, Павел Тигранович приезжал с мастер-классами в Томский государственный университет. Это было в начале сентября. Надо повторить, что я не отличался на тот момент особым упорством за инструментом, и к началу учебного года у меня не было готовой, отточенной программы. Я ехал на этот мастер-класс исключительно в качестве слушателя. И по пути из Северска в Томск, а это соседствующие города (буквально 20 минут езды), мне позвонила Татьяна Львовна и сказала, что я должен заменить заболевшую участницу мастер-класса. На тот момент у меня была в руках только «Патетическая» соната Бетховена. Я, конечно, жутко боялся и переживал, но еще тогда, будучи совсем-совсем юным и малопонимающим, я был поражен и глубоко тронут отношением Павла Тиграновича к музыке, к людям, к жизни. После мастер-классов я еще был на его сольном концерте в Томской филармонии — он произвел на меня очень сильное впечатление. В тот момент я решил, что хочу у него учиться. В тот момент эти планы были совсем поверхностными — все менялось, появлялись другие мысли, новые люди, перспективы… Но где-то внутри у меня всегда сидела мысль, что мне надо у него учиться, и в итоге так и сложилось. Такая удивительная дорога!

Само собой, Лариса Владимировна оказала на меня большое влияние и Мери Симховна Лебензон — она, конечно, корифей не только сибирского музыкального образования, но и в принципе исполнительской культуры нашей и мировой. Несколько уроков у нее были большим счастьем для меня — я постарался максимально многое тогда почерпнуть. И, конечно, на меня неизгладимое впечатление и человеческое, и музыкальное произвел Григорий Липманович Соколов. Я несколько раз был на его концертах и мне посчастливилось немного с ним пообщаться после концертов. Это удивительный человек! С каким теплом, добротой и невероятной сердечностью он обращается с каждым слушателем…

— Да, тебе, безусловно, повезло с учителями. Скажи, музыку каких композиторов ты предпочитаешь слушать, исполнять?

— Что касается моих музыкальных предпочтений, то важно сказать, что мой отец меломан и он всегда любил со мной чем-то делиться. Поэтому я знаю очень большое количество музыки, в том числе не академической. Я стараюсь как можно больше слушать разной академической музыки, в том числе и современных композиторов и, конечно, стараюсь их играть, но, к сожалению, не могу похвастаться энциклопедическими знаниями всей музыки, т. к. не умею выдающуюся музыку единожды послушать и забыть. Если это глубокая музыка, которая несет в себе нечто важное, то мне нужно, обязательно нужно, время с ней срастись. Поэтому для меня болезненной дисциплиной является история зарубежной/русской музыки. Когда же успеть прожить произведение, если нужно, скажем, за пару недель послушать несколько опер и симфоний?

Я стараюсь исполнять и слушать как можно больше разной музыки — это, можно сказать, книга переживаний. Шопен определенные вещи переживал так, Моцарт иначе, Бах по-другому. Рахманинов, Прокофьев, Скрябин, Метнер… Несмотря на то, что они жили буквально «по соседству» (я имею в виду время), они писали абсолютно разную музыку. Просто это сердца и души по-разному чувствующие, познающие. Потому выделять, грубо говоря, трёх великих композиторов, а остальных не замечать — неверно, на мой взгляд. Удивителен и в этом смысле Григорий Соколов, который в последние годы исполняет очень ограниченный список композиторов и сочинений. Но это человек, который всё уже познал и просто «отсёк» лишнее (лично для него).

— Игра каких исполнителей для тебя является эталонной? Какими личностными качествами должен обладать музыкант-исполнитель?

— Мне трудно ответить на этот вопрос, потому что я в принципе не считаю, что есть определенные эталоны в исполнительстве. Есть лично для меня важные категории. Если рассмотреть фортепианное сообщество с разных углов, то мы увидим, что далеко не для всех эти категории важны, и я никого не могу за это осуждать.

Лично для меня важно, чтобы у пианиста пел инструмент. Чтобы исполнитель умел извлекать из него по-настоящему певучий звук, чтобы он умел разнообразно интонировать. Мою мысль можно легко объяснить примером: очень трудно цельно воспринимать мысль кричащего человека или человека, говорящего монотонно. Так же трудно воспринимать грубый звук и плохое интонирование. По сути, это главные «слова» исполнительского словаря.

Вопрос об эталонных исполнениях вообще приводит всё к сплошным парадоксам. Если бы я привёл список моих любимых исполнителей, то совсем не составило бы труда найти среди него абсолютных антиподов. Просто у каждого исполнителя я нахожу что-то близкое для себя.

Что касается именно личности музыканта… Трудно определить какой-то набор качеств. Я, пожалуй, скажу, что он просто должен быть человеком в самом глубоком понимании этого слова. Если попытаться как-то это расшифровать, то это постоянная работа — я имею в виду не за инструментом, а именно внутри себя. Эта работа не над собой, как принято говорить, а в себе.

— Как ты относишься к конкурсам? Насколько они необходимы музыканту?

Сейчас как-то принято говорить, что это необходимое зло. Я бы просто сказал, что это необходимость в сочетании с возможностями. Ты можешь быть музыкантом и без конкурсов. Вопрос исключительно в твоих желаниях. Ошибочно полагать, что все хотят стать концертирующими на серьёзных сценах музыкантами. Даже среди моих знакомых из Московской консерватории далеко не всем важно выбиться на вершины. Надо понимать, что сейчас огромнейшее количество музыкантов, в т. ч. пианистов — все на эстраду не попадут.

На самом деле, очень важно просто быть в контакте с собой и постоянно себя спрашивать: «А чего я точно хочу?» и стараться очень ясно и строго отвечать на этот вопрос. Очень неприятное занятие — жить чужими амбициями. Нужно иметь собственные амбиции, понимать их серьёзность и работать соответственно этому.

Количество конкурсов невероятно выросло за последнее время. Если полистать буклеты участников ещё советского конкурса Чайковского, то очень часто можно встретить исполнителей, впервые участвующих в международном конкурсе. Сейчас же такое просто невозможно, так как сызмальства юные музыканты имеют многочисленные лауреатства.

Как правило, в жюри конкурсов сидят большие профессионалы (если это действительно хороший конкурс), достаточно беспристрастные. Хотя, конечно, бывает всякое. Конкурс — это не какая-то отдельная категория зла в этом мире. Несправедливость со многими случается — это все неотъемлемая часть пути музыканта, человека. Главное — выработать для себя установки. И если действительно очень хочешь получить эстраду и доносить свои идеи с большой сцены, то, я думаю, что не присуждение премии на конкурсе не должно становиться преградой. Понятно, что все это переносится эмоционально и по-разному. Но это, опять же, вопрос опыта: один раз «пролетел», второй, третий, дальше — легче.

Нужно всегда помнить, что это опыт и он никуда не пропадет. Поэтому к конкурсам я отношусь положительно — это действительно возможность. Я скорее больше расстроен той ситуацией, что практически невозможно без конкурсов найти сцену. Ведь бывают разные музыканты, и не всякая психика выдерживает конкурсный стресс. Есть удивительные музыканты, которые в условиях конкурса могут буквально рассыпаться. Наше время требует большой выносливости и не каждый, к сожалению, ее имеет.

— Испытываешь ли ты сценическое волнение? Если да, то как ты справляешься с ним?

Мне кажется, важно различать разрушительный и чуждый страх сцены и волнение. У меня никогда не бывает именно страха. Наверное, страшно должно быть только тогда, когда плохо готов к выступлению. Я стараюсь просто такого не допускать. Волнение же бывает от предчувствия чего-то важного. Ведь мы обращаемся с очень тонкой «материей»: каждый раз на концерте нужно найти такой контакт со слушателем, чтобы музыка шла от сердца к сердцу, чтобы публика слушала и слышала.

Это всегда большое счастье, когда находится чудесный контакт, и ты чувствуешь, что публика с тобой дышит и понимает тебя. Даже великий Сергей Рахманинов говорил, что у него за весь сезон буквально три концерта счастливые, а все остальные болезненные. Далеко не всегда получается найти этот удивительный контакт… Но это всегда большое чудо — это чувствуется во время исполнения и видно по глазам людей, которые уже после концерта подходят к исполнителю. Они даже иногда не знают, что сказать! Они просто пришли с благодарностью — это самое главное. Наша миссия заключается в том, чтобы сделать людей чуточку счастливее, чтобы они на время концерта мысленно покинули все свои невзгоды и печали. Это самая главная наша задача. И волнение за то, чтобы всё это состоялось, безусловно, есть. Но с ним невозможно и не нужно бороться. Без этого волнения, как известно, творчество не состоится.

Что касается именно страха… Если страх сцены есть и долгое время он не пропадает, то стоит просто проработать это со специалистом (психотерапевтом, психоаналитиком), это поможет лучше понять себя и избавиться от ненужных страхов.

Интервью с Викторией Киселевой, студенткой 4 курса дирижерского факультета, участницей III Всероссийского музыкального конкурса по специальности оперно-симфоническое дирижирование.

Всероссийский конкурс существует с 2010 года и представляет собой четырёхлетний цикл состязаний. В 2019 году проходит второй год III Всероссийского конкурса. В этот год соревнуются музыканты по специальностям «Камерный ансамбль», «Хоровое дирижирование» и «Оперно-симфоническое дирижирование».
Мне удалось взять интервью у участницы конкурса, представляющей Новосибирскую Государственную консерваторию имени М. И. Глинки, Виктории Киселевой.

-Добрый день, у какого педагога вы занимаетесь?

-Я учусь у Вячеслава Ивановича Прасолова. Он очень помог с подготовкой к конкурсу, за что я ему искренне благодарна.

-Какое значение имеет для вас участие в этом конкурсе? Долго ли готовились к нему?

 — Этот конкурс дал возможность познакомиться с гениальным сочинением Танеева. Так же подобные конкурсы являются хорошей проверкой своих способностей. Это хороший опыт.

-Сколько времени заняла у вас подготовка к этому конкурсу?

— Подготовка была серьезная, но лично у меня заняла не очень много времени.

-Как бы вы охарактеризовали свое выступление? Всё ли вам удалось?

— Открывать конкурс было волнительно (на жеребьёвке вытянула 1 номер). Но я была уверена в своих силах, программа была выучена, осознанна, я была готова. Многое из задуманного удалось, но были и не совсем удачные моменты. Сцена — такое место, где никто не застрахован, может произойти всё, что угодно. Во время моего выступления, например, одному из концертмейстеров рано перевернули ноты, поэтому фактура звучала не полностью, музыка сбилась, и это несколько выбило меня из колеи. В такой стрессовой ситуации важно не терять самообладания.

-Удалось ли вам послушать (посмотреть) других участников. Если да, то, что вы можете сказать об их выступлениях?

— Выступления некоторых других участников, я смотрела только по видео. Попадались очень сильные выступления, но были и крайне неудачные (некоторые, грубо говоря, «завалили» игру партитуры).

-Первый ли это для вас конкурс? Что отличает этот конкурс от других, в которых вы уже ранее участвовали?

— Дирижёрский конкурс у меня второй. Первый был ещё в колледже, поэтому сравнивать не вижу смысла. Совершенно иной уровень. Организация, масштаб, всё другое.

-Что особенно вам запомнилось?

— Жеребьёвка. Как уже говорила, я вытянула номер 1. Это было неожиданно. Само выступление. Это было долгожданной точкой, итогом работы.

-Что бы вы пожелали участникам конкурса на будущее?

— Участникам хочу пожелать уверенности в своих силах, качественной, серьёзной подготовки. Но главное, на мой взгляд - не забывать о музыке. Лично мне в этом конкурсе хотелось увидеть себя в качестве дирижёра-творца, дирижёра-интерпретатора. Я не хотела подходить к этому формально. И эта главная задача была мной на определённом уровне достигнута.

-Спасибо большое! Было приятно пообщаться!

10 октября 2019 года в Новосибирске состоялось уникальное событие. Впервые в город с концертом-лекцией приехал Михаил Семёнович Казиник — искусствовед, музыкант, писатель, поэт, философ, режиссер, страстный просветитель и один из самых удивительных людей нашего времени.

Увидев афишу еще в июне месяце, я ни минуты не сомневалась в том, что необходимо посетить это событие. И вот, настал этот день. Лекция шла, без малого, три часа!!! Для многих эти три часа прошли на одном дыхании. Аудитория была разнообразная, от самых юных, а это дети 2−3-х лет, до людей солидного возраста. И все они, то смеялись, то плакали, то, рукоплеская вскакивали со своих мест. Михаил Семенович привез с собою на концерт двух музыкантов: своего сына, скрипача Бориса Казиника и пианиста Вячеслава Зубкова.

Михаил Семенович, как истинный патриот, видит своей главной целью поднимать уровень культуры в нашей стране. Ведь культура - основа государства, и она должна быть на всех уровнях образования. Так, в школе, каждый предмет должен быть взаимосвязан, должен призывать ребенка мыслить над закономерностями и особенностями нашего мира. А наш мир болеет из-за большого количества мусорной информации, безвкусного творчества. Приведу вам одну запоминающуюся мысль Казиника: «Бог — меломан, он нас не осуждает, нам просто повезло. Он нас не уничтожает, потому что есть это…[играет „Лунную“ сонату Людвига ван Бетховена]». И тут всем в зале стало совершенно ясно: никто не может остаться равнодушным, слушая эту прекрасную музыку. А значит, культура способна сохранить наше человечество.

Так уж получилось, что блага цивилизации, технологический прогресс, появление телевидения, интернета упростили наше сознание. Нам не нужно прилагать умственных усилий, достаточно ввести в поисковике какой-либо вопрос, или вообще ничего не искать и уткнуться в черный всепоглощающий ящик… И тут возрастает роль учителя и родителей: только они способны направлять и зажигать умы нужными ориентирами и правильным искусством.

А какое это правильное искусство? Ну, например, космический Иоганн Себастьян Бах с его философским восприятием мира, или искусство Вольфганга Амадея Моцарта... Стоит прочитать главную мысль Казиника: «Моцарт — корневая система, зернышко, пробивающее любую скалу снизу вверх. Музыка Баха движется сверху вниз, у Моцарта — снизу вверх, их искусство создает защитную пелену, защищая нас от создателя». Я думаю, эта мысль отражает то, что искусство этих двух классиков — это мощная "прививка" современного человека от паразитического современного искусства.

Что же играли на концерте? Играли очень проникновенную музыку, которая способствовала погружению в логику мыслей лектора. Звучал хорал фа-минор И. С. Баха «Взываю к тебе, Господи» в переложении для фортепиано. Также Соната Д. Скарлатти, который родился в один год с Бахом. Исполнял эти произведения Вячеслав Зубков, в правильном, на мой взгляд, характере: он смог загипнотизировать красотой музыки многих слушателей и вызвать очень сентиментальные эмоции. В дуэте с Борисом Казиником звучала 2 часть сонаты для скрипки и фортепиано соль мажор В. А. Моцарта, где в средней части Михаил Семенович увидел аналогию улыбки Моны Лизы Леонардо да Винчи. И исполнители удачно подчеркнули весь спектр эмоций улыбки Джоконды.

В концерте было два отделения, и во втором звучала музыка романтиков. Кульминацией было исполнение Второй венгерской рапсодии Ференца Листа, где В. Зубков представил свою авторскую версию каденции. Эта музыка была пропитана интонациями джаза на теме побочной партии, однако она гармонично вплетается в канву сочинения композитора 19 века. Удивительная энергия исполнителя не оставила равнодушными даже детей. Например, в момент долгой тянущейся ноты, девочка из публики продолжила интонацию во время паузы, спев ее своим чистым хрупким голосом.

По итогам всего вечера хочу сказать, что лекторов-музыковедов, так мастерски популяризирующих классическую музыку, не так много в современном мире. Энергетика музыковеда влияет на заинтересованность людей в нашем искусстве, это не просто чтец энциклопедической информации, который каждый и сам может «загуглить». Это проводник, который задевает нерв, связанный у слушателей с потребностью узнать, прочитать и послушать больше, чем было на концерте. Только так профессия музыканта будет востребованной, будет продолжать жить и развиваться.

Начало концертного сезона 2019−2020 стало для Новосибирской государственной консерватории особенным: закрытие Большого зала — главной сцены, позволило ВУЗу увидеть новые перспективы сотрудничества и выстроить уникальные контакты с различными концертными площадками Новосибирска.

Одной из таких площадок-партнёров стал актовый зал школы № 51 в микрорайоне «Стрижи». Открытый совсем недавно - в сентябре этого года - новый концертный зал поражает своими масштабами. Кроме современного технического оснащения, превосходного соблюдения всех акустических норм, он имеет 700 посадочных мест! Выступать в новом зале, соответствующем всем современным требованиям, имеющем высококачественное звуковое и световое оборудование, для симфонического оркестра Новосибирской консерватории уникальная возможность.

7 ноября 2019 года, вот уже в третий раз, состоялся выезд Студенческого симфонического оркестра имени И. И. Соллертинского в школу № 51 в «Стрижах». Музыкальный коллектив во главе с художественным руководителем оркестра, дирижером С. Н. Шебалиным, представили слушателям микрорайона концертную программу «Вена» из цикла симфонических концертов «Гении места»: увертюру к опере «Волшебная флейта» Моцарта и Пятую симфонию Бетховена. Классическая программа в исполнении симфонического оркестра «срезонировала» с желаниями жителей микрорайона — в этот вечер концертный зал школы № 51 был полным. Исполнение произведений сопровождалось рассказом лектора о музыкальной жизни Вены, о творчестве композиторов и об уникальности исполняемых музыкальных сочинений.

Публика была благосклонной, достаточно было посмотреть в блестящие глаза слушателей, чтобы увидеть горящую любознательность, желание вновь и вновь соприкасаться с живой академической музыкой.

Поразила и забота ответственных лиц ГК «Стрижей» о культурном досуге жителей микрорайона: концертный зал был построен по их собственной инициативе, в качестве подарка-сюрприза к новой пристройке школы.

Так получилось, что решение закрытия Большого зала консерватории стало решением не только внутреннего «ремонтного» вопроса, но и другой проблемы: жители отдаленных районов Новосибирска нуждаются в культуре, хотят просвещаться и соприкасаться с музыкальным искусством! Теперь, благодаря творческим контактам наших музыкантов с новыми концертными площадками это стало возможным!

«Я мечтаю о какой-то моцартовской легкости, очень хочу все делать с упоительным вдохновением, без мучительных сдвигов внутри. Но обрести эту легкость пока не удается» – признается в интервью журналу «Сноб» Дмитрий Черняков, режиссер, чья премьера постановки шедевра оперы «Садко» прошла с 14 по 19 февраля на сцене Большого Театра. Это его пятая работа на музыку Н. Римского-Корсакова после девятилетнего перерыва в связи со скандальной постановкой оперы «Руслан и Людмила» М. Глинки. По словам самого режиссера: «У «Садко» есть ложная репутация – что она [опера] такая былинная, далекая, не про нас. Мы пытаемся сделать так, чтобы от этого клише отошли».


Взявшись за сюжет Черняков подвергает метаморфозам привычных былинных героев оперы, превращая их в современных западных людей, проходящих психотерапевтический курс, направленный на решение их внутренних проблем: главному герою, Садко (в исполнении Н. Мавлянова), хочется переместиться в иную, сказочно-былинную реальность для обретения внутреннего смысла и укрепления духа; его супруга, Любава (Е. Семенчук), хочет разобраться в своих ошибках во взаимоотношениях с мужчинами, а молодая девушка Волхова (А. Гарифуллина) решает воспользоваться этим новым опытом в качестве бегства от скуки, за новыми ощущениями. Прочие персонажи оперы превращены в некое подобие обслуживающего персонала психологического эксперимента-квеста. Каждая из семи картин оперы – это места действия игрового пространства Парка исполнения Желаний, некая искусственная реальность, где проходит трансформация героев через былинный сюжет. В качестве путеводителя как для персонажей, так и для зрителей, «путеводная» строка над сценой высвечивает смену пространства развития событий: «Переход в павильон «Ильмень-озера», «Переход в павильон «Подводное царство»… Особо стоит отметить художественную ретроспективу, воплощенную в декорациях сцены. Работы пяти художников – Константина Коровина, Аполлинария Васнецова, Владимира Егорова, Ивана Билибина и Николая Рериха – воспроизводят внешнюю атмосферу былинного сюжета оперы, что делает честь режиссеру, который не теряет связь с историческими воплощениями повествования, и не увлекается излишним модернизмом, тонкая грань с которым наличествует, например, в 6 картине, Шествии чуд морских. Примечателен контраст между современной одеждой главных героев и нарочитой, практически лубочной выделкой древнерусских одеяний второстепенных персонажей (особенно заметной в первой и четвертой картине с ариями Варяжского, Индийского и Веденецкого гостей), которая в финале словно испаряется и становится безликой спецовкой рабочего Парка исполнения Желаний. Сказка закончилась, герои получили своё, и только Садко пытается удержать ускользающие нити виртуальной реальности, дабы остаться в ней. И в этот момент финальный хор «Слава» звучит совсем иначе, подкрепленный сценическим происходящим, что делает Чернякова настоящим мастером интерпретации классического сюжета.


«Садко» - довольно сложный для постановки проект. Здесь и былинный речитатив, и длинные партии, сложная драматургия. Нужно отдать должное молодому дирижеру Тимуру Зангиеву, который по-настоящему виртуозно справился с насыщенной партитурой, с колоссальными хоровыми, массовыми сценами (более 100 человек хористов!).

«"Садко" хоть и считается таким эмблематическим русским сюжетом… в больших театрах в XXI веке никем никогда еще не ставился. Это мой пятый спектакль по Римскому. Надеюсь, что сделаю еще шестой и седьмой. Хочу поставить «Майскую ночь» и «Младу», - делится своими планами Дмитрий Черняков. Спектакль в Большом театре 14-го февраля, транслировавшийся по каналу Mezzo, не повторил судьбу своего предшественника - «Руслана и Людмилы» (2011г.) – и обошелся без скандала, однако, как любой продукт режиссерского театра, тоже стал почвой для споров и различных мнений в прессе.

5 декабря 2019 года в Актовом зале СибУПК состоялся вечерний концерт новосибирского абонемента «Недетский симфонический».

Я ощутила подъём на ещё одну ступень в своей «лекторской карьере». В один прекрасный день судьба сложилась так, что мои однокурсницы по своим личным причинам не могли провести выездной концерт в Сибирском университете потребительской кооперации. Наконец, очередь дошла до меня: мои предположения оправдались — мне действительно поручили такое ответственное мероприятие! Всю неделю я переживала за подготовку своего выступления в виде лекции, ведь должен был состояться абонементный концерт. С другой стороны, уже имея небольшой опыт ведения концертов, я не сильно волновалась. Но обо всём по порядку.

Итак, я с правильной интонацией прочитала текст руководителю практики и направилась из консерватории… Первое впечатление при выходе из станции метро «Студенческая» — обыкновенная городская суета и страх, что меня не пропустят в СибУПК. На деле оказалось всё гораздо проще: через несколько минут я с некоторыми участниками Студенческого симфонического оркестра имени И. И. Соллертинского оказалась внутри здания. Поднимаюсь на второй этаж и вхожу в Актовый зал. На сцене уже были расставлены пюпитры и крупные по размеру музыкальные инструменты — ударные, контрабасы и арфа. Как же это красиво выглядело, тем более вечером мне предстояло находиться на сцене возле исполнителей!

Конечно, для того, чтобы оркестр выступил достойно в стенах другого ВУЗа, нужна была репетиция всей программы. Так и случилось: в 13:00 наш оркестр под руководством заслуженного артиста Российской Федерации, профессора Александра Александровича Паримана начал репетировать согласно моему тексту лекции, или сценарию. Как положено на репетиции, исполнители устраняли недостатки в своей игре, возвращаясь к определённым фрагментам сочинений. Я тем временем постепенно привыкала к сцене, "пробовала" микрофон, запоминала порядок действий на сцене во время предстоявшего концерта… После небольшого перерыва последовала вторая репетиция, или первый прогон всей программы, но я участия в нём уже не принимала.

И вот, наступало время самого концерта. Я заняла место в первом ряду, постепенно заполняли зал и зрители. Время замедлялось, я повторяла текст лекции. Приподнятое настроение было связано с тем, что я впервые выхожу на сцену вне стен консерватории. В зал входили первые исполнители: сначала ударники, затем духовики и, наконец, струнники. Раздались первые аплодисменты. Далее — мой выход на сцену: произношу первые слова лекции об оркестровом вступлении к опере М. П. Мусоргского «Хованщина» «Рассвет на Москва-реке». Самый трудный для меня момент начала пройден, и оркестр начал играть! Концепцию концерта можно было сравнить с таким же самым долгим днём в моей жизни, каким был этот. Начинаясь вступлением к опере «Хованщина» концерт  закончился торжественной и блистательной увертюрой к опере «Руслан и Людмила» М. И. Глинки, напоминающей вечерний праздник. В исполнении Сергея Бурмакова, который продирижировал увертюрой Глинки, картина рассвета получилась тихой и затаённой — не такой, как в самой опере. А ведь так и должно быть, и это считается плюсом: оперного действия как такового не происходит, оно только «аннотируется».

Показав одну тему русской симфонической школы, я ввела в курс зрителей контрастную картину, связанную с любовью и верностью, предательством и ревностью. Это всё отразила увертюра к опере «Царская невеста» Н. А. Римского-Корсакова. Дирижировал этим произведением Евгений Афанасьев.

В наш концерт было решено включить маленькое путешествие по симфоническому оркестру, чтобы познакомить публику с его инструментами. Зрителям очень понравился этот номер, ведь они, помимо простого слушания музыки, они узнали новую информацию.

Евгений Афанасьев исполнил и фрагмент Половецких плясок из оперы «Князь Игорь» А. П. Бородина. Как я упоминала в своей лекции, Половецкие пляски звучали на открытии Зимних Олимпийских игр в Сочи в 2014 году. Так и в зале получилось, что после окончания мелодии лирического хора «Улетай на крыльях ветра» зрители начали аплодировать, как это бывает на стадионе.

Какое совпадение произошло в тот вечер! Новая для оркестра концертная площадка — премьера сочинения! Представлено новое сочинение молодого новосибирского композитора — Александра Владимировича Перова, студента V курса композиторского факультета Новосибирской консерватории. Его название связано с мансийской народной сказкой «О Комполэне, медведе и охотнике Кошюме». Особенно украшала произведение партия чтеца, исполненная автором — собственно текст сказки. Во время исполнения под руководством Александра Паримана я смотрела и на оркестр, и на чтеца, и, конечно, на зрителей, старалась понять реакцию последних. Каждая группа инструментов изображала одного персонажа, а особенно понравилась имитация там-тама ударом колотушкой от большого барабана по тарелкам — при «появлении» болотного духа Комполэна. Произведение оказалось настолько изобразительным, что слушатели, казалось, не отрывали глаз от сцены. А после представления премьеры они долго аплодировали исполнителям.


Поскольку концерт проходил вне стен консерватории, то публика была неадаптированной, то есть в зале собирались либо люди из других сфер деятельности, либо любители классической музыки. Были студенты СибУПК, зрители средних лет, некоторые из них даже привели детей. Несмотря на солидную программу концерта, люди воспринимали музыку положительно, слушали с большим удовольствием, а после выступления я слышала в коридоре восторженные отзывы! И во время маленького путешествия по симфоническому оркестру, и после глинкинской увертюры я видела в глазах публики радость!

Доброй творческой традицией Новосибирской консерватории являются сольные концерты молодых профессиональных музыкантов. Так и 30 октября в Большом зале своё мастерство представил лауреат международных конкурсов ассистент-стажер Новосибирской консерватории Думан Жамалкожа, класс профессора, заслуженного деятеля искусств Российской Федерации Марины Александровны Кузиной.

Никто не мог ожидать, что на данный концерт соберётся большая часть зала, и это не только друзья, знакомые и студенты, но и просто интересующиеся люди, которые увидели афишу возле консерватории. Интересно, что в связи с закрытием Большого концертного зала на ремонт, мероприятия в нем проходили совершенно бесплатно и порой, как, например на концерте «Ужин с Моцартом», был аншлаг!

Здесь возникают некоторые вопросы. Реклама данных концертов не велика - это афиши на окне Большого зала, при входе в НГК, сайт консерватории и некоторые социальные сети, но концерты пользуются популярностью! Почему? Ведь не только потому, что слушателям хочется запомнить старый антураж нашего зала. Думаю, что причина в том, что концерты, во-первых, бесплатные, а во-вторых, — людям они нужны. Многим сложно соприкасаться с академическим искусством по разным причинам: дорого, неудобно и т. д. И вот, сейчас появилась такая возможность, и народ пошел с удовольствием. А другой вопрос, не обесценивается труд музыканта, который играет бесплатно, этими же слушателями? Ведь этот труд, как и любой другой должен оплачиваться. Это открытые вопросы, и они не однозначны. Мое мнение — нахождение баланса: нужно иногда поиграть и бесплатно, чтобы показать что-то новое, необычное, так сказать, завлечь слушателя. Но, не стоит забывать и об оплате.

Вернемся к концерту, он состоял из двух отделений. В первом отделении прозвучала музыка немецких композиторов. Сюита для виолончели соло № 1 соль мажор Иоганна Себастьяна Баха, в переложении для альта. В процессе сочинения сюиты для сольного инструмента перед И. С. Бахом стояла новаторская задача — полифоническое насыщение мелодического одноголосия. Скрытые голоса образуют свои контрапункты. Они так же неприметно возникают, как и рассеиваются, создавая вторую, глубинную сферу звучания в одноголосной фактуре. Все эти нюансы необходимо отразить солисту, и Думану это удалось. Он непрерывно вел слушателей за собой, пленяя выразительным и задумчивым тембром альта.

После философского размышления прозвучали романтические произведения: романс Макса Бруха, Адажио и аллегро Роберта Шумана. А во втором отделении уже звучала музыка Пауля Хиндемита, который и сам был альтистом, и отлично владел техникой и тембром этого инструмента. Соната для альта соло № 1, возможно, одна из известнейших сольных альтовых сонат автора.

В завершении концерта прозвучало зажигательное Гранд Танго аргентинского композитора ХХ века Астора Пьяццолы. Он был убежден, что танго является музыкой, предназначенной для прослушивания, а не для танцев.

Все слушали с упоением!

Что такое сентябрь? Сентябрь — это долгие прогулки в парках и скверах, теплое солнце, первый осенний дождь. Сентябрь — это уже не лето, но еще не осень. А еще, в сентябре 2019 года состоялось грандиозное открытие отреставрированной новой школы № 51 в микрорайоне «Стрижи». Именно туда и отправился наш Студенческий симфонический оркестр имени И. И. Соллертинского во главе с дирижером Сергеем Николаевичем Шебалиным 12 ноября.

С сентябрем мы разобрались, а что же тогда с ноябрем? Ноябрь в день нашего путешествия был грозен и зол: дул сильный ветер (казалось, что со всех сторон сразу), шел мокрый крупный снег, на дорогах гололедица. Однако атмосфера в большом консерваторском автобусе царила благостная. Наверное, все потому, что люди искусства вдохновляются природой даже в таком её суровом виде. Да и привыкли они видеть во всем что-то прекрасное.

Немного погодя мы уже заходили в просторный, светлый холл школы. Нас тепло встретили и проводили в гримерные. Во время разыгрывания оркестра я успела немного изучить концертный зал, в котором нам через пару часов предстояло выступать. Находиться в этой новой школе было очень приятно — все чистенько, красиво, удобно. Видно — старались!

Концерт в тот день носил название «Игра в классики». В зале должно было быть много детей с родителями — публика не простая, согласитесь, ведь дети любят искренность, душевную теплоту и доброту. Их не обмануть. Кроме того, с детьми, особенно младшего возраста, необходимо быть «на одной волне», быть «своим парнем», и в то же время постараться рассказать им что-то новое, интересное.

В тот вечер оркестр исполнял: Концерт для трубы с оркестром ми-бемоль мажор (солист — Владимир Шарифуллин) И. Неруды; увертюру к опере «Волшебная флейта» В. А. Моцарта; Симфонию № 5 до-минор Л. Бетховена. Музыка прекрасная! И мало известный, относительно других венских классиков, Иоганн Баптист Георг Неруда с концертом для камерного состава оркестра и клавесина; и совершенно сказочная музыка «Волшебной флейты»; и, конечно же, известнейшая Пятая симфония — наверное, каждый человек, будь то профессиональный музыкант или просто любитель, знает как «судьба стучится в дверь».

Однако для детей начальной школы программа, на мой взгляд, была трудновата. Если около семи минут завораживающего, сказочного Моцарта зал слушал с большим восторгом, то вот к получасовой симфонии Бетховена явно был не готов. А ведь это сочинение считается одним из самых лаконичных в жанре (скажи я это в зале после прослушивания — на меня бы просто косо посмотрели).

И все же, зрители были тепло настроены. Я, как ведущая, старалась наполнить атмосферу радостью, детской беззаботностью и добротой. А ребята платили мне той же «монетой» — улыбались, смеялись над моими шутками и смотрели с неподдельным интересом.

Концерт прошел «на ура»! И все это с какой-то легкостью, взаимной заботой. Я была в концертном зале школы № 51 впервые, и с удовольствием бы приехала еще раз.

Не зря говорят — «Дети — цветы жизни»!

1 ноября 2019 года в Большом зале НГК им Глинки прошел концерт «Гений места. Вена», художественным руководителем которого явился Сергей Николаевич Шебалин. В концерте принял участие Студенческий симфонический оркестр имени И. И. Соллертинского.

Недавно я побывал на концерте симфонической музыки, который проводился в Большом зале Новосибирской консерватории под руководством С. Н. Шебалина. Концерт был посвящен композиторам, которые либо жили, либо создавали свои произведения в Вене, отсюда и оригинальное название.

Событие было очень интересным и запоминающимся. Сама музыка, которая исполнялась студенческим оркестром, оставляет большие и глубокие впечатления, — ведь это одни из лучших творений крупнейших композиторов и одни из самых известных.

Открывало концерт произведение гения классицизма В. А. Моцарта — увертюра к опере «Волшебная флейта». Это очень символично, так как увертюры открывают оперы, а в данном случае она предшествовала следующему грандиозному произведению. Меня поразила игра оркестра: благодаря стараниям студентов и дирижера, произведение было сыграно в духе своего времени. Выразительными и заметными прозвучали все темы из самой оперы, которые композитор представил в увертюре, тонко переданы художественные оттенки, которые использовали композиторы классицизма.

Затем следовало произведение, с которым знаком каждый второй на нашей планете, как минимум мотив «стука судьбы в дверь» чрезвычайно известен в симфонии № 5 до минор Людвига ван Бетховена. Музыка этой симфонии как волны захлестывает слушателя, она несет глубокий смысл. Музыкальная драматургия произведения отражает человеческую жизнь, поэтому слушателю всегда близка эта музыка. Оркестр смог исполнить и убедительно передать то, что задумал композитор. У меня остались приятные впечатления от игры студентов, от того как цельно звучал коллектив.

Огромная заслуга в успехе концерта принадлежит дирижеру — С. Н. Шебалину. Как мне стало известно, он встал к этому оркестру только в конце прошлого года. За прошедшее небольшое время Сергеем Николаевичем осуществлена отличная работа, если оркестр звучит так хорошо, как единое целое.

Особое внимание хотелось бы уделить ведущему концерта. Это был знаменитый Борис Робинсон. Благодаря его обаянию, его знаниям в зале была создана приятная и познавательная атмосфера.

От лица слушателей хочу выразить благодарность оркестру имени И. И. Соллертинского и его дирижеру Сергею Шебалину за замечательный и атмосферный концерт.

29 октября слушатели провели свой вечер на ужине с гениальным австрийским композитором XVIII века Вольфгангом Амадеем Моцартом. Лектор — Дмитрий Павликов - предлагал нам удивительные «музыкальные» блюда. Нашим собеседником на ужине с Моцартом был Лауреат международного конкурса Студенческий симфонический оркестр им. И. И. Соллертинского. А на «кухне» работали два дирижера: заслуженный артист России, профессор Александр Париман и Станислав Овчинников класс доцента Вячеслава Ивановича Прасолова.

Открыл вечер Концерт № 5 для скрипки с оркестром ля мажор — самый знаменитый концерт В. А. Моцарта, в котором солировала Галина Майорова. В этой музыке нет острого драматического конфликта, а потому слушатели внимали гармоничному диалогу солирующей скрипки и оркестра.

Говоря о Моцарте, сразу вспоминаешь его оперы. А наибольшей любовью зрителей пользуется моцартовская «Свадьба Фигаро». Именно поэтому на «ужине» прозвучала увертюра из этой оперы. Вкусным «десертом концерта» (по словам Д. Павликова), стала Серенада № 13 соль-мажор, более известная, как «Маленькая ночная серенада».

Скажу отдельно о каждом из совершенно разных дирижеров этого вечера. Для Станислава Овчиникова, молодого дирижера, этот концерт оказался успешным. Его высокий рост позволил возвыситься над оркестром, он будто старался его объять, и, безусловно, это производило особое впечатление. Энергия, желание объединять, всегда струятся из людей, любящих свою профессию и это чувствует слушатель.

Более статусный дирижер, профессор НГК Александр Париман, с большим опытом и спокойствием показал публике один из выдающихся концертов В. А. Моцарта.

Мне удалось задать несколько вопросов слушателю концерта — студенту магистратуры Кириллу Заводовскому.

— Кирилл, чем тебе понравился концерт «Ужин с Моцартом»?

— Мне, как думаю, и другим присутствовавшим в зале очень нравятся тематические концерты, благодаря им я имею возможность окунуться в ту эпоху, поближе познакомиться с творчеством, биографией композитора, узнать интересные факты о нём.

— Что ты можешь сказать как инструменталист о звучании концерта?

- Концерт открыл концерт для скрипки и камерного ансамбля. Солировала Галина Майорова, мне понравилось, как звучала скрипка в её руках. Звук завораживал и очаровывал, помимо прекрасного звучания солистка смогла передать стилистические особенности произведений того времени. Во многом ей помогал оркестр, чувствовалось, как он старается поддержать солистку. В игре оркестра отдельно хотел бы отметить качественную игру, хороший, уверенный звук и основу, благодаря которой солистка смогла передать зрителям качественное и легкое исполнение произведения.

— Исполнение какого сочинения Моцарта импонировало тебе более всего?

- Увертюра к «Свадьбе Фигаро», на которую вышел полный состав оркестра. Это произведение известно практически в каждом уголке мира и вообще оно достаточно сложное для исполнения. Но оркестр был на высоком уровне. Произведение прозвучало легко и непринужденно, в нем были блеск, игривость и хотелось продолжения. Меня порадовал профессионализм оркестра.

— А что ты можешь сказать о молодом дирижере, Станиславе Овчинникове?

— Конечно нужно отметить работу молодого дирижера, Станислава Александровича Овчинникова. Было видно, что он нашел подход к оркестру, так как музыканты следовали за ним. И он смог проделать громадную работу над произведениями, чтобы оркестр смог передать его мысль. Еще хотелось бы выразить благодарность ведущему концерта, Дмитрию Павликову. Этот молодой человек смог подготовить зал и, благодаря его работе, мы смогли узнать много нового, погружаясь в мир Моцарта. Спасибо большое консерватории за этот концерт!


Итак, «Ужин с Моцартом» состоялся! Побольше бы таких ярких и запоминающихся событий!

Сегодня мы встретились с известным в кругах любителей филармонических концертов лектором-музыковедом Мариной Якушевич, и поразмышляли о направлениях творческой деятельности, создании литературно-музыкальных программ и о планах реализации в современном инфопространстве…

- В эпоху цифровой реальности и новых коммуникационных технологий, как ощущает себя профессия лектора-музыковеда? Избыток информации помогает в работе?

- Могу сказать, что профессия лектора-музыковеда ощущает себя прекрасно. Такого количества путей для добывания необходимых фактов никогда раньше не было. Другое дело, что необходим образованный специалист, который должен отделять пустую информацию от той, что действительно обогащает тебя и твоих потенциальных слушателей. Я очень довольна новыми технологиями.

- Вы – ведущая концертов, автор музыкально-поэтических программ, преподаватель музыкального колледжа. Какое направление Вашей деятельности является приоритетным и почему?

- Я не могу сказать, что какое-то направление является приоритетным. Преподаватель колледжа – это некая константа моего бытия, ощущение стабильности. Филармония – это явление мобильное, непредсказуемое. Она дает тот самый адреналин, драйв, которого может не доставать в музыкальном колледже. Концерты меняются, меняются их программы. Процесс выхода на сцену – это событие, к которому привыкнуть невозможно. Что касается музыкально-поэтических программ – то это творческая реализация, которая осуществилась благодаря филармонии. Спасибо тем, кто работает в диалоге со мной и идет на такую формы работы. Она одинакова сложна и для меня, и для музыкантов. Это настоящий музыкально-литературный синтез. Ты чувствуешь себя не преподавателем, не носителем знаний, а артистом. Это очень ценно.

- Давайте поговорим о каждом направлении в отдельности. За годы вашей педагогической практики что поменялось в восприятии музыки студентами, и поменялось ли?

- Студенты меняются очень сильно и за те пару десятилетий, что я работаю в колледже, конечно, произошли радикальные изменения. При общем избытке информации студенты сейчас гораздо меньше знают. В них совершенно отсутствует доучебный слой знаний, который накапливается через семью, через атмосферу. Это очень усложняет жизнь, потому что самоочевидные вещи приходится проговаривать и тратить на это время. Однако не стоит говорить, что каждое следующее поколение становится хуже предыдущего. В чем-то они воспринимают мир более стереоскопически. Одно мне понятно точно: фигура педагога не исчезает и сейчас онлайн-обучение это очень хорошо показывает. Отбирая и транслируя информацию, ты наполняешь ее своим эмоциональным переживанием, воздействуя тем самым на аудиторию. Как результат – студенты загораются, и усваивают знания лучше.

- Вы известны своим сотрудничеством с Камерным оркестром Новосибирской Филармонии, квартетом «Filarmonica». Пожалуйста, в двух словах - о каждом: с кем сотрудничество ближе и почему?

- Камерный оркестр был первым коллективом, с которого началась моя работа в филармонии лектором-музыковедом в 2003 году. Мы работаем с ними уже очень много лет, и переживали очень разные этапы совместной творческой деятельности. Огромное количество программ, произведений, солистов, с которыми пришлось так или иначе взаимодействовать. Отдельное спасибо дирижеру Алиму Шахмаметьеву, который создает очень комфортные условия для совместной работы. Мы сделали с ними несколько поэтических программ по Ф.Г. Лорке, аргентинскому танго, программу «Средиземноморский круиз», посвященную путешествию по средиземноморью Италии, Испании... С ними пройден уже очень большой путь. С квартетом «Filarmonica» я начала работать несколько позже. Мы находимся в необычайно тесном творческом контакте, обговариваем новые программы. Именно благодаря квартету «Filarmonica» стал возможен цикл программ «Камерные вечера. Поэзия струнных».

- Был ли у Вас опыт исполнительской деятельности на сцене?

- Главное мое достижение в этой области – это игра фанфар из фильма «Шерлок Холмс» В. Дашкевича на сцене Новосибирской Консерватории, в мой период обучения там. Мы проводили ряд концертов, рассчитанные на детские сады. В одном из таких концертов я играла пажа, с которого начиналось действо. Я выходила и играла довольно бойко. Что касается другой исполнительской ситуации, то это – «Франкенштейн» (цикл Карла Грубера, прозвучавший на фестивале «Сибирские Сезоны» в 2013 году). Мне пришлось выступить в роли чего-то среднего между декламатором и певицей кабаре, которая не столько поет сколько акцентирует какие-то слова. Сложность была в том, что эта партия была вписана в партитуру, и мне пришлось работать с дирижером. Поскольку я никогда в жизни этого не делала, это было настоящим испытанием. В итоге получился успешный проект. Вся остальная моя исполнительская деятельность – это художественное слово.

- Поговорим о Ваших поэтических программах. Где точка отсчета и почему появился интерес к такой форме?

- Началось все с впечатлений детства: поэтические композиции Михаила Казакова, спектакль Ленкома «Гренада». Мне было 11 лет, когда мама прочитала мне стихотворение Мандельштама «На бледно-голубой эмали...». И оно меня пронзило. Я завела поэтический блокнот, куда вписывала полюбившиеся стихотворения Серебряного века, а позже записывала на магнитофон любовную лирику Маяковского, два монолога из «Сирано де Бержерака» в своем исполнении. Кроме того, я принимала участие во всех театральных постановках, которые делала ССМШ. Позже ко мне обратилась моя подруга, Елена Рудзей, с просьбой сделать вступительное слово к концерту романсов Рахманинова. Тогда я предложила в программу вставить стихи между музыкой. Это были фрагменты из «Обломова», из рассказа «Сирень» Нагибина. Композиция имела успех. Позже мы сделали программу с песнями Шумана и поэзией Генриха Гейне. С этого все и началось. Через год была создана программа, посвященная Ф.Г. Лорке, и проект с музыкой французского шансона и поэзии. В.М. Калужский, художественный руководитель Филармонии, был очень заинтересован и предложил реализовать это на сцене Дома Ленина. Вместе с Еленой Забарской мы сделали программу, посвященную поэзии Цветаевой и Ахматовой. Так, эти литературно-музыкальные формы стали постоянными.

- Поделитесь с читателями секретом процесса создания программы?

- Этот процесс бывает разным. Придумывается тема, на которую нарабатываться материал. Всегда за год ко мне обращается директор квартета «Filarmonica» Галина Викторовна Борк, с просьбой дать темы концертов и названия программ. Сначала я примерно представляю, какая это будет программа. Когда подходит время их создавать - начинается процесс. Могу сказать одно: сначала всегда идет поэтический текст и построение композиции. Иногда это поэзия с прозой, иногда это просто стихи. Потом уже подбирается музыка из репертуара квартета. Мне очень дорога самая первая программа – «Небесная арка: встреча невстреч», созданная на основе переписки М. Цветаевой и Р.М. Рильке. Тогда мы попробовали и, когда выяснилось, что это имеет некий успех, решили сделать это постоянным действом. Музыка дальше выбирается исходя из поэзии так, чтобы она вступала с ним в диалог и углубляла смыслы. Количество содержательных слоев в музыке настолько огромно, что она может подпитывать любые стихи.

- Есть ли мысли о создании виртуального проекта? Выход на интернет-аудиторию, которой тоже может быть интересна такая форма синтеза музыки и поэзии?

- Конечно. Сейчас если тебя не существует в интернете, то тебя не существует вообще. Количество постоянных слушателей, приходящих на поэтические концерты примерно 200 человек. На концерт с Камерным оркестром может прийти в два раза больше. Я все чаще думаю о создании поэтического канала для расширения аудитории, к которой можно обратиться с поэтическим словом. Недавно мы записали диск, посвященный поэзии Пушкина. Получился концептуальный альбом, где есть логика развития. Так что мысли такие есть и, возможно, они будут реализованы.

- Было ли желание написать свою книгу или даже поэтический цикл?

- Поэтический цикл, конечно, нет. Общаясь заочно с гениальными поэтами, находящимися в кругу моих интересов, понимаю, что мне не стоит писать стихи. Есть Цветаева, Мандельштам, Бродский, Пушкин. Я всегда очень привередлива и к чужим пробам стихотворным, которые мне иногда предоставляют оценить. Я реализую свои поэтические потребности через слово, интонацию, проживание и исполнительство стихов. Что касается написания книги... Такие мысли всегда есть. О чём? – Пока не знаю.

- А если пофантазировать? Какая это была бы книга? Научная работа?

- Мне всегда был близок эссеистский стиль. Диссертация, которую я написала, была в эссеистском стиле, не научном. Я бы хотела сделать портреты композиторов. Несмотря на то, что о них написано уже очень много, эссе предполагают личностный индивидуальный подход. Такую литературу довольно интересно читать.

- В завершении нашего разговора задам такой вопрос: как отдыхаете от такой насыщенной творческой деятельности?

- К сожалению, я почти не отдыхаю. И это большая проблема, так как устает канал восприятия, а отсюда – нервозность, бессонница. По-настоящему переключиться получается иногда только летом, когда ты можешь просто созерцать и гулять. Надо стремиться к информационному очищению, дающему возможность прорваться к каким-то новым мыслям и идеям.

- Спасибо. От лица почитателей вашего таланта желаю вам осуществления всех творческих проектов!

В 2018/19 учебном году лекторийным отделом Новосибирской государственной филармонии был предложен ряд увлекательных тем для прохождения практики студентами-музыковедами НГК имени М. И. Глинки на сторонних площадках. Недаром же эта практика называется «лекторско-филармонической»!

Мы выбрали темы, начали подготовку. Сначала было волнительно, ведь для того, чтобы подготовить текст нужно было несколько месяцев работать с педагогом-консультантом, руководителем практики. Потом великолепные лекторы-профессионалы, работающие в филармонии, помогли нам идеально скомпоновать наши тексты. И, наконец, после ряда репетиций, нас выпустили на большую творческую площадку.

Был жаркий весенний майский день, когда мы отправились в общеобразовательную школу. Начался концерт. Сначала мы вспомнили правила поведения в концертном зале, а затем начали рассказывать увлекательные истории. Звучала музыка
колыбельной «Спи моя радость усни», дети с удовольствием подпевали. Мы, профессиональные музыканты, в нотах встречаем авторство В. А. Моцарта, однако это не так, автор
колыбельной -- берлинский врач и композитор-любитель Бернхард Флис.

Звучала в концерте узнаваемая детьми музыка Л. Бетховена -- миниатюра «К Элизе», «Серенада» Ф. Шуберта, «Прелюдия до минор» С. Рахманинова.

Изюминкой программы, которая была нам предложена, стали популярные песни, такие как, «Лесной олень», музыка Евгения Крылатова, слова Юрия Энтина и песни из кинофильма «Бременские музыканты».

Лекция, подготовка к которой длилась почти полгода, продолжалась 40 минут, ведь более длительные лекции-концерты дети младшего школьного возраста не выдерживают. Итогами нашей лекции-концерта и исполнители, и слушатели остались довольны. Ребята охотно отвечали на вопросы, подпевали строчки знакомых песен и смеялись от души, потому что солисты Новосибирской филармонии являются прекрасными исполнителями и актерами.

А мы, молодые лекторы, еще раз убедились, что посвятить себя лекторскому делу, работе с детьми — прекрасная жизненная и профессиональная задача!

Национальная газета «Музыкальное обозрение» («МО») — одно из ведущих российских изданий, посвященное классической и современной академической музыке, всем её жанрам и направлениям профессии академического музыканта. Она выходит из печати уже более тридцати лет. Она основана в 1989 году как информационное издание Союза композиторов СССР. Её основателями считаются первый секретарь Союза композиторов СССР Т. Н. Хренников, ответственный секретарь СК СССР Б. С. Диментман и известный актер, деятель СК СССР П. В. Меркурьев.

К настоящему времени выпущено более 450 номеров газеты в формате А3, а также более 50 специальных выпусков. Последние представляют регионы, концертные организации, ведущие оперные театры, филармонии, симфонические оркестры, вузы страны. Яркие события музыкальной жизни России происходят во многих городах — от Москвы и Санкт-Петербурга до Петропавловска-Камчатского, от Ханты-Мансийского автономного округа до Кавказских Минеральных вод.

Музыкальному театру (опере и балету) отводится более 350 полос: среди них рецензии на важнейшие оперные и балетные премьеры, аналитические материалы о деятельности Большого театра, Мариинского театра, Михайловского театра, Театра им. Н. И. Сац, театров оперы и балета Москвы, Перми, Казани, Якутска, Уфы, Омска, Сыктывкара, оперным и балетным фестивалям.

Памятные даты занимают около 70 полос: 200-летие Р. Вагнера и Дж. Верди, Ф. Шопена, Р. Шумана, А. Даргомыжского и Ф. Листа, 150-летие Г. Малера, К. Дебюсси и Р. Штрауса, 100-летие Б. Бриттена, В. Лютославского, Т. Хренникова, Н. Богословского, К. Кондрашина, 80-летие Г. Гульда.

«Музыкальное обозрение» — создатель музыкально-информационного пространства. Газета не только информирует о событиях музыкальной жизни и не только фиксирует, отражает, анализирует эту жизнь. Она ее формирует и активно в ней участвует, создавая, инициируя, воплощая в жизнь культурные и музыкальные проекты. Естественно, в течение 30 лет музыкально-критическая мысль менялась, и не только в газете «МО». Номера газеты включают статьи информационного и критического направлений. Актуальность нашей работы состоит в том, что трудов, посвящённых анализу музыкально-критических статей в контексте эволюции периодического издания, в настоящее время немного. Поскольку история газеты исчисляется от даты основания до 2014 года, становится интересным обращение к статьям последних лет. Поэтому целью работы становится выявление специфики публицистического стиля статей пятилетия: 2015−2019 гг.

История газеты «Музыкальное обозрение»

1990-е годы. Первым проектом «МО» стал фестиваль в Душанбе 1991 года. Три года спустя впервые в истории музыкальной культуры России презентация книги прошла в формате концерта: Ирина Никольская — «Беседы с Витольдом Лютославским». 29 октября в Концертном зале им. Чайковского прозвучала российская премьера 4-й симфонии Лютославского в исполнении Симфонического оркестра Московской филармонии под управлением В. Понькина. Этот концерт стал дебютным для 19-летнего Д. Мацуева, который исполнил «Вариации на тему Паганини» для фортепиано с оркестром.

С 1995 года «МО» публикует рейтинг «Персоны и события года». Лауреатами газеты становятся руководители музыкальных организаций, общественные деятели, руководители регионов, внесшие значительный вклад в развитие музыкальной культуры. В 1998 и 2002 гг. на базе «МО» был организован пресс-центр Международного конкурса им. Чайковского: главный редактор газеты А. Устинов вел «Дневники Конкурса им. П. И. Чайковского» на телеканалах «ОРТ» и «Культура».

2000-е годы. В 2000 году создана Ассоциация музыкальных конкурсов России (АМКР), которая объединяет свыше 140 конкурсов более чем из 50 городов. Её информационным партнёром является газета «МО». За прошедшие годы проведено пять конференций АМКР (2002, 2003, 2008, 2011 — Москва; 2006 — Краснодар), выпущено четыре справочника «Музыкальные конкурсы России» (2002−2003, 2004−2005, 2009−2011, 2015).

2002 год запомнился очередной презентацией книги в формате концерта. Была представлена книга «Лев Наумов. Под знаком Нейгауза». В концерте, который проходил в Зале им. Чайковского, приняли участие 17 пианистов — учеников Наумова.

Начиная с 2003 года, газета «МО» ежегодно проводит мониторинг российского оркестрового движения под названием «Оркестровая карта России». Публикуется информация за один прошедший сезон: репертуар (в том числе его критика), концертные программы, солисты и дирижеры, полученные ими звания и награды, количество концертов, проведенных каждым дирижером, гастроли в России и за рубежом.

Ежегодно, начиная с 2004 года, проводится Всероссийский фестиваль газеты, номер которого соответствует «возрасту» «МО». К 15-летию газеты, к фестивалю «МО-2004» согласно детально разработанному проекту редакции во главе с А. Устиновым, десять российских композиторов создали Концерт для симфонического оркестра «10 взглядов на 10 заповедей». Два года спустя по аналогии с предыдущим событием семь молодых композиторов написали коллективное сочинение «Посвящение. 100-летию Д. Д. Шостаковича». Оно впервые прозвучало в уникальном концерте «Три коллективных сочинения» в Светлановском зале ММДМ 5 декабря 2006 года, наряду с «10 взглядов на 10 заповедей» и сочинением 11 композиторов, посвящённым 100-летию Московской консерватории (1966): «Вариации на тему 16-й симфонии Н. Мясковского».

В 2008—2012 годах Андрей Устинов и генеральный директор Российского государственного музыкального центра И. Герасимова являлись авторами еженедельной программы «С красной строки», которая транслировалась на радио «Орфей».
С 2008 года в Вологде и Череповце проводится фестиваль «Кружева» (художественный руководитель — Андрей Устинов), ставший событием не только всероссийского, но и международного масштаба. Для фестиваля «Кружева» в Вологде написано пять увертюр, имеющих общее название: «Вологодские кружева». В рамках фестиваля была проведена конференция «„МО“ — образ музыкального пространства России на рубеже веков» с участием ведущих музыковедов, докторов и кандидатов искусствоведения, профессоров ведущих музыкальных вузов России.

С 2009 года в Камерном зале Московской филармонии по инициативе Устинова проводится абонемент «Персона-композитор». Его участниками были около 20 современных российских композиторов разных поколений, в том числе Р. Щедрин, С. Слонимский, А. Чайковский, М. Броннер.

2010-е годы. В 2010 году в Москве прошло мероприятие «Блеск и нищета народных инструментов» с участием ведущих российских композиторов и исполнителей на народных инструментах. В 2011 году в рамках XIV Международного конкурса имени П. И. Чайковского и Пятой конференции ассоциации музыкальных конкурсов России — «Музыкальные конкурсы: бизнес в искусстве или искусство бизнеса?» с участием ведущих специалистов конкурсного дела.

В 2012 году по инициативе Устинова состоялся музыкально-информационный форум «„МО“. Красноярский край. Специальный выпуск», который представил самую широкую панораму музыкальной жизни одного из крупнейших регионов России. Специальный номер «МО» был выпущен незадолго до события — в ноябре 2011 года. Что касается «Оркестровой карты России», то по итогам сезона 2012−2013 гг. в ней приняло участие рекордное количество оркестров страны: 53 симфонических и 32 камерных.

К своему 25-летию в 2014 году газета начала выпуск «Библиотеки „МО“», в которую будут включены публикации газеты по самым разным темам и направлениям. Первый том посвящен аналитическим статьям и материалам, а также официальной статистике по X-XIV Конкурсам им. П. И. Чайковского (1994, 1998, 2002, 2007, 2011).

За 30 лет газета организовала и провела десятки музыкальных фестивалей, конкурсов, филармонических абонементов, концертов, презентаций. Такие проекты, как «Дни МО», юбилейные фестивали газеты («МО"-2004 и «МО-ХХ» в 2009), охватывали практически всю Россию — от Петрозаводска до Петропавловска-Камчатского. Совсем недавно «МО» отметила 30-летие, и мы неслучайно выбрали статьи для рассмотрения в следующем параграфе — в 2019 году отмечался вековой юбилей Мечислава Вайнберга — польского композитора.

Отдельного внимания заслуживают выставочные проекты. Выставка художественных работ Устинова «Территория музыки. Inventions (I. II. III.)» экспонировалась в разных городах России: 1998 — Сургут; 2001 — Магнитогорск, Магадан, Петропавловск-Камчатский, Владивосток, Самара, Саратов; 2002 — Уфа; 2004 — Москва, Санкт-Петербург, 2005 — Ханты-Мансийск, Краснодар, Иваново; 2006 — Краснодар; 2007 — Уфа, Волгоград, Саратов (в рамках ХХ Собиновского музыкального фестиваля). 2008 — видеопрезентации в Челябинске и Уфе. В 2009 году издан альбом выставки. В 2014 году вышел в свет фотоальбом Устинова «INSTRUMENTARIUM», в котором представлены уникальные авторские художественные фотографии инструментов симфонического оркестра и роялей.

Анализ музыкально-критических статей последних пяти лет

Практически в каждой рубрике — а их в газете не менее 20 — акцентируются актуальные, животрепещущие проблемы российской музыкальной и культурной жизни.

Публикации «МО» последних пяти лет имеют очень широкий тематический спектр: история и современность, хроника, факты, события музыкальной жизни в столицах и регионах: оперные театры, симфонические и камерные оркестры, филармонии и вузы, фестивали, конкурсы, книги и ноты, юбилеи, памятные даты, государственная политика в области культуры. С каждым годом материалы рубрики становятся все более обширными, весомыми, раскрывая личность и творчество музыканта с самых разных сторон. Героями публикаций «МО» являются выдающиеся артисты и молодые таланты, музыканты и музыкальные деятели России и зарубежья, прошлого и настоящего.

Без статей информационного характера не бывает полноценных газет и журналов. Газета «МО» совершила скачок в направлении публикаций: в последние пять лет появляется всё больше статей критического характера. Как правило, они посвящены композиторам, чьё творчество актуально на протяжении долгого времени, в частности, премьерам сочинений.
С нашей точки зрения, наиболее знаковыми оказались выпуски газет, в которых говорится о произведениях П. И. Чайковского и М. С. Вайнберга. Это две совершенно разные фигуры, творившие с разницей в сто лет.

Самый актуальный композитор (о П.И. Чайковском)

По хронологии нам следует начать с XIX века. Сегодня продолжает изучаться творчество значимой фигуры музыкальной истории — Петра Ильича Чайковского. Несмотря на наличие многочисленных монографий и статей, в настоящее время всё ещё обнаруживаются неизвестные страницы творчества великого композитора. Этому посвящена аналитическая публикация под названием «Настоящий Чайковский. Неизвестные страницы творчества великого композитора» (от 21.10.2015).

Появление этой статьи не случайно: в 2015 году отмечался юбилей Чайковского (175 лет). Также интересно, что публикация преподносится в виде огромного интервью с Полиной Ефимовной Вайдман — хранителем архива композитора. Первое, о чём она пишет, это главная цель нового собрания сочинений: «Сделать достоянием общественности все авторские версии сочинений, опубликовать все известные документы, связанные с ними (в том числе авторские редакции, наброски, купюры)». Таким образом, благодаря «открытию» миру авторских редакций в глазах учёных-музыковедов, возможно, изменится устойчивое представление о наполнении творчества Чайковского.

Чтобы сделать композитора «настоящим», Вайдман обращает внимание на отдельные сочинения. Так, сравнивая три версии Первого фортепианного концерта, она приходит к выводу, что первые две из них отличаются началом: «У Чайковского нет в начале этих „стальных“ акцентированных аккордов фортепиано. Все они даются арпеджированно, более мягко, что создает иной характер музыки, зачин к дальнейшему повествованию». Балет «Лебединое озеро» исполнялся много раз, но ни разу при жизни Чайковского не был издан. Поэтому Вайдман стремится раскрыть тайну точного замысла и авторских номеров сочинения. Но наибольшего внимания заслуживают ранние произведения: ода «К радости» (на стихи Шиллера) и уничтоженная опера «Ундина». Хранитель архива считает, что дипломная работа Чайковского, оставленная в рукописях, заслуживает быть опубликованной. Оперу «Ундина» удалось восстановить, привлекая сохранившиеся рукописи и более поздние сочинения.

Возрождённый композитор (о М. Вайнберге)

Главный акцент настоящей работы сосредотачивается на композиторе XX века. В российской музыкальной истории в последние пять лет случилось феноменальное явление: вернувшееся имя композитора. Если о Чайковском издано уже много монографий и статей, то в случае с Вайнбергом этот процесс набирает вторую волну. На рубеже XX—XXI вв.еков музыка Вайнберга была фактически забыта, исполнялась крайне редко. В последние годы интерес к его творчеству возрождается во всем мире. Ставятся его оперы, исполняются симфонические и камерные партитуры, вокальные произведения.

8 декабря 2019 музыкальный мир отметил 100 лет со дня рождения Мечислава Вайнберга — одного из крупнейших композиторов ХХ века. «МО» много лет ведет деятельность по продвижению творчества Вайнберга в России, а в честь юбилея газета инициировала проведение в 2019 Года Вайнберга в России.

Творчество Вайнберга настолько актуально, что вековой юбилей композитора начал отмечаться ещё задолго до события. Немалую долю составляют критические статьи, посвящённые произведениям Вайнберга. Чтобы проследить эволюцию музыкальной критики, мы намерены придерживаться хронологического порядка анализа статей. Первая среди них, «Репетиция в яме и за иллюминаторами» (от 02.09.2016) вышла ещё за три года до юбилея — в 2016 году. Тема публикации крайне привлекательна — первая репетиция российской премьеры оперы «Пассажирка», которая прошла в Екатеринбургском Государственном академическом театре оперы и балета. Более того, этой премьерой открывался новый театральный сезон.

Эта статья информационно-аналитического типа построена словно повесть из двух «глав», написанная автором публикации. В первой из них говорится о событиях в оркестровой яме — самой звучащей музыке: «Музыка, словно простреленная автоматными очередями, наполненная смертельной опасностью, страхом, тревогой и нежными „каплями“ надежды на жизнь». Одна из главных ценностей статьи — краткое интервью главного дирижёра театра Оливера фон Дохнаньи (Словакия), который также выступает в качестве музыкального критика: «Музыка контрастная, экспрессивная. Будет ли легко зрителю? Не думаю. Ведь это не лёгкая музыка, а нелёгкая музыка, серьёзная. Но, мне кажется, она способна задеть душевные струны человека». Вторая «глава» переносила автора статьи на сцену, за иллюминаторы: здесь он высказывает впечатления от эмоций оперных героев — словно уже во время выступления. В завершении статьи — интрига: о какой пассажирке идёт речь?

Ответ на этот вопрос даёт режиссер Тадэуш Штрасбергер, который солидарен с мнением самого Вайнберга: они считают центральными персонажами поляков Марту и Тадеуша. Эта точка зрения находится в следующей статье, вышедшей два года спустя — «Современный оперный мир Мечислава Вайнберга» (от 10.08.2018). Главным критиком выступает Устинов: в ответ на выступление композитора и критика Петра Поспелова в отношении подмены современной оперы Вайнбергом он отвечает противоположным тезисом. «Он вовсе не подменил. … Современность „Пассажирки“ — в тематике. И тематика эта — вопрос человеческого бытия, вопрос жизни в условиях, в которых жить нельзя».

Интересно, что Устинов считает современным оперным миром Вайнберга всё его творчество: «Один из редких композиторов, у которого каждая нота в музыке, каждое произведение глубоко лично связано с личной биографией. Поэтому выбор „Пассажирки“ Посмыш в качестве основы для оперы вовсе не связан с тем, что происходило в Европе». Критик подтверждает свою точку зрения цитатой самого композитора, который говорит о конкретных произведениях: «Самое важное? „Пассажирка“. Все остальные — это тоже „Пассажирка“. Из последних симфоний — Двадцать первая, которая еще не игралась. Посвящена сожжению Варшавского гетто, где погибли мои близкие. Она — тоже „Пассажирка“».

Перед нами — критическая статья проблемного характера, имеющая подзаголовки-вопросы («„Пассажирка“ опоздала?», «„Пассажирка“ — вовремя?»). Черта проблемной публикации наметилась ещё в самом начале: «оперные партитуры композитора еще ждут фундаментального музыковедческого биографического и контекстуального анализа». Статья начинается с поиска ответов на обозначенные вопросы: для этого автору статьи пришлось привлечь документальные сведения (цитаты Вайнберга), а также побеседовать с режиссёром и оперными певцами, задействованными в спектакле. «Пассажирка» действительно опоздала в 60-е годы, но и приехала вовремя, в 2006 году — как раз в тот момент, когда вторая волна изучения творчества композитора находилась у истоков.

Через три месяца вышла другая статья проблемного характера — «Ольга Рахальская, открытое письмо: „Музыковеды изучают биографию Вайнберга, игнорируя самого Вайнберга…“» (от 22.11.2018). Ольга Рахальская — супруга Мечислава Вайнберга, и на фоне всплеска интереса к его произведениям она весьма критически подходит к изучению биографии музыковедами. Она фокусирует внимание на этой «болевой точке». Вначале она ставит проблему изучения Вайнберга музыковедами, которые «не придают значения тому, что говорит он сам».

В качестве решения проблемы биографии Рахальская предлагает путь в виде ответа на пять вопросов: 1. Что его родители в разводе; 2. Как зовут его мать; 3. Как зовут его самого; 4. Когда у него день рождения; 5. С кем он бежал из Варшавы в начале Второй мировой войны (один, с сестрой или отцом); 6. Встречался ли он после своего бегства с кем-то из своей семьи. На каждый из вопросов она даёт аргументированный ответ, сравнивая и опровергая «новаторские» по её мнению точки зрения исследователей. Например: «Польский исследователь Данута Гвиздаланка называет датой рождения Вайнберга 12 января 1919 года, опираясь на прошение Самуила Вайнберга о приеме сына в Варшавскую консерваторию. … Но Вайнберг всю жизнь отмечал день рождения 8 декабря 1919 года! Не мог же он не знать, когда родился. Возможно, Самуилу как-то удалось сдвинуть дату с 8.12. на 12.01, чтобы сын по документам оказался почти на год старше, т.к. в консерваторию принимали с 13 лет». Или: «Итак, до 1982 года официально он стал только Моисеем, а в 1982 году вернул имя „Мечислав“, и, таким образом, оба имени имеют право на существование».

Итоговой статьёй, обобщающей пятилетие обращения к творчеству композитора, стала проблемно-аналитическая публикация «Феномен Вайнберга» (от 28.12.2019). Она написана главным редактором «МО» Андреем Устиновым. В этом своеобразном итоге собрано всё: статистика проведённых концертов и спектаклей в разных культурных заведениях (Московская филармония, Большой театр), собрание сочинений — от академической музыки до музыки в кинофильмах, биографические факты, творческие контакты с композиторами-современниками. Расширяют представление о личности Вайнберга проекты и форумы «МО», например, «Мечислав Вайнберг (1919−1996). Возвращение». Но в центре внимания этого творческого портрета — подзаголовок «Музыка сердца и души»: здесь анализируется творчество в личностном контексте, согласно видению Вайнберга: «Специфика стиля, языка, мышления Вайнберга, синопсис его музыки — в необычайном многообразии, в сочетании, казалось бы, несочетаемого», «Мудрость в восприятии утрат, совесть и честность художника, юмор и тоска, теплота и суровость, легкость бытия и печаль, отчаяние и мужественность — все это есть в музыке Вайнберга».

Итак, несмотря на небольшое количество проанализированных статей, можно сделать вывод, что последние пять лет продукция издательства «МО» характеризуется жанровыми микстами в публикациях. Среди них проблемно-аналитическая статья («Современный оперный мир Мечислава Вайнберга»), творческий портрет с чертами аналитической статьи («Феномен Вайнберга»). Важно, что значимые публикации обязательно приурочены к какому-либо значительному событию мировой музыкальной культуры. Это, в частности, юбилейные даты М. Вайнберга (100 лет) и П. Чайковского (175 лет) — двух композиторов, по настоящее время привлекающих внимание музыковедов и исполнителей во всём мире, а также центральной в творчестве Вайнберга оперы «Пассажирка» (50 лет с момента написания).

Поскольку ещё не все рукописи Чайковского оказались расшифрованными, работа будущего — систематизировать их. Возможно даже появление пятого тома сочинений великого композитора. Что же касается Вайнберга, то его творчество музыкальной критикой изучается достаточно широко. Мы проанализировали посвящённые ему четыре статьи и убедились, что критическая мысль в этой области развивалась по методу индукции: от простой информативно-критической статьи об опере «Пассажирка» до проблемно-аналитической, раскрывающей феномен Вайнберга, от отдельного сочинения до личности композитора в целом.

Рассмотрение нескольких статей убеждает в том, что более четверти века газета «Музыкальное обозрение» действительно выполняет свою главную миссию: информирует и побуждает к размышлению. Она — радость и утешение для огромного массива музыкантов всей России: всех возрастов, во всех регионах. Газета стала для них пристанищем, участником их деятельности, проводником и проповедником важнейших идей.

Один из холодных осенних вечеров был проведен в культурном месте города. На афише концерта значились имена двух выдающихся исполнителей — Александра Ведерникова и Николая Луганского. Уже перед входом у меня несколько раз спросили: «Нет ли случайно лишнего билетика?»

Александр Ведерников неоднократно вставал за дирижерский пульт Новосибирского академического симфонического оркестра. Он является заслуженным деятелем искусств Российской Федерации, главным дирижером Датской Королевской оперы в Копенгагене. В качестве приглашенного дирижера Александр Александрович выступает с самыми знаменитыми оркестрами мира, среди которых: оркестр Нидерландской филармонии, ВВС, Радио Франс, театров Ла Скала, Ковент-Гарден и др. Творческое сотрудничество с Новосибирском было установлено еще в семидесятые годы прошлого века его отцом — знаменитым советским и российским оперным певцом А. Ф. Ведерниковым.

В первом отделении концерта под управлением А. Ведерникова была исполнена Седьмая «Пасторальная» симфония А. К. Глазунова. Она по праву считается одной из лучших симфоний в творчестве композитора — в ней отразились основные эстетические, художественные и музыкальные принципы. Оркестру, совместно с дирижером, удалось воссоздать колорит истинно русской музыки. Все это было воплощено в неторопливости эпического повествования, в ясности оркестрового письма, фактурно-усложненного за счет широкого использования полифонических приемов и, конечно же, в опоре на народные жанры. Мощный темперамент А. Ведерникова и высокий уровень мастерства музыкантов оркестра смогли воплотить в жизнь максимально приближенную концепцию композитора, отраженную на нотном полотне.

После того, как прозвучал третий звонок, зал взорвался аплодисментами. На сцене появился солист Московской государственной филармонии, народный артист России — Николай Луганский — один из самых тонких пианистов мира. Начиная с 1996 г., Николай Львович начал свое сотрудничество с Новосибирским академическим симфоническим оркестром и уже в пятый раз музыканты совместно будут создавать волшебство на сцене филармонии.

После поклона артиста в зале установилась благоговейная тишина. Со сцены полилась простая как песня мелодия Третьего концерта для фортепиано с оркестром С. В. Рахманинова. Наиболее яркие и подлинные черты индивидуальности композитора проявились в этом сочинении. «Состязание» между партией оркестра и фортепиано уходят на второй план, здесь рояль занимает доминирующие позиции. Помимо технической сложности — череда блестящих мелких пассажей в сочетании с массивными аккордами, вплетающиеся в масштабную гармоническую ткань нежные полифонические подголоски - сольная партия также невероятно сложна и богата во внутреннем развитии. Николай Львович с полной отдачей воплощал композиторский замысел и буквально погрузил слушателей в глубокий мир музыки Сергея Васильевича. Музыкантам удалось очаровать и заворожить публику, которая до последнего мгновения, затаив дыхание, слушала грандиозные произведения выдающихся русских композиторов!

Каждый слушатель после концерта уходил потрясенный величием русской музыки. Очередное концертное событие, произошедшее 24 ноября, останется у всех в памяти еще долгое время.

12 июля 2019 года на Малой сцене достояния культуры города Новосибирска, НОВАТа, состоялась новая премьера: одноактная опера Пьетро Масканьи «Сельская честь».

Опера была выставлена на показ зрителям в концертном исполнении. Сейчас это достаточно популярная форма исполнения. Оно явилось вторым по счету в данном роде исполнением опер после сокращенного варианта вагнеровского «Тангейзера», прозвучавшего в Государственном концертном зале имени А. М. Каца на Транссибирском фестивале. Несмотря на то, что это было преимущественно концертное исполнение, режиссером Вячеславом Стародубцевым была сохранена канва, созданная итальянским композитором.

Большее внимание привлекла сама постановка оперы. После вступительной речи музыкального руководителя и дирижера Дмитрия Юровского, который ознакомил публику в общих чертах с произведением и сконцентрировал их внимание, представление началось. Оркестр заиграл, последовала игра на сцене действующих лиц, вышел хор. Все в традициях жанра оперы. Вместо декораций было яркое световое оформление из плавно перетекающего по колоннам розово-синего цвета. Впечатлил выход на сцену хора. С двух сторон балкона он постепенно переходил на середину, держа в руках свечи. Еще один важный элемент это титры. Для людей не знакомых с этим произведением это было хорошим подспорьем для понимания и восприятия. Но, следует отметить и то, что все-таки некоторым из слушателей, представление оперы в таком формате не очень понравилось.

В связи с этим встал вопрос: «Сегодня людям в двадцать первом веке, которыми больше информации воспринимается посредством визуального контакта, интересно ли наблюдать за такой трансформацией оперы или нет?» На этот вопрос нам ответила постоянная гостья оперного театра Надежда Васильевна: «Конечно, нам - пожилому поколению - привычнее наблюдать за оперным действом на классической театральной сцене с шикарными декорациями, костюмами, хорошей актерской игрой. На малой сцене оперного театра все-таки мало места, чтобы исполнители могли почувствовать себя комфортно, не беспокоясь о своих движениях во время актерской игры и передачи эмоционального состояния героев оперы».

Как известно, Малая сцена была реконструирована совсем недавно, в 2017 году. Новосибирские журналисты тогда отметили внесение многих новшеств, из которых главными явились: переоборудование зала по прототипу амфитеатра, работы над усовершенствованием акустики. И действительно, благодаря исполнителям создавался стереофонический эффект, позволяющий слушателям погрузиться в атмосферу музыкального действа. Но, все же, иногда, массивность хора задавливала исполнителя. Его не было слышно в потоке звука, как это должно быть в ансамблевых номерах.

Следует сказать, что при всей сложности камерного исполнения оперы сочетание ее с концертным исполнением не всегда удается театральным звездам. Однако первое впечатление от прослушанного варианта сложилось очень хорошее. И подтверждением тому явилась случайно подслушанная сентенция одного из слушателей, который по всей видимости пришел первый раз в концертный зал имени И. Зака: «Мне очень все понравилось и в частности то, что это было не так долго».

6 декабря 2019 года в Изумрудном зале НСМШ прошёл концерт класса Т. В. Тарновской «Волшебные звуки арфы».

Когда я провела первый в жизни концерт вне стен консерватории — в Сибирском университете потребительской кооперации, то в концертную программу, главным героем которой стал Студенческий симфонический оркестр имени И. И. Соллертинского, был включён номер «Путешествие по симфоническому оркестру». И больше всего меня впечатлило исполнение арфистки — Ирины Изаксон (III курс оркестрового факультета НГК). Арфа — мой любимый музыкальный инструмент, поэтому я долго ждала момента её выступления — от самой первой репетиции в зале, через первые два номера концерта — «Рассвет на Москва-реке» и Увертюру к опере «Царская невеста», до «Путешествия». И вот этот момент состоялся!

Эти впечатления от потрясающих арфовых звуков перешли на следующий день. Я увидела анонс концерта «Волшебные звуки арфы» в новостной ленте социальной сети «ВКонтакте». Мероприятие проходило в Новосибирской специальной музыкальной школе, которую я окончила. Конечно же, загорелась желанием пойти туда и готова была всем пожертвовать, ведь концерты арфовой музыки в Новосибирске, к тому же в исполнении юных музыкантов — явление редкое! Наконец, за час до начала своей работы в музыкальной школе я вошла в здание родного колледжа.

Афишу в социальной сети распространила Тамара Владимировна Тарновская — преподаватель класса арфы в НСМШ и арфистка Новосибирского академического симфонического оркестра Новосибирской филармонии. Исполнители — её ученицы: Маргарита Веселовская (2 класс), Виолетта Репина (4 класс), Татьяна Фишова (5 класс), Дарья Светлова, Ким Кын Нан (обе — 7 класс).

Занимаю место в зале. Передо мной возникает будущая картина: юные арфистки, настоящие принцессы и волшебницы, перебирают пальчиками струны, извлекают воздушные и морские звуки. И, наконец, сказка начинается с появлением ведущей — Тамары Владимировны. Первой по традиции на сцену вышла самая младшая участница. Маргарита Веселовская исполнила сочинение ирландского арфиста и композитора Т. О’Каролана. Очень трогательно было смотреть на маленькую фею — несмотря на то, что она учится ещё во 2 классе, Маргарита красивыми звуками арфы создала в моём воображении образ: ирландский пейзаж, девочка, стоящая на тропинке перед деревянным домиком и вспоминающая о чем-то …

Далее выступили ученицы 4 и 5 классов и вместе с ними я перенеслась в континентальную Европу XVIII века. Татьяна Фишова представила Токкату из Сонатины № 2 до минор французского композитора Ф.-Ж. Надермана. А в ансамбле с Виолеттой Репиной она исполнила Менуэт из оперы В. А. Моцарта «Дон Жуан». Менуэт обычно имеет умеренный темп, но в переложении для двух арф его характер преобразился. Поэтому дуэт ассоциируется с картиной: король отдыхает от государственных дел, в честь него устраивают праздник, и один из исполняемых танцев на этом балу — менуэт, светлые, и даже немного успокаивающие мелодии которого ведут эти самые арфистки. А в средней части Менуэта, казалось, будто девочки с помощью пассажей «переговариваются» между собой.

Кульминация концерта наступила с выходом на сцену учениц 7 класса. Они исполняли произведения эпох романтизма и импрессионизма, когда педальная арфа, которую мы знаем сегодня, стала активно использоваться в симфоническом оркестре. Семиклассницы играли уже достаточно серьёзные произведения, с множеством нюансов и оттенков. Два произведения — «У фонтана» А. Г. Цабеля и Арабеска № 1 К. Дебюсси, сыграны Дарьей Светловой, ещё одно — «Маргарита за прялкой» Цабеля, — Ким Кын Нан. Девочки преподнесли сочинения на таком высоком уровне, что я даже стала глубже дышать! А в то же время в моём воображении возник образ средневекового замка, который возведён недалеко от озера, искрящегося от лучей яркого солнца — как раз тот образ, что возникает при игре на арфе.

И хотя концерт длился всего полчаса, мне показалось, что он длился целую вечность. И всё благодаря Тамаре Владимировне: она предоставила прекрасную возможность своим ученицам показать себя на сцене и порадовать публику, а слушателям — поистине насладиться волшебными звуками детства.

Самое вдохновляющее и поэтически настроенное мероприятие консерваторской зимы 2019 прошло в Конференц-зале НГК им. М. И. Глинки 17 декабря.

В открытом конкурсе декламации стихотворений А. С. Пушкина на русском и иностранном языках, посвященному празднованию юбилея со дня рождения поэта, приняли участие более 40 студентов из разных вузов Новосибирска: НГК им. М. И. Глинки, Новосибирского государственного педагогического университета, Сибирского государственного университета путей сообщения, Новосибирского государственного технического университета.

Конкурс проводился по двум номинациям: первая — декламация стихотворений Пушкина на русском и иностранном языках; вторая — прочтение стихотворения поэта в собственном поэтическом переводе на иностранный язык. В тот день в консерватории, как никогда прежде, целый день звучали стихи на русском, английском, немецком, итальянском, китайском и корейском языках.

Некоторые участники конкурса продемонстрировали по-настоящему творческий подход в прочтении стихотворений. Об этом свидетельствовал продуманный выбор костюма, отрепетированные пластические движения, использование реквизита. Я знаю это потому, что присутствовала на конкурсе в тот день. Более того, я была не просто слушателем, а одним из чтецов.

Да, мне посчастливилось принять участие в этом трогательном мероприятии. Сначала я читала подлинное стихотворение Пушкина «Красавица» на русском языке, а затем — это же сочинение в переводе на английский язык. Вполне толковый перевод я обнаружила на одном из англоязычных сайтов. Несмотря на присутствующее волнение, дрожащие руки, я вышла на сцену и начала читать.

И… о, чудо. Волнение умолкло, а ему на смену по телу разлилась теплая волна неописуемого добра ко всем сидящим в зале людям. Мне просто было хорошо. И хотелось поделиться этим «хорошо» с каждым.

Такое озарение не осталось незаметным. Я стала лауреатом конкурса, а самое главное, получила огромное удовольствие от процесса. Удовольствие от удивительного, неповторимого момента в моей жизни. И в очередной раз я просто говорю «спасибо»!